Art, Història i Barcelona

Adeu Tàpies!

2012-02-10T08:27:00.000-08:00

És impossible recopil.lar la molta informació que en aquests darrers dies s'ha publicat sobre Tàpies, un geni que ha pintat fins que se li ha escapat la vida.
Crec que la millor manera de fer-li l'homenatge és a través de l'actualitat més vanguardista i aquesta en aquests moments és a les xarxes socials.

Us deixo l'enllaç a Storify que han difòs a través de Patrimoni de la Generalitat sota el títol "l'adeu al pintor de la veritat"

Storify canal de Patrimoni de la Generalitat

Fins sempre mestre!!

Barcelona histórica

2012-01-19T05:01:00.001-08:00

Maravillosa barcelona

View more presentations from esterballart.

Street art utopia

2012-01-07T10:06:00.000-08:00

Avui he consultat aquesta web a través d'un enllaç del diari Ara (Ara.cat), rotatori que està fent molt bé la seva feina. En aquesta web es recullen les millors obres d'art urbà no oficial que fan els artistes no consagrats, diguem-ne artistes de carrer.

La majoria d'ells es dediquen a altres tasques i fan això com a entreteniment, amb voluntat de denunciar alguna cosa o bé per guanyar uns diners que els serviran per pagar les despeses del viatge. Però el cert és que les seves obres son una mostra de la infinita capacitat que tenim els éssers humans per la creació artística.

Tinc el convenciment que aquest art amb els anys serà reconegut i oficial, perquè acompleix una de les funcions més importants de l'art que és la d'estar en la vida qüotidiana dels ésser humans i no només en els museus.

Si teniu curiositat consulteu la pàgina Street art utopia i us en podreu fer una opinió personal del que és aquesta manifestació artística. M'han impressionat els arbres folrats de ganxet i els dibuixos fets amb una perspectiva impecable per enganyar a l'ull com ja ho feien en el Barroc els grans pintors.
Ja que ahir va ser el dia de Reis hem reproduït una escena entranyable aprofitant una de le smoltes esquerdes que estan presents en la nostra ciutat.

Barcelona

2011-12-17T01:54:00.001-08:00

Arriben les festes de Nadal i la nostra ciutat s'omple de llum i color. Us adjunto la felicitació de Nadal del nostre Ajuntament.

Bona Nadal!

Los Manuscritos del Mar Muerto online

2011-12-09T08:33:00.000-08:00

Empecemos por el futuro: al director del Santuario del Libro, que es también el conservador jefe de los Rollos del Mar Muerto, Adolfo Roitman, comenta a ABC que le parece todavía «de ciencia ficción». Durante los últimos meses ha participado directamente en la digitalización de los célebres manuscritos de Qumrán. Una copia pluscuamperfecta que la tecnología ha permitido realizar con sumo cuidado para no dañar los delicadísimos pergaminos (alguno de medio milímetro de espesor). Exposición: 1/4.000 de un segundo. Resolución: 200 veces más que una cámara estándar. Se utilizaron tubos flash protegidos contra los rayos UVA.

Google añade la traducción al inglés (de momento, aunque vendrán otras lenguas, todas las lenguas) y un sistema de búsqueda marca de la casa, por capítulo y versículo en el caso del Libro de Isaías. En total se han digitalizado los cinco rollos principales de entre los hallados en las cuevas de Qumrán y que se conservan en el Museo de Jerusalén.

«Puedo certificar que aquí se ven con más detalle y mejor que al natural con el ojo humano». Roitman se expresa asombrado, con su acento porteño. Utilizará la web para ilustrar su nuevo ciclo de clases y conferencias por EE.UU. «Ya no tendré que llevar otro soporte», dice. «Lo maravilloso es que, desde cualquier universidad, sinagoga o mezquita del mundo, podrán estudiarse las imágenes originales, ilustrar clases, ahondar en investigaciones, por más que el estudioso esté en un rincón apartado del globo, siempre que tenga un ordenador conectado a internet», aclara. «Aún no imaginamos las consecuencias de todo esto...»

La voz de hace 2.800 años

Sabiendo esto podemos viajar al pasado. El libro de Isaías, el profeta que vivió hace 2.800 años, es el único rollo completo de todos los hallados en Qumrán. Se erige, además, como el manuscrito bíblico más antiguo del mundo, puesto que la copia procede del siglo I antes de Cristo.

A los manuscritos digitalizados les acompaña en su versión online una batería de audiovisuales, vídeos y otras informaciones sobre el material con el que fueron hechos. Al experto que ya conoce la traducción de los textos le aportarán una visión emocionante a la versión original, tan quebradiza.

Al curioso le espera una inmersión en la magia de este tesoro universal que ahora «sin ninguna duda se convierte, literalmente, en patrimonio de la humanidad, de un concepto de humanidad específico que interesa a los hombres de buena voluntad», asegura Roitman. Los manuscritos generan aún preguntas a los estudiosos y su puesta global en escena permitirá cruzar datos con la arqueología y otras ciencias en una dimensión inabarcable.

Magia espiritual

«Pero la verdadera magia de los rollos está en el campo espiritual. Las religiones monoteístas tienen interés en los Rollos, porque los textos están en sus distintas tradiciones, uniéndolas en la raíz, poniendo énfasis en lo que tenemos en común», asevera Roitman. «Y, como persona culta, le diré que para mí es muy importante que este mensaje parta hoy desde Jerusalén al mundo, cuando normalmente estamos enmarcados en un marco exclusivamente político. Hay aquí una vida cultural que le interesa al mundo entero, el Santuario del Libro cobra sentido en las palabras con las que queremos tender la mano a cada hombre en este planeta, ahora gracias a un ordenador...»

+ info:
http://dss.collections.imj.org.il/

Los hombres prehistóricos se hacían colchones de paja para dormir hace 77.000 años

2011-12-09T08:18:00.000-08:00

Los hombres prehistóricos eran capaces de dotarse de unas mínimas condiciones de comodidad e higiene, a la vista del hallazgo, en un refugio en Sudáfrica, de unas colchonetas hechas hierbas, juncos y hojas que se han datado en 77.000 años de antigüedad (a modo de refrencia: las pinturas de Altamira tienen en torno a 15.000 años). Algunas plantas, además, parecen elegidas entre especies conocidas en la medicina tradicional por contener compuestos de efecto insecticida y larvicida, por ejemplo repelentes de mosquitos. Además, los restos indican que las colchonetas fueron quemadas periódicamente, tal vez con fines higiénicos: luchar contra plagas y destruir la basura. Son vestigios muy significativos del comportamiento cultural complejo de la humanidad anatómicamente moderna antes de la última ola migratoria desde África de estos antepasados nuestros directos. Las colchonetas coinciden temporalmente en los yacimientos surafricanos con otros indicios de prácticas avanzadas, como la utilización de cuentas de concha, las nuevas tecnologías aplicadas a los instrumentos de piedra, la preparación de trampas para animales y la fabricación de arcos y flechas.

La noticia en otros webs

Los colchones descubiertos ahora son, con mucho, los más antiguos que se han encontrado, con 50.000 años más que los que se conocían hasta ahora.

Al menos 15 capas diferenciadas de colchonetas de material vegetal apelmazado han encontrado los científicos en el refugio de Sibudu, situado en un acantilado sobre un río, 40 kilómetros al norte de Durban y a 15 de la costa del océano Índico. La localización del refugio es importante porque muchas de las plantas utilizadas en la preparación de los jergones crecen exclusivamente en entornos acuáticos, lo que descarta que se trate de plantas crecidas in situ y aplastadas. Los humanos prehistóricos subieron las hojas, hierbas y juncos hasta su refugio y se prepararon colchonetas para dormir y para vivir más cómodamente, afirman los científicos que investigan el yacimiento arqueológico, liderados por Lyn Wadley (Universidad de Witwatersrand, en Johannesburg). Presentan los últimos descubrimientos en la revista Science.

Los colchones están apelmazados, superpuestos unos a otros (hasta 15 capas de varios centímetros de grosor cada una se han identificado) en un grueso sedimento que se extiende entre uno y tres metros cuadrados. Los científicos han hecho análisis de datación y afirman que corresponden a una ocupación del refugio en cuestión durante 40.000 años (de hace 77.000 años hasta hace 38.000). La selección de las especies utilizadas para hacerlos, "sugiere que los habitantes primitivos de Sibudu conocían las plantas del entorno de su refugio y eran conscientes de sus usos medicinales", señala Wadley. "Las hierbas medicinales aportarían ventajas para la salud humana y la utilización de plantas contra los mosquitos añade una nueva dimensión a nuestro conocimiento del comportamiento humano hace 77.000 años". Los científicos han reconocido, por ejemplo, restos de Cryptocarya woodii, especie aromática cuyas hojas aplastadas emiten compuestos químicos repelentes contra los mosquitos, que siguen presentes en las prácticas tradicionales africanas con el mismo uso.

"Aquellos habitantes del pasado harían la recolección de juncos en las orillas del río uThongathi, justo bajo Sibudu, y las extenderían luego en el suelo del refugio haciendo jergones que servirían no sólo para dormir, sino que también proporcionarían una superficie confortable para la vida diaria y para trabajar", añade Wadley. Las prácticas domésticas parece que no se acaban ahí, sino había un mantenimiento de las colchonetas, ya que los restos indican que eran quemadas periódicamente in situ, seguramente para eliminar plagas y preparar una nueva capa de hierbas y hojas frescas.

Al estudiar el yacimiento, los científicos se dieron cuenta de que la ocupación del refugio de Sibudu se intensificó hace unos 58.000 años, con mayor densidad de capas de jergones, más restos de fogatas, más depósitos de restos y más piezas de artefactos de piedra en el yacimiento. Wadley y sus colegas argumentan que ese incremento de ocupación corresponde al cambio demográfico en ese continente en aquella época. Hace unos 50.000 años los humanos modernos, nuestra especie, empezaron a salir de África y acabarían reemplazando a las formas arcaicas de Homo sapiens en Eurasia, incluidos los neandertales.

Publicado en El País el 9.12.11

Noticias relacionadas:

http://ballartblog.blogspot.com/2010/06/una-sabata-de-5500-anys.html

El arte de contar el arte sin cuadros

2011-12-05T01:55:00.000-08:00

Arte sin arte. ¿Se puede hacer una exposición sobre Picasso en la que no haya un solo cuadro? Es más, ¿se puede hacer sin un solo cuadro cuando además quiere narrar otra exposición que - esta sí-gozó de 25 flamantes piezas...? Es más: ¿en la que haya apenas fotos de aquellas obras maravillosas; y en blanco y negro, pequeñas...? La respuesta es un contundente sí. Estamos ante la metaexposición, la muestra sobre la muestra, y el resultado es pura historia del arte. El Museu Picasso de Barcelona abre hoy al público Picasso 1936. Empremtes d´una exposició, en realidad una investigación sobre cómo se gestó en 1935 y se concretó en enero de 1936 la muestra Picasso, que visitó Barcelona, Madrid y Bilbao y marcó la pauta de la relación del artista con estas tres ciudades y en general con España.

La propia muestra que hoy abre al público es museografía pura, un eficaz exprimidor de naranjas, porque transforma una documentación que podría ser un cactus en un hábil juego intelectual, puro estímulo. Sacudidos por el cedazo-led de la empresa Media Interactive Design, las fotografías, las grabaciones (entre ellas posiblemente la primera voz enlatada de Salvador Dalí), los propios discos, los recortes de prensa, los ejemplares de revistas... se convierten en un apasionante juego de pistas e insinuaciones para quien quiera seguirlas. "Es una exposición diferente a lo habitual y sin duda es la de mayor riesgo que hemos hecho", valoró ayer Pepe Serra, el director del centro, elegido ya nuevo director del Museu Nacional d´Art de Catalunya (MNAC), al que se mudará en pocas semanas. En esta línea, el concejal de Cultura, Jaume Ciurana, agradeció al museo que asuma riesgos, porque "la administración tiene algunas virtudes, pero no la de la creatividad". "Propone muchas preguntas - añadió Serra-sobre cómo deben hacerse o cómo no deben hacerse las exposiciones, y no me refiero a los presupuestos. Es una apuesta radical. No es con documentos sino de documentos".

En una de las salas, por ejemplo, un juguete de tarjetas magnéticas del tamaño de un iphone, con la tecnología chip del bicing, insta a insertarlas para que (en catalán, castellano o inglés) se encienda toda una pared de imágenes que un hilo luminoso une, sugiriendo relaciones, amistades, marchantes.

En la última sala, una pantalla táctil de 42 pulgadas cruza cientos de datos para mostrar quién fue quién en la organización de aquella exposición, las relaciones entre cada uno de ellos agrupadas por temas (obras de Picasso, amistades, galeristas, museos...): cuando uno coloca el dedo por ejemplo sobre Paul Éluard, el poeta íntimo de Picasso, y lo arrastra hacia la periferia de su universo, hacia el marco de la pantalla, él vuelve mansa pero incorregiblemente al centro de la órbita, arrastrando todos los hilos que lo unen a otros satélites picassianos. El invento de MID deja los nombres flotando, como mecidos por el océano de datos. Para Silvia Domènech, comisaria de la exposición, "se trata de poner en valor los documentos de los procesos artísticos" y de hacer que "dialoguen entre ellos".

La exposición rescata el protagonismo que Adlan (Amics de l´Art Nou) tuvo en la preparación de la exposición de 1936, que viajó a Madrid y Bilbao pero no pudo hacerlo a otras dos de las ciudades inicialmente previstas, Tenerife y Málaga. En Barcelona se instaló en la Sala Esteva y la documentación que generó es en parte la que nutre lo que hasta febrero puede verse en el Picasso, y que fue conservado por Claudio Hoyos, nieto de uno de los dueños de aquella sala.

La apertura de Picasso 1936 no podía más que coincidir con la del nuevo Centre de Coneixement i Recerca, inaugurado ayer y con el que el Museu Picasso quiere convertirse en foco de conocimiento: una luz que pueda cristalizar en exposiciones como la mencionada. El Centre, además, es uno de los legados que deja Pepe Serra antes de su mudanza.

Publicado en La Vanguardia 30 de noviembre del 2011

+ info
http://www.bcn.cat/museupicasso/ca/exposicions/encurs.html

Y la arquitectura se hizo pintura

2011-11-25T10:16:00.000-08:00

El museo Thyssen de Madrid expone 140 obras que representan espacios arquitectónicos desde el Renacimiento al siglo XVIII

Plazas, calles, edificios... ¿Cómo eran o cómo los veían los grandes pintores de su tiempo? Bajo el título Arquitecturas pintadas el Museo Thyssen, en colaboración con la Fundación Caja Madrid, presenta hoy una de sus grandes exposiciones de la temporada. Se trata de más de 140 cuadros, desde el Renacimiento al siglo XVIII, que representan las ciudades y su arquitectura. Una evolución de los escenarios arquitectónicos que incluye obras de Duccio di Buoninsegna, Canaletto, Giovanni Paolo Panini, Tintoretto, Gaspar van Wittel, Hubert Robert, Maerten van Heemskerck o Hans Vredeman de Vries, entre otros.

Ciudades reales o ciudades soñadas, la leyenda, la imaginación y la fantasía forman parte de la manera en la que muchos artistas plasmaron ciudades de todo el mundo. La exposición, que permanecerá abierta hasta el próximo 22 de enero, ha sido comisariada por el catedrático Delfín Rodríguez y la conservadora el museo Mar Borobia, quienes plantean un recorrido que va de ciudades monumento como Roma, Nápoles o Madrid y El Escorial a conceptos como la ruina y la memoria.

La exposición reúne obras procedentes de colecciones particulares y museos de todo el mundo, con préstamos destacados de, entre otros, los Museos Vaticanos, la National Gallery of Art de Washington, la Galleria degli Uffizi, el Museo del Prado y Patrimonio Nacional.

Galeria El País

Publicado en EL País el 17/10/11

Visita virtual

http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2011/arquitecturas/vv/index.htm

Un pequeño Hermitage en el museo del Prado

2011-11-25T10:08:00.000-08:00

La exposición, en la que se pueden ver obras de Friedrich, Monet, Rodin o Cézanne, pone el broche de oro al año dual España-Rusia 2011

Sinónimo de la grandeza de los zares y emblema de la cultura rusa, el Hermitage de San Petersburgo no sólo es una de las grandes pinacotecas mundiales, sino que constituye un tesoro en sí mismo. Ahora, una selección de su esencia podrá verse desde el día 8 y hasta finales de marzo en las salas de la ampliación del madrileño museo del Prado.

Concebida no como una mera exposición, sino como todo un "acontecimiento cultural", El Hermitage en el Prado pone el broche de oro al año dual España-Rusia 2011 que arrancó en febrero con El Prado en el Hermitage. Aquella muestra de los fondos de la mayor pinacoteca española fue vista por más de 600.000 personas, convirtiéndose en la más visitada en la historia del museo ruso. Y San Petersburgo promete no quedarse atrás en Madrid.

"Nunca ha habido una exposición de estas características, del Hermitage y sobre el Hermitage, en el extranjero", dijo hoy el director del museo, Mijail Piotrovsky, por videoconferencia. Las casi 180 obras de las célebres colecciones de pintura, dibujo y escultura del museo ruso, pero también de sus piezas arqueológicas, artes decorativas, trajes de época y mobiliario que han viajado a la capital española, ponen de manifiesto "el gran teatro del mundo que es el Hermitage en la actualidad", añadió el director del Prado, Miguel Zugaza.

A fin de introducir al visitante en la propia historia del museo, la exposición arranca con los retratos de Pedro el Grande, Catalina la Grande y Nicolás I, de cuyas colecciones proceden la mayoría de los fondos del Hermitage. A su lado, los lienzos del pintor oficial de la corte, el sueco Benjamin Patterson (1748-1815), muestran la imponente ciudad de San Petersburgo en las riberas del río Neva, donde se erigió en 1703 con París y Amsterdam como modelos. El lujo del complejo Hermitage, compuesto por el Palacio de Invierno y otros tres edificios, queda plasmado en las vistas de sus salas y galerías.

Una de las colecciones más emblemáticas del museo, pero quizá menos conocida fuera de Rusia, son sus tesoros de orfebrería y joyas. Así, la Colección siberiana de Pedro I muestra una selección del oro con el que las tribus nómadas sepultaban a sus reyes y grandes guerreros, con broches de cinturones en los que aparecen tigres y animales fantásticos o el famoso peine con una escena de batalla.

Además de otra pequeña representación de orfebrería griega, la sección dedicada al Hermitage como escenario de la corte muestra como Catalina la Grande introdujo la moda de usar lujosos vestidos de terciopelo y brocados y centros de mesa estilo imperio. Completan la representación de joyas algunas valiosas rarezas que llegaron a manos de los zares: filigranas chinas y joyas indias del siglo XVII, sables persas cubiertos de piedras preciosas o adornos de artesanos europeos, como un curioso pinjante con una carabela procedente de la España del siglo XVI, con cinco esmeraldas engastadas.

Pero probablemente, el mayor atractivo de la muestra sea la rica representación del arte de Europa occidental que ha viajado a Madrid: Pedro el Grande y sus sucesores adquirieron colecciones enteras de Rusia y del extranjero, que llenaron las grandiosas salas del Palacio de Invierno. La sección dedicada a los siglos XVI y XVII queda presidida por el "San Sebastián" de la etapa tardía de Tiziano, en el que la figura del santo emerge imponente de la oscuridad.

La Virgen con el Niño de Durero, El almuerzo de Velázquez, un Paisaje invernal con patinadores sobre hielo de Brüghel el Viejo y otro curioso paisaje de Rubens, retratos de Anton Van Dyck, el Greco y Rembrandt, un Perro guardián de Potter y el famoso Tañedor de laúd de Caravaggio se suman a esculturas neoclásicas de finales del siglo XVIII y principios del XIX como la Magdalena penitente del italiano Antonio Canova o un busto del filósofo francés Voltaire.

La exposición culmina con una muestra de arte de los siglos XIX y XX, donde destacan pinturas románticas de Caspar David Friedrich, lienzos impresionistas de Monet, Rodin y Cézanne y el exotismo de Gauguin. Tres óleos y un dibujo de Picasso -entre ellos Mujer sentada y La bebedora de absenta- compiten en atractivo con la luminosa Conversación cubista de Matisse pero, como no podía ser de otra manera, el arte ruso acapara todas las miradas con el polémico Cuadrado negro de Malevich y la impresionante Composición VI de Kandinsky, uno de los hitos del arte abstracto.

Publicado en La Vanguardia 4/11/2011

+ info

http://www.museodelprado.es

'La Vanguardia' entra en los archivos del Museu d'Història de Barcelona

2011-11-25T10:00:00.000-08:00

El Centre de Conservació i Restauració es destino obligado para todo hallazgo arqueológico

Diez mil años de vida de Barcelona minuciosamente depositados, documentados y clasificados en 5.000 m2 de almacenes, salas de trabajo y laboratorios. La Vanguardia ha tenido la oportunidad de realizar un fascinante viaje en el tiempo en compañía de los responsables del Museu d'Història de Barcelona (Muhba) y de los profesionales que, en un discreto recinto de la Zona Franca, reconstruyen los fragmentos de la rica historia (y prehistoria) de la ciudad a partir de materiales de diversa procedencia, la mayoría de ellos de las excavaciones que se llevan a cabo en diversos puntos de la capital catalana.

Este recinto, una golosina para cualquier aficionado a la arqueología y a la historia, es la sede del Centre de Conservació i Restauració del Muhba, lugar de paso obligado para todo vestigio del pasado hallado en Barcelona, ya sea en las obras del AVE en Sant Andreu-Sagrera, en la construcción del aparcamiento de la plaza de la Gardunya o en el acondicionamiento del antiguo mercado del Born.

¿Qué guardan estos dos edificios inaugurados en octubre del 2006? Absolutamente de todo, y todo muy bien repartido entre el archivo arqueológico y el centro de colecciones del museo, este último un fondo formado por 35.000 objetos de todas las épocas, en gran medida procedentes de las excavaciones, aunque una parte corresponde a donaciones o adquisiciones del Muhba. Y donde es posible tropezarse con alguna sorpresa... Nada más comenzar la visita, al aire libre, a la entrada de una de las naves, el jefe del departamento de colecciones del museo, Josep Bracons, muestra un fichaje reciente. Se trata de la estatua de la Victoria, la alegoría franquista que hasta enero pasado presidía el obelisco del Cinc d'Oros (en la intersección del paseo de Gràcia y la avenida Diagonal). La escultura de Frederic Marès, ahora ya restaurada, constituye una excepción en esta gran reserva patrimonial de Barcelona: el Muhba no suele ser el depositario del arte público que es retirado de las calles y plazas de la ciudad. Esa competencia corresponde al departamento de Urbanismo. No obstante, la estatua de la Victoria, que su autor ideó como símbolo republicano y que, acabada la Guerra Civil, mutó en icono franquista, tiene todavía recorrido por delante. Si el proyecto de transformar la antigua fábrica Oliva Artés en el Poblenou en un nuevo centro del Muhba sigue el curso previsto,la obra de Marès pasará a formar parte de la colección que relata-rá la historia contemporánea de Barcelona.

Mientras detallan el complejo proceso que siguen las piezas recepcionadas en la Zona Franca, Emili Revilla, responsable del archivo arqueológico, y Josep Bracons recuerdan la avalancha de hallazgos que se dio en los años de las obras olímpicas y que llegó a producir un auténtico colapso del servicio. Con la caída de la actividad constructora, ese ritmo de entradas en el Centre de Conservació i Restauració del Muhba se ha ralentizado. Pero aquí nunca falta trabajo.

La gran novedad de la arqueología barcelonesa de los últimos años ha sido el descubrimiento de una buena cantidad de restos de un pasado más remoto, especialmente de la época neolítica. Desde los ochenta, la obligatoriedad de realizar por ley excavaciones sistemáticas en cualquier obra que se lleva a cabo en el subsuelo ha propiciado ese salto en el tiempo. El día de la visita de La Vanguardia, en la gran sala de trabajo del archivo arqueológico operan simultáneamente tres equipos. Uno lo hace con restos procedentes de las obras del AVE de la Sagrera, otro con los descubrimientos de la plaza de la Gardunya y un tercero, dirigido por el catedrático de Prehistoria de la Universitat Autònoma de Barcelona Miquel Molesta, se hace cargo de un material que, en algunos casos, como el procedente de los talleres de jaspe del Morrot, en Montjuïc, puede llegar a remontarse hasta 8.000 años antes de nuestra era, al llamado periodo epipaleolítico.

En un laboratorio al que se derivan las piezas más delicadas, Montserrat Pugès, jefa del departamento de restauración del servicio de arqueología, y dos jóvenes colaboradoras manipulan con extremada delicadeza auténticas joyas: objetos de vidrio, metales (Montserrat Pugès nos muestra una daga medieval y unas tijeras de esquilar ovejas probablemente del siglo I)... y restos humanos, huesos diversos y hasta un cráneo, con sus correspondientes piezas dentales, procedente de la necrópolis neolítica de la Gardunya.

"Entendemos Barcelona como un único yacimiento", afirma Emili Revilla antes de explicar que lo que llega a este almacén de la historia –permítase la licencia: en realidad es mucho más que eso– se separa en función del tipo de material: cerámica, vidrio, metal, restos humanos y animales... Cada uno requiere un tratamiento específico, unas determinadas condiciones de lavado, secado y conservación.

Próximamente, dentro del proyecto Coleccionem la ciutat, que acaba de ponerse en marcha, los interesados en acercarse a este recinto hasta ahora casi desconocido podrán hacerlo. Así lo explica el director del Muhba, Joan Roca, quien precisa que ya se ha programado una serie de visitas guiadas abiertas a la ciudadanía en general. El propósito es ir organizándolas en función de la demanda existente.

A quienes se animen, además de tener la oportunidad de conocer el archivo arqueológico, les espera un auténtico festín de historia de Barcelona. Un edificio contiguo al del archivo alberga la colección del museo, un centro con 35.000 objetos perfectamente restaurados y clasificados. El responsable de registro y documentación, Aitor Parra, indica que en los últimos años se produce una media de entre 800 y 1.000 nuevas incorporaciones, el 85% de origen arqueológico y el 15% fruto de cesiones, donaciones o adquisiciones del Muhba.

Cada sala guarda un pequeño o gran tesoro. En una de ellas, siempre catalogadas con esmero, encontramos una amplísima colección de armas procedentes del desmantelado museo militar del castillo de Montjuïc. En otra, una tabla gótica de la capilla de Santa Àgata aparece cubierta mientras se somete a un largo proceso de desinsectización. Relicarios y estatuas de santos patrones revelan la gran importancia que los gremios tuvieron en Barcelona desde la edad media. También hay cerámicas y vidrios multicolores de diferentes épocas y una colección de monedas con más de 8.000 unidades. Y bombas y muchísimas balas de cañones de distinto calibre, disparadas por las tropas borbónicas en el sitio de 1714 o por el general Espartero casi 130 años después, prueba fehaciente, como apunta el director de colecciones del Muhba, Josep Bracons, de cómo esta ciudad ha sido maltratada y ha sufrido a lo largo de su historia.

En otra de las salas, más de 5.000 objetos hallados en el Born –y de los que se conoce hasta el más mínimo detalle– aguardan la hora de regresar al antiguo mercado del barrio de la Ribera para formar parte del museo centro cultural que allí se construye desde tiempos casi inmemoriales. También el mosaico romano de la Sagrera se mantiene a la espera, en este caso de que se lleve a cabo una restauración completa que no será fácil, dado el estado en que salió de nuevo a la luz.

Hay mucho más: sepulcros romanos, armaduras, espadas... Y objetos variopintos –desde el antiguo reloj del mercado de la Boqueria hasta los dioramas que en el XIX anticiparon remotamen-te el cine en 3D, pasando por las artísticas vidrieras que decoraban el burdel de Madame Petit en el Arc del Teatre, que ayudarán al Muhba a construir el relato de la Barcelona industrial, que parte de las fábricas de indianas del siglo XVIII y llega hasta los Juegos Olímpicos de 1992. Pero esa es otra historia.

Les ciutats perdudes del desert Libi

2011-11-15T07:11:00.000-08:00

Arqueòlegs britànics reprenen els treballs arqueològics per identificar més d’un centenar de viles fortificades

Es reprèn l'activitat arqueológica al desert de Libia. Esperem que la guerra no hagi malmès el que en quedava. Diu la revista Sàpiens que s'han pogut identificar a través del google earth.

Segons Efe:
Imágenes de satélite han descubierto nuevas evidencias de una civilización perdida en pleno desierto del Sahara al sudoeste de Libia, que ayudará a reescribir la historia del país. La caída de Gadafi ha abierto el camino para que los arqueólogos exploren la herencia preislámica, ignorada durante mucho tiempo por el anterior régimen.

Utilizando satélites y fotografías aéreas para identificar los restos en uno de los lugares más inhóspitos del desierto, un equipo británico ha descubierto más de un centenar de granjas fortificadas y aldeas con estructuras en forma de castillos y varias ciudades, datados en su mayoría entre los siglos I y IV antes de Cristo.

Estas "ciudades perdidas" fueron construidas por una antigua civilización poco conocida llamada los garamantes, cuyo estilo de vida y cultura era mucho más avanzada y de importancia histórica de lo que las fuentes antiguas sugieren.

Un equipo de la Universidad de Leicester ha identificado restos de adobe con forma de castillo, con paredes en pie de hasta cuatro metros de altura, junto con restos de viviendas, cementerios, pozos y sofisticados sistemas de riego. Un estudio sobre el terreno confirmó a principios de este año que se trataba de restos pre-islámicos con un nivel notable de preservación.

ES COMO DESCUBRIR LOS CASTILLOS EN INGLATERRA

"Es como si alguien llega a Inglaterra y de repente descubre los castillos medievales. Estos asentamientos habrían pasado inadvertidos y no fueron registrados por el régimen de Gaddafi", dice el responsable del proyecto, David Mattingly, profesor de arqueología romana en la Universidad de Leicester.

"Las imágenes de satélite nos han dado la capacidad de cubrir una amplia región. La evidencia sugiere que el clima no ha cambiado con los años y podemos ver que este paisaje inhóspito, sin lluvias, estuvo una vez muy densamente urbanizado y cultivado", dice el doctor Martin Sterry, también de la Universidad de Leicester, que ha sido responsable de gran parte del análisis de imágenes y la interpretación del sitio.

Los hallazgos desafían una visión que se remonta a la época de Roma cuando los garamantes eran descritos como nómadas bárbaros y alborotadores en el borde del Imperio, informa Science Daily.

"De hecho, eran muy civilizados, vivían en grandes poblados fortificados, y eran sobre todo agricultores en oasis. Se trataba de un estado organizado con ciudades y pueblos, un lenguaje escrito tecnologías avanzadas. Los garamantes fueron pioneros en el establecimiento en los oasis y en la apertura de comercio trans-sahariano", dice el profesor Mattingly.

El profesor y su equipo se vieron obligados a salir de Libia en febrero, cuando comenzó la revuelta contra Gadafi, pero cuentan con regresar pronto porque el departamento de antigüedades de Libia está estrechamente involucrado en el proyecto.

+ info:

http://www.sapiens.cat/ca/notices/2011/11/les-ciutats-perdudes-del-desert-libi-1542.php

Dientes hallados en Italia son los restos más antiguos del Sapiens en Europa

2011-11-03T02:02:00.000-07:00

Este hallazgo desvela que la coexistencia entre el Homo Sapiens y el Neardental duró miles de años más de lo que se pensaba.

Dos dientes de leche, hallados en una cueva italiana y que tienen entre 43.000 y 45.000 años de antigüedad, se han convertido en los restos más antiguos del Homo sapiens en Europa, según confirmó este miércoles un equipo internacional.

El descubrimiento, en el que ha participado el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) de España, confirma que la llegada del Homo sapiens a Europa y que su coexistencia con los neandertales duró "miles de años más de lo que se pensaba".

Así lo explicó el principal autor del estudio, el investigador de la Universidad de Viena Stefano Benazzi en un comunicado difundido hoy por el CSIC. "Esto tiene importantes implicaciones en el entendimiento del desarrollo del comportamiento humano completamente moderno", aseguró Benazzi.

Los dientes fueron hallados en 1964 en la cueva prehistórica de Grotta del Cavallo, al sur de Italia, hogar de neandertales hasta su sustitución por los Homo sapiens, lo que hacía pensar a los científicos que las piezas pertenecían a sus primeros habitantes.

De hecho, la cueva contiene siete metros de depósitos arqueológicos que datan del periodo en el que convivieron ambas especies, y los dientes fueron encontrados en las capas que contienen restos de la cultura Uluciense, que hasta el momento se ha atribuido a los neandertales.

Ahora, los científicos han podido certificar que sus dueños eran homo sapiens, gracias a una nueva datación "más completa y exhaustiva" que la que se hizo en los años sesenta y que se ha basado en comparar modelos digitales de los dientes hallados en esta cueva con una amplia muestra dental de las dos especies.

Asimismo, los resultados de la investigación, publicados en la revista Nature, reabren la incógnita sobre quiénes fueron los precursores de la cultura Uluciense.

"El próximo paso está en saber si la cultura Uluciense apareció y evolucionó debido al contacto con humanos anatómicamente modernos o si es una simple evolución del Musteriense, producido por neandertales", explicó el investigador del CSIC Michael Coquerelle.

Publicado en La Vanguardia 3/11/11

Patrimoni 360 º

2011-10-24T04:14:00.000-07:00

El projecte panoràmiques és una de les iniciatives més importants dels darrers temps que posa a l'abast de tothom els monuments més rellevants de Catalunya amb panoràmiques de 360 º. La visió en detall i la possibilitat d'analizar les imatges tranquil.lament asseguts a l'ordinador és un somni que no immaginàvem els que estudiàvem amb diapositives.

Recomano molt especialment el mapa interactiu i el blog del projecte panoràmiques en el que s'incorporen els avenços i les novetats d'aquest minuciós i enciclopèdic treball.

Metrosexuales del siglo XX a.C.

2011-10-20T00:45:00.000-07:00

"¿Cenamos?", parece decir ella, una mujer bella, de grandes ojos y larga cabellera que le cae sobre los hombros. Digamos que no tiene ante sí un plato de raviolis al foie, sino lo que se interpreta como unos simples panes, unas cabezas de ave, de bóvido, que nos sugieren un inminente banquete. Está sentada a una mesa y al otro lado posiblemente está su pareja, porque hay dos aguamaniles, uno para cada uno. Pero la estela está rota y así es ella el centro de atención, y viene a compendiar la exposición que desde hoy puede visitarse en el Museu Egipci de Barcelona: la espalda recta, las piernas dobladas en ángulo recto y los pies juntos y sin sus sandalias, la gargantilla y dos pulseras dan a la figura una elegancia canónica: La Belleza.

La exposición es Moda y belleza en el Antiguo Egipto,permanecerá abierta hasta el 20 de julio del 2012 y explica en un centenar de piezas fechadas entre los siglos XXX y VI a. C. cómo algunos egipcios, hombres y mujeres de un país polvoriento y de agua escasa, cuidaban su aspecto igual que hoy (o más, según los casos).

La mujer lleva el nombre de su soporte (Estela de Hes-Henu) y además de la elegancia desvela en el detalle de los aguamaniles que las manos eran sumergidas antes y después de comer. El de la limpieza es uno de los aspectos que remarca la muestra, donde se narra la vida de las élites, que fueron quienes legaron el arte; las clases populares ni portaban brazaletes ni posiblemente se lavaban las manos. Y muchas de las piezas proceden de las tumbas, que son prácticamente siempre de las clases dirigentes. "Se vivía por la supervivencia, pero la estética es en muchos sentidos perfectamente intercambiable con la actual", valoró ayer el presidente de la Fundació Arqueològica Clos, Jordi Clos.

Moda y belleza... - comisariada por Elvira d´Amicone, de la Università degli Studi de Turín-exhibe sandalias, paletas para el colorete, agujas de cabello, peines, vasijas de alabastro y cerámica para los productos de belleza, telas, pelucas, trenzas, anillos, pendientes, vendajes para las momias en su camino al más allá, túnicas... Seis de las piezas han sido restauradas por el Museu Egipci a fin de integrarlas en la muestra.

Entre ellas hay dos vestidos de lino, procedentes del Museo Egizio de Turín, que nunca habían salido de sus almacenes. Tienen la particularidad de que fueron tejidas formando pliegues horizontales. Y sólo hay veinte de esta clase en todo el imperio egipcio. Cada mitad del vestido tiene los pliegues en un sentido, "de manera que no se arrugan", explica Mariàngela Taulé, directora del museo. Entre las piezas destacan una cajita compartimentada, que fue propiedad del soldado Ii (¡un metrosexual de hace 4.000 años!), donde llevaba sus ungüentos; otra, la cesta-sepulcro de un bebé de dos años, fabricada con haces de junco, junto a la que se exhibe una de las sandalias del pequeño; una ruda superficie de cuero endurecido con agarres para los dedos.

Publicado en la Vanguardia el 19/10/11 por IGNACIO OROVIO

+ info

www. museuegipci. com

Retrospectiva de Miró

2011-10-18T05:47:00.000-07:00

Un gran artista català que amb la seva simplicitat i compromís ens va captivar i encara avui ens meravella a tots.

http://www.tv3.cat/videos/3754012/El-Miro-mes-complet-arriba-a-Barcelona

http://youtu.be/gtv-LiftaiA

+ info:

Patrimonigencat

La vil.la romana de la Sagrera

2011-10-06T07:25:00.000-07:00

Després de sobreviure milers d'anys, l'Ave se l'emporta per davant!

El AVE destapa en La Sagrera 5.800 años de historia

2011-09-27T07:16:00.000-07:00

Todos estos siglos, los romanos no han estado solos. Ni antes del imperio ni después. Y los barceloneses contemporáneos, claro está, tampoco, aunque hasta ahora bien poco sabían de todo ello. La mayor obra por la superficie ocupada que se realiza ahora en la capital catalana, nada menos que un corredor de cuatro kilómetros de largo y 300 metros de ancho, es decir el trazado de la alta velocidad La Sagrera-Sant Andreu-Trinitat que incluye la macroestación del AVE, ha puesto al descubierto 16 yacimientos arqueológicos. Aquí se han encontrado hasta hoy, los expertos avisan que habrá más, restos de 59 personas y de construcciones diversas correspondientes a un periodo histórico de como mínimo 5.800 años. Son los que van desde el neolítico antiguo hasta el siglo XIX, pasando por las épocas ibera, romana y medieval.
Los arqueólogos del Museu d'Història de Barcelona (Muhba) dirigen aquí desde el 2008 a varias empresas especializadas en patrimonio contratadas por el responsable de las obras del AVE, el gestor de infraestructuras Adif. El último hallazgo ha sido la gran villa romana del puente del Treball Digne, descubierta en julio y que reveló este diario el 2 de septiembre. Los trabajos siguen ahí y en cuatro puntos más.

ROMPECABEZAS / El balance del conjunto, no obstante, es ya abultado y permite avanzar mucho en la reconstrucción del pasado de Barcelona, como quien completa un rompecabezas, según explica de forma gráfica el técnico del servicio de Arqueología del Muhba Josep Pujades. El valor de estos descubrimientos no radica en el carácter excepcional de algún elemento, ninguno se conserva in situ y las obras de túneles y viales han continuado hasta ahora una vez documentadas y trasladadas al Muhba las piezas singulares, sino en la luz que proyectarán en conjunto sobre las distintas épocas.

Los hallazgos se iniciaron en la Torre del Fang (Mallorca-Esproncede), el edificio de origen medieval catalogado y conservado gracias a una compleja operación de ingeniería ya que justo por debajo, y a muy poca profundidad, pasa el tramo inicial entre pantallas del túnel del AVE hacia Sants. Aquí se ha descubierto, como informó ya este diario en diciembre, una necrópolis medieval del siglo XI con los restos de tres personas situados en tumbas separadas. Los arqueólogos volverán a la torre para seguir excavando el subsuelo aún virgen y también las paredes.

En este recorrido hacia el norte y a través del tiempo, entre los puentes de Bac de Roda y del Treball Digne, se han documentado seis espacios con estructuras de un edificio, un puente y un muro del siglo XIX, otra pared de contención del XVIII, zanjas donde plantaban las viñas los romanos, silos, fondos de cabañas y una cisterna con cuernos de cérvidos de los iberos del siglo III antes de Cristo y restos humanos en un silo prehistórico de la época neolítica aún por datar con mayor precisión. El hallazgo de fragmentos de cerámica es lo que permite fijar inicialmente con claridad la antigüedad de cada yacimiento, dice Pujades.

FOSAS DE SOLDADOS / Allá donde se inicia la rambla de Prim, al lado del Triangle Ferroviari (zona entre vías con cocheras de bus y talleres de metro), el descubrimiento ha sido espectacular: 12 fosas comunes con restos de 30 hombres jóvenes, entre 20 y 30 años. Siete han sido ya excavadas y faltan cinco. Los restos son de mediados del siglo XVII y principios del XVIII. Podrían ser víctimas de las guerras de los Segadors o de Sucesión, pero Pujades no lo puede asegurar aún. El hallazgo se produjo la pasada primavera.

En la zona de Can Portabella (Pare Manyanet) han aparecido tramos de la antigua acequia medieval del Rec Comtal junto a restos de fábricas. Frente al Triangle Ferroviari, pero en el lado montaña del corredor se ha descubierto un asentamiento del neolítico antiguo y medio con un elemento destacado: un enterramiento infantil.

Junto al puente de Sant Adrià y las obras de la nueva estación de Sant Andreu Comtal, ha aflorado otro enterramiento neolítico en este caso datado entre los años 3800 y 2300 antes de Cristo. En el extremo norte del corredor se han encontrado restos del acueducto romano, de un molino posterior y también vestigios prehistóricos por analizar.

Publicado por El Periódico el 27/09/2011

Una aplicación permite recorrer en 3D los referentes góticos de Barcelona

2011-09-16T15:58:00.000-07:00

La primera versión del programa está concebida inicialmente para iPad II, y ya está descargable en el AppleStore

El centro tecnológico Barcelona Media, miembro de la red Tecnio, ha creado la aplicación 'Barcelona en Gótico', que ofrece un recorrido en 3D para descubrir a tiempo real algunos de los referentes góticos y neogóticos más destacados de la ciudad.

Según un comunicado, esta aplicación ofrece un paseo por algunos edificios emblemáticos de la zona, encuadrándose en el proyecto 'Barcelona en gótico', creado en el marco del subprograma Avanza Contenidos del Ministerio de Industria, Turismo y Comercio, en colaboración con el Museo de Historia de Barcelona (Muhba). Por el momento, la primera versión de la aplicación está concebida inicialmente para iPad II, y ya está descargable en el AppleStore.

Publicado en La Vanguardia 16/9/11

Romanorum Vita

2011-09-15T11:51:00.000-07:00

Una exposició virtual interessantíssima que acompanya una exposició itinerant en una carpa de l'Obra Social de "La Caixa". Es podrà visitar a Burgos a la Plaça Espanya del 22 de setembre fins al 3 de novembre.

La visita virtual explora les grans possibilitats de la tecnología aplicada a l'art, els diàlegs dels diferents personatges ens situen a la vida qüotidiana en temps dels romans. Una bona experiència, només un detall ... és massa semblant a Pompeia.

VISITA VIRTUAL
http://multimedia.lacaixa.es/lacaixa/ondemand/obrasocial/interactivo/romanorumvita/cat/visita_virtual.htm

Escultures de Sant Cugat

2011-09-12T07:57:00.000-07:00

Algunes vegades les ciutats omplen els seus carrers amb escultures que fan més humans els carrers i les tristes voravies. Aquí hi ha un exemple de les que omplen els carrers de Sant Cugat, la meva ciutat d'adopció. Un petit homenatge als artistes que s'escarrassen per fer més bell l'entorn urbà.

Escultures a sant cugat

View more presentations from nuriasc

Diada Nacional de Catalunya

2011-09-09T09:02:00.000-07:00

Un cop més celebrem la nostra Diada Nacional amb una unió inesperada d'història i tecnologia. Aquest any podrem viure l'11 de setembre amb piulades, que ens faran reviure en temps real, el que va passar aquell dia. Serà curiós veure'n els resultats.
Us recomano que seguiu la llista http://twitter.com/#!/324cat/onze-de-setembre, tot i que estaré al cas per retuitejar el que calgui.
Bona diada!!

Un ganivet de fusta a l'abric Romaní

2011-08-24T07:49:00.000-07:00

L'abric Romaní ens porta una nova sopresa, la darrera troballa ha estat el negatiu d'un ganivet de fusta amb un aspecte similar als que utilitzem avui. La única diferència és que qui l'utilitzava era l'home de neandertal, un homínid del que cada vegada en sabem més coses.
Podeu llegir l'article sencer aquí
Les noves troballes arqueológiques ens donen llum nova al passat i ens fan replantejar moltes de les cronologies que els hisotriadors hem donat com a bones, aquí hi teniu un exemple publicat a La Vanguardia on explica que al nordest de Xina s'ha trobat un fòssil que fa replantejar les dates que fins ara teniem.

Avui fa 75 anys d'aquell fatídic 18 de juliol de l'any 1936

2011-07-18T08:21:00.000-07:00

Felicitats a tot l'equip de La Vanguardia per aquest treball tan ben fet!

2011-07-11T12:33:00.000-07:00

L'Any del Mil·lenari de Sant Cugat, 1002-2002

Nova imatge de Sant Pau

2011-07-01T02:50:00.000-07:00

En una restauració de les catacombes de Sant Genís a Nàpols ha estat trobada una nova imatge de Sant Pau

Noticies relacionades:

http://ballartblog.blogspot.com/2010/06/halladas-las-imagenes-mas-antiguas-de.html
http://www.napoles.com.es/monumentos/catacumbassangennaro.html

Los Reyes también se teñían el pelo y se maquillaban en la Edad Media

2011-06-20T08:25:00.000-07:00

El Museo de Historia de Catalunya ha analizado los restos encontrados en las tumbas reales del monasterio de Santes Creus, en Tarragona

Los reyes medievales también se teñían el pelo y se maquillaban, al menos eso ha podido constatar un análisis de los restos encontrados en las tumbas reales del monasterio de Santes Creus, en Tarragona.

El proyecto, impulsado por el Museo de Historia de Catalunya, se inició en 2010 en el marco de la celebración del 850 aniversario del monasterio cisterciense, y planteó la restauración de las tumbas de los reyes Pere II el Gran, Jaume II el Just y Blanca de Anjou, así como la tumba del almirante Roger de Llúria.

La coordinadora del proyecto, Marina Miquel, ha recordado hoy en la presentación que "pocas tumbas reales han sido investigadas en el mundo de manera científica, bien porque fueron destruidas o porque son inaccesibles a los investigadores por las restricciones de casas reales o gobiernos".

Los análisis de los restos del rey Pere determinan que era un hombre de tipología alta (1,75-1,80 de estatura), con una cara alargada y un maxilar inferior más prominente que el superior, y al conservarse gran parte de los tejidos blandos desecados se ha podido hacer un análisis que ha determinado que "sufrió una enfermedad infecciosa pulmonar, seguramente una tuberculosis, pero no necesariamente fue la causa de su muerte", ha dicho Miquel.

La investigación química ha determinado "la presencia en los restos de pelos de la barba del rey de Apigenina Genisteina, un producto procedente de la retama y utilizado históricamente para teñir de rubio los cabellos", la misma sustancia hallada en el pelo de la reina Blanca de Anjou, esposa de Jaume II el Just.

"Conocemos tratados antiguos de cosmética, pero no sabíamos que el rey Pere el Gran o Blanca de Anjou se tiñeran de rubio", ha explicado la coordinadora del proyecto.

En la cara de la reina se ha encontrado además restos de ácido carmínico, que se habría utilizado como maquillaje facial.

En ambos casos se ha realizado asimismo la reconstrucción facial, una técnica habitual en la ciencia forense y criminalística y a la que también ha recurrido la arqueología.

La reconstrucción de la cara de Blanca de Anjou ha permitido constatar que, como pasa en muchas tumbas góticas, la representación escultórica del yacente de la tumba "no es un retrato fidedigno, sino una idealización estética del artista".

En cuanto a las enfermedades, la ciencia ha podido demostrar que Blanca de Anjou murió después de las complicaciones de un parto, como el propio rey había escrito en documentos oficiales enviados a otros estamentos.

La investigación documental desarrollada en paralelo a la científica ha permitido establecer que fue el propio Jaume I quien en 1254 dispuso que su primogénito, Pere, fuera enterrado en Santes Creus, "probablemente para compensar a la comunidad cisterciense de Santes Creus por haber escogido él Poblet para ser enterrado".

Este dato inédito rebate las tesis de la historiografía tradicional, que afirmaba que Pere había escogido personalmente ser enterrado en Santes Creus por contraposición a la opción de Poblet de su padre.

También se ha desvelado que Arnau de la Torre, de Lleida, recibió el encargo para la policromía del templete de la tumba de Pere II el Gran, lo que ha permitido datar este trabajo de su taller en 1305-1307, de forma que "es una de las primeras obras pictóricas de estilo gótico en la Corona de Aragón".

El análisis de ADN ha concretado que Pere el Gran pertenece al linaje mitocondrial H, el tipo de ADN más frecuente en Europa en la actualidad, pero "no ha sido posible con las técnicas actuales clasificar el cromosoma Y, por lo que no se pueden identificar ascendientes ni descendientes masculinos"; mientras que sitúa a Blanca de Anjou en el halogrupo U, otro de los más comunes y antiguos de Europa.

El proyecto, que no ha podido identificar el cuerpo de Roger de Llúria en su tumba, donde se hallan restos de cuatro individuos -3 masculinos y 1 femenino-, ha tenido un presupuesto de 500.000 euros.

Publicado en La Vanguardia el 21.6.11

+ info:

http://ballartblog.blogspot.com/2010/09/anatomia-dun-rei.html

Un mausoleo romano emerge bajo el Marítim

2011-05-30T02:14:00.000-07:00

De nuevo, la restauración de un espacio arquitectónico descubre un sorprendente tesoro arqueológico en el subsuelo de Ciutat Vella. El último e importante hallazgo del equipo oficial de arqueólogos son los restos de un impresionante mausoleo de la época romana que durante siglos ha permanecido sepultado bajo las Drassanes Reials del Museu Marítim, delante del puerto, entre la Rambla y el inicio del Paral·lel.

Es el primer sepulcro magnífico y suntuoso del siglo II encontrado en Barcelona por arqueólogos que dependen de la Generalitat y del Museu d'Història de la Ciutat. Josep Manuel Rueda, subdirector del departamento de Patrimoni Arquitectònic, Arqueològic i Paleontològic de la Conselleria de Cultura, considera que los resultados de la intervención son muy satisfactorios. «Se ha encontrado la delimitación de los antiguos astilleros medievales. Ahora sabemos con exactitud dónde estaba la puerta de Barcelona». No obstante, el hallazgo más soprendente es el del mausoleo de planta rectangular que, según el informe realizado por la empresa Actium, presenta estructuras que evidencian una rica variedad tipológica de rituales funerarios asociados a inhumaciones y a incineraciones. En la necrópolis se han encontrado ajuares, urnas y vasijas. «Se han documentado seis fosas con esqueletos infantiles», destaca el informe firmado por los arqueólogos Josep Cruells, Adriana Vilardell y Esteve Nadal.

17 MILLONES DE EUROS // Las inmensas salas del Museu Marítim, construidas en el siglo XIII y declaradas en 1976 monumento histórico, consolidan el estilo gótico civil catalán. El ayuntamiento y la Diputació han invertido 16 millones de euros y los ministerios de Cultura y Fomento otro millón más en adecuar estos 18.000 metros cuadrados a las exigencias de un museo del siglo XXI.

Desde el 2009 hasta el 2013, las administraciones públicas coordinan la rehabilitación integral de las gigantescas naves, del tejado y del pavimento, la eliminación de humedades, la limpieza de la muralla y el cambio de instalación eléctrica.

Roger Marcet, director del Museu Marítim, asegura que en estos últimos años se han producido cambios fundamentales en el rol de los equipamientos patrimoniales: «Se cuestiona su propia concepción y las vías de comunicación con las que se establece el contacto con la comunidad». Por ello, el nuevo museo se aleja de los modelos tradicionales. La exposición permanente pretende ser abierta y accesible. «Queremos despertar la curiosidad, el interés y el espíritu crítico del visitante».

La interactividad con el público es clave. «Se deben provocar experiencias y vivencias que ayuden a cultivar el conocimiento», dice. A eso ayudarán las nuevas tecnologías. En definitiva, plantear preguntas y enigmas que inciten el saber. «Eso, en un ambiente acogedor, que inspire confianza», añade.

Publicado en el Periódico el 30.5.11

Imágenes satelitales identifican 17 nuevas pirámides en Egipto

2011-05-25T11:57:00.000-07:00

Un nuevo estudio satelital descubrió la existencia de 17 pirámides perdidas en Egipto.
Más de 1.000 tumbas y 3.000 asentamientos antiguos también se divisaron gracias a imágenes infrarrojas que muestran edificios subterráneos.

Las excavaciones iniciales ya confirman algunos de los hallazgos, incluyendo a dos de las supuestas pirámides.

La investigación fue realizado por un laboratorio estadounidense financiado por la NASA, la agencia espacial de Estados Unidos, ubicado en Birmigham, Alabama.

"Excavar una pirámide es el sueño de todo arqueólogo", dijo Sarah Parcak, líder del pionero estudio, quien dice estar sorprendida por lo mucho que ella y su equipo han descubierto.

"Estuvimos realizando esta investigación de manera intensa durante más de un año. Pude ver los datos mientras surgían. Sin embargo, me sorprendí cuando fui capaz de ver desde afuera todo lo que habíamos encontrado. No podía creerlo", aseguró.

El equipo analizó las imágenes de los satélites en órbita que se encontraban a 700 kilómetros por encima de la tierra, equipados con cámaras muy poderosas, capaces de identificar objetos de menos de un metro de diámetro en la superficie de la tierra.

Todo gracias a infrarrojos superpotentes capaces de identificar distintos tipos de materiales bajo tierra.

Prueba de excavaciones

Los antiguos egipcios construyeron sus casas y estructuras utilizando ladrillos de barro, un material que es mucho más denso que el suelo que lo rodea, por lo que es posible identificar las formas de las casas, templos y tumbas aunque se encuentren bajo tierra.

"Simplemente muestra lo fácil que es subestimar el tamaño y la escala de los asentamientos humanos del pasado," dice Parcak.

Y ella cree que hay más antigüedades por descubrir.

"Estos son sólo lugares cercanos a la superficie. Hay otros miles de sitios que el Nilo ha cubierto con sedimentos. Este es sólo el comienzo de este tipo de trabajos".

Cámaras de la BBC siguieron a Parcak en su "nervioso" viaje a Egipto, cuando acudió a ver si las excavaciones podían respaldar lo que su tecnología identificó bajo la superficie.

En el documental de la BBC "Las ciudades perdidas de Egipto", visitan un área de Saqqara, en la que inicialmente las autoridades no estaban interesadas.

Sin embargo, después de que Parcak aseguró haber visto dos potenciales pirámides allí, se realizaron las excavaciones de prueba. Ahora el lugar es considerado como uno de los sitios arqueológicos más importantes de Egipto.

Tecnología validada

Para Parcak, "el momento más emocionante fue visitar las excavaciones en la antigua ciudad de Tanis", en el norte de Egipto.

"Se excavó una casa construida hace 3.000 años que fue identificada gracias a las imágenes de satélite, cuya estructura coincide casi a la perfección. Ese ejemplo le otorgó una gran validez a la tecnología".

Ahora, entre otras cosas, las autoridades egipcias planean usar esa tecnología para ayudar a proteger las antigüedades del país en el futuro.

"A través de las imágenes se puede saber si una tumba fue saqueada y se puede alertar a la Interpol para que esté atenta a las antigüedades de la época en cuestión, que pueden ser ofrecidas a la venta".

Parcak también espera que la nueva tecnología ayude a involucrar a los jóvenes en la ciencia y que sea útil para los arqueólogos de todo el mundo.

"Nos permitirá ser más específicos y selectivos en el trabajo que hacemos, pues en un lugar enorme, es difícil saber por dónde empezar".

"Es una herramienta importante para concentrarnos en donde estamos excavando. Nos da una perspectiva mucho más grande de los sitios arqueológicos. Tenemos que pensar en grande y eso es lo que los satélites nos permitirán hacer".

"Indiana Jones representa la vieja escuela. Ya estamos muy lejos de ti, Indy, lo siento Harrison Ford", concluyó Parcak.

Publicado por la BBC 25/5/11

Noticies relacionades
http://ballartblog.blogspot.com/2009/07/altinum-vista-docell.html

recuperació d'una pintura barroca al centre de Sant Cugat del Vallès

2011-05-25T11:53:00.000-07:00

Publicat a Cugat.cat el 25-5-11

Jordi Bilbeny aplega 60 textos històrics sobre la participació catalana a Amèrica

2011-05-15T11:13:00.000-07:00

L'historiador català Jordi Bilbeny recull en el seu últim llibre uns 60 textos de l'Antic Règim en els quals, segons la seva opinió, queda "ben clara" la presència de Catalunya en el descobriment del Nou Món.

En una entrevista, Bilbeny aclareix que el llibre, Petit manual del Descobriment d'Amèrica no pretén ser un estudi sobre la catalanitat de Cristòfor Colom, sinó que és "una aportació per demostrar la catalanitat del descobriment del Nou Món".

Bilbeny recorda que la seva vinculació amb el Descobriment va començar el 1989 quan es trobava als Estats Units i tenia intenció d'escriure "una novel·la normal amb tots els ingredients castellans sobre els viatges de Colom: l'armada havia estat finançada i promoguda per Castella, Isabel la Catòlica era la gran protagonista, els mariners eren tots andalusos i havien salpat de Palos de Moguer, i Catalunya havia quedat exclosa de la gesta".

L'única diferència que es permetria era intentar demostrar que Colom "no era el Colombo genovès, analfabet i plebeu que es pretenia, sinó un Colom català, molt culte, noble, militar, nauta i home d'estat".

Assenyala l'historiador que totes aquestes idees preconcebudes que tenia, "universalment acceptades", van canviar quan Teresa Baqué li va fer arribar els apunts d'una ponència que havia presentat en el V Col·loqui d'Estudis Americans de Nord-amèrica.

En aquella ponència, "degudament documentada", Teresa Baqué no només parlava d'un Colom català, sinó que els germans Pinzón eren nobles portuguesos establerts a Catalunya i especialment a Pals, a la zona empordanesa, des d'on haurien salpat les tres caravel·les.

Fets com que els expedicionaris van ser rebuts multitudinàriament a Barcelona, que el Papa Borgia va atorgar aquelles terres als reis, que el bisbe de Barcelona va fer pública la butlla de la seva donació, que el nunci apostòlic era el Pare Bernat Boil, que la segona expedició es va preparar íntegrament a Barcelona i el seu cap militar era Pere Margarit, un cosí de Colom demostrarien que "els catalans van participar activament en la gesta americana".

El llibre, publicat per Llibres de l'Índex, recull seixanta referències de textos publicats entre 1492, amb "Les Capitulacions de Santa Fe", fins als primers anys del segle XVIII.

Remarca l'autor que "aquests textos no són ideologia, sinó una antologia informativa que avala la investigació que he fet en els últims vint anys, que conflueix en un mateix fet objectiu: en totes les referències es parla de la Conquesta d'Amèrica realitzada per catalans, aragonesos, espanyols, però mai per castellans".

En defensa dels testimonis, Bilbeny subratlla que entre els autors citats figuren personatges "contraris al rei" i "gens sospitosos de ser independentistes" com Baltasar Gracián, qui en "El Polític" (1640) diu de Ferran el Catòlic que "va ajuntar moltes corones en una i, no sent suficient un món en la seva grandesa, gràcies a la seva benaurança i la seva capacitat van descobrir un altre".

En la mateixa obra, Gracián escriu: "el veritable Hèrcules va ser el Catòlic Fernando, amb més gestes que dies, guanyava un regne cada dia, i va adquirir per herència el de l'Aragó, per dot el de Castella, per valor el de Granada, per felicitat l'Índia, per indústria Nàpols, per Religió Navarra, i tots per la seva gran capacitat".

Per detectar el rastre d'aquests documents, que es van salvar, segons el seu parer, de "la maquinària censora de l'Estat", Bilbeny ha consultat arxius com el de la Corona de l'Aragó (Barcelona), els de Roma, Nàpols, Sicília, Saragossa, la Biblioteca de la Universitat d'Indiana i la de la Universitat de Barcelona, la Biblioteca de Catalunya o l'Arxiu d'Índies.

Publicat al diari ARA el 15 /5/11

L'espontaneïtat, la rapidesa i la indiscreció del mòbil, en una exposició a la Fundació Godia

2011-05-12T11:28:00.000-07:00

El telèfon mòbil s'ha convertit en una eina de creació artística, i ara, dins del festival Loop de videoart, es pot veure a la Fundació Godia de Barcelona una mostra de les últimes creacions fetes, només, amb telèfons. Els mòbils s'han convertit en una eina discreta i espontània per als artistes que basen les seves creacions en la imatge capturada.

Fotografies, vídeos i performaces, llenguatges narratius diferents. Còpies de guions i reciclatge d'imatges. Tot plegat serveix per a la creació artística a partir d'imatges captades amb un telèfon mòbil. Com en la instal·lació d'Anaisa Franco, que, a través de dos caps transparents i plens de connexions al seu interior, escupen imatges preses amb els mòbils de ciutadans de mig món que esdevenen la memòria dels dos caps inanimats.

Els vídeos muntats per Txalo Toloza, que segueix, amb el mòbil a la mà, persones desconegudes que es troba pel carrer per, després, fer-ne un muntatge, és un altre exemple de creació. I és que amb un telèfon mòbil a la mà, una quinzena d'artistes mostren a l'exposició "Mobile Art. Experiències mòbils", a la Fundació Godia, un art del tot experimental, com assegura la comissària de la mostra, Lorea Iglesias.

Amb un mòbil a la mà, un artista capta imatges més espontànies i més ràpides, i se sent més invisible per la facilitat d'usar el mòbil. Ara bé, també és una eina del tot indiscreta per a qui ha estat gravat.

Publicat per 3cat24.cat el 12/5/11

Entre els artistes, Antoni Abad, Álvaro Collar, Anaisa Franco, Andrés Duque, Béatrice Valentina Amrhein, Bruno Peláez, David de Haro, Javier Castañeda, María Cañas i Pere Cortacans.

La nit dels Museus

2011-05-10T09:20:00.000-07:00

El proper 14 de maig tindrà lloc la 7a nit dels museus, una iniciativa del consell d'europa que té molt bona acollida a la ciutat de Barcelona i la seva àrea metropolitana.

La Nit dels Museus és una iniciativa promoguda pel Consell d’Europa en què participen més de 2.000 institucions museístiques de 40 països per tal de promoure i oferir, en un projecte comú, una manera diferent i creativa de visitar-les.

La proposta torna aquest dissabte a tot Catalunya amb un munt de propostes originals i gratuïtes: animacions, teatre, concerts, visites virtuals, recorreguts inèdits, copes a la fresca...

Els cinc museus de Girona, per exemple, us ofereixen una manera diferent per descobrir de forma lúdica i participativa una petita part de les col·leccions i i altres elements patrimonials de la ciutat i, alhora fruir del bell entorn on s’ubiquen.

Mentre que, enguany, a Barcelona, tot coincidint amb la programació de Barcelona Poesia 2011, XXVII Festival Internacional, en molts museus us trobareu l'activitat Poemusa-1. Poesia a cau d'orella, on 4 actors i actrius s'oferiran a recitar-te poemes durant la teva visita.

Una ocasió única per conèixer els museus fora dels horaris habituals, des de les 20h fins a la mitjanit, de manera gratuïta.

Publicat per sàpiens el 10 de maig del 2011

+ info:
Patrimoni gencat
http://www.bcn.cat/lanitdelsmuseus/2011/ca/index.shtml

El Museu Picasso exposa les litografies de l'artista

2011-05-05T01:57:00.000-07:00

Tres sales de la seu del carrer Montcada mostren al públic algunes obres del pintor malagueny que encara no s'havien vist mai, compreses entre 1945 i 1955

Pablo Picasso va començar a treballar amb la tècnica de la litografia l'any 1919, tot i que no va ser fins a la dècada dels 40 que es va començar a prodigar en aquest camp. Fins aleshores, aquest procés –que va ser implementat l'any 1796 pel músic alemany Senefelder– només li havia servit per il·lustrar les publicacions dels seus amics, les cobertes dels catàlegs de les exposicions o, fins i tot, les targetes de felicitació. Però quan, l'any 1945, va anar a parar al taller de Fernand Mourlot, va decidir potenciar la pràctica d'aquest mecanisme: mica en mica va modificar el procediment inicial, que només necessitava una planxa de pedra, i va traslladar-lo a d'altres materials més dúctils. L'època més prolífica en aquests treballs s'estén entre 1945 i 1955. I això és el que el Museu Picasso ha penjat a les parets de tres sales de la seu del carrer Montcada. L'exposició obre portes avui, i durarà fins a principis d'octubre.

Ja fa un temps que el Picasso promet una reforma. Aquesta mostra es pot considerar una avantsala del seu futur, segons anunciava aquest matí Malén Gual, conservadora del Museu, durant una visita per als mitjans. L'exposició és curta, però exhaustiva. Comença amb una vitrina didàctica, per explicar al visitant en què consisteix la tècnica litogràfica, i continua amb tres ambients diferents, que reten compte de les primeres passes de Picasso en aquest terreny, de l'ús de la litografia per endinsar-se en el cartellisme (s'hi veuen els cartells per a la Trobada Internacional de Joves per la Pau a Niça, o per a Valuaris) i, finalment, de la seva relació amb Françoise Gilot, que data precisament d'aquesta època.

Publicat al diari ARA 3.5.11

Barcelona Neolítica

2011-04-21T03:34:00.000-07:00

Otra pieza de la Barcelona prehistórica surge detrás de la Boqueria

Sant Pau del Camp, Vila de Madrid, Reina Amàlia y la Boqueria. En cuatro puntos de Barcelona han emergido en los últimos tiempos restos neolíticos de distinto calibre, alargando hacia el pasado remoto la historia de Barcelona y tejiendo, gota a gota, la tesis de que la vida humana se instaló en Barcelona, o en el llamado pla de Barcelona,hace al menos alrededor de 6.000 años. Es decir, en plena fase de sedentarización de la especie.

Hace tres días apareció en las obras de ampliación del aparcamiento subterráneo de la plaza de la Gardunya, detrás de la Boqueria, un enterramiento neolítico de una edad de aproximadamente 6.000 años. "Ha sido una sorpresa", admitió Ferran Puig, jefe del servicio arqueológico municipal. En la zona existió el convento medieval de Jerusalén y han aparecido sus restos, así como restos romanos, pero nada destacable en comparación con el enterramiento neolítico.

Por la osamenta parece el cadáver de una mujer, aunque los paleoantropólogos no tienen aún un resultado definitivo sobre su sexo. El cuerpo fue enterrado en un pozo mortuorio con un brazalete de variscita, un mineral precioso, de tonos verdes, con toda seguridad procedente de las minas de Gavà - en distintos puntos de Europa han aparecido joyas talladas con piedra de esta zona-y con un collarcito de minúsculos aros de dos o tres milímetros de diámetro, de delicada factura, de esteatita; esta materia prima podría proceder del Pirineo, aunque la presentación del hallazgo, el miércoles, se hizo antes de extraer los restos - para poder proseguir las obras-pero antes también de muchos análisis. Los arqueólogos tratarán de extraer restos biológicos que permitan analizar el ADN del cuerpo. También luce un inmenso colmillo de jabalí, a la altura del pecho.

El cálculo de la antigüedad del hallazgo se basa en el tipo de enterramiento y en casos similares, como los de Sant Pau del Camp o Reina Amàlia, y viene a avalar la idea, sostenida por el director del Museu d´Historia de Barcelona (Muhba), Joan Roca, de que empieza a haber material - arqueológico e intelectual-"para plantear una exposición" sobre esta época prehistórica en Barcelona.

¿Fue Barcelona un epicentro neolítico? Posiblemente sus habitantes iban cambiando sus cabañas de lugar en función del agotamiento de los pastos y de la producción agrícola, ya que mantenían rebaños de distintas especies y cultivaban vegetales. Pero para ratificar esta tesis hay un pequeño inconveniente, y es que habría que levantar toda la ciudad y mirar entre sus cimientos, y aún así posiblemente no se podría verificar del todo, porque las sucesivas fases de urbanización con toda seguridad han ido destruyendo los poblados prehistóricos que pudiera haber.

Publicado en La Vanguardia 20.4.11

El centro cultural del Born abrirá un nuevo eje peatonal en el 2012

2011-04-20T08:58:00.000-07:00

El futuro centro cultural del Born, que acuna en su subsuelo el yacimiento de restos arqueológicos del siglo XVII, será el epicentro de un nuevo eje peatonal que busca romper fronteras arquitectónicas e integrar los espacios públicos que envuelven al antiguo mercado central de Barcelona. La apertura de este paseo por las huellas de la vida urbana coincidirá a finales del 2012 con la inauguración de este espacio museístico ubicado en el antiguo mercado central que cerró sus puertas hace 30 años.

Jordi Martí, delegado de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona, precisó ayer que el paseo comenzará en la calle de Argenteria, cruzará Santa Maria del Mar hasta alcanzar el parque de la Ciutadella, donde se abrirán puertas que llevan tiempo cerradas para no poner barreras a esta caminata sobre piedras románicas, góticas, medievales y modernas. Para ello, el museo se podrá atravesar, desde la calle de Comerç, de punta a punta de forma gratuita. «En un futuro este trazo peatonal proseguirá con la Pompeu y llegará al mar».

El alcalde Jordi Hereu va más lejos en sus previsiones. «Se podrá andar seguido de la plaza del Rei al Poblenou. Desde la ciudad romana a la industrial». Para Hereu, el centro cultural del Born, al que el ayuntamiento y la diputación destinan 65 millones de euros, está totalmente consolidado. «Sus tornillos no están flojos. Ha costado, pero su trayectoria es clara y muy ambiciosa».

La razón de ser del espacio arqueológico es mostrar cómo era la ciudad destruida por las tropas de Felipe V, que el 11 de septiembre de 1714 conquistaron Barcelona durante la guerra de sucesión, derrota que cada año se recuerda en la Diada, la fiesta nacional de Catalunya. El derribo parcial del barrio de la Ribera es un episodio relevante del inicio de la represión. «Es una etapa desconocida, a la que los libros de historia dedican escasas páginas. En este nuevo espacio museístico se mostrará que era una ciudad dinámica, con vida», asegura Hereu.

El yacimiento fue descubierto en el 2002 durante las obras de remodelación del mercado, que en ese momento tenía que cobijar la Biblioteca Provincial de Barcelona, que finalmente se construirá junto a la estación de França. A partir de estos restos arqueológicos, los visitantes del siglo XXI pisarán las calles del siglo XVII, contemplando los edificios nobles, las viviendas de pescadores, los talleres artesanos, el sistema de pavimentación, el alcantarillado y el papel del Rec Comtal.

DIÁLOGO CON EL PASADO / El historiador Albert García Espuche, comisario del proyecto del centro cultural del Born, tiene claro que no será únicamente un espacio para la memoria. «Será un flujo de reflexión, un diálogo y un lugar de encuentro entre el pasado y el presente. No hay precedentes. Pocas veces se puede percibir tanta emoción, singularidad y energía en un espacio», argumenta el comisario, que coincide en que el gran objetivo es la transformación cultural del Born, un eje urbano con un enorme potencial público.

Enric Soria es el autor de los planos y de la compleja obra de arquitectura interior. «Hemos hecho mucho más que restaurar un antiguo mercado, lo hemos convertido en un edificio del siglo XXI en el que se contempla a través de vidrieras el exterior pero que a su vez queda protegido de las agresiones acústicas, solares y térmicas», concreta Soria, que deja visible el yacimiento en dos terceras partes de los 8.000 metros de superficie disponibles.

El proyecto museístico es obra de Josep Bohigas y Dani Freixas. El espacio gira en torno a la ciudad desenterrada y a cuatro salas situadas en las esquinas del edificio construido en 1876 basándose en un proyecto de Josep Fontserè i Mestre. La sala Ribera será un espacio polivalente que acogerá proyecciones audiovisuales, conciertos y representaciones teatrales. La Fusina estará destinada a conferencias, seminarios y espectáculos de pequeño formato. Un tercer recinto alojará exposiciones temporales. La primera versará sobre las relaciones que se establecen entre ciudad y mercado.

La exposición permanente, dedicada a explicar cómo era la vida cotidiana en la Barcelona del siglo XVII, se apodera de otra de estas salas. En ella destaca una vitrina interactiva de 35 metros que exhibirá 1.500 objetos encontrados en el yacimiento. Pendientes, dados, canicas de cristal, anillos, peines de madera, copas, platos de cerámica, un biberón, juguetes, relojes de sol, hebillas, cajas...

Publicado por El periódoco el 5.3.11

Barcelona vista per Dionís Baixeras

2011-04-12T08:12:00.000-07:00

Dionís Baixeras va dedicar una part de la seva vida a fer dibuixos de caire documental amb temàtica dels llocs de Barcelona que desapareixien amb l'obertura de la Via Laietana l'any 1907.
També es dedicà a dibuixar els carrers del barri antic de Barcelona escenificant els oficis tradicionals que actualment han desaparegut i que han estat substituïts per locals de lleure.
Us passo un vídeo que m'ha fet arribar el meu pare, nascut en aquest barri.

La ampliación del Pati Llimona desentierra 17 metros de muralla

2011-04-10T13:44:00.000-07:00

La reforma del edificio de la calle de Regomir, 7 rescata unas termas romanas

El centro cívico ganará 1.000 metros cuadrados para entidades del barrio.
Bajo la finca levantada en el siglo XIX en el 7 de la calle de Regomir, en el Gòtic, unas imponentes termas romanas. Sorpresa, ninguna, ya que los estudiosos de la zona ya sabían de su existencia, pero asombra su buen estado de conservación. Estos restos -que serán visitables a partir del próximo verano, cuando terminen las obras- explican mucho del pasado de Barcelona, cuando los mercenarios llegados por mar frecuentaban la instalación para asearse, relajarse -y hacer algún que otro negocio- antes de cruzar las murallas ciudad adentro. «El proyecto ha servido para varias cosas. Por un lado, para ampliar en cerca de 1.000 metros cuadrados la superficie del Pati Llimona, lo que supondrá generar nuevos espacios de encuentro para las entidades, una de las principales reclamaciones vecinales en el Gòtic, y, por el otro, ha servido para recuperar 17 metros de muralla romana y ganar una nueva zona museográfica para entender la historia de la urbe», apunta Toni García, arquitecto de Foment de Ciutat Vella, responsable del proyecto.

MEJORAS DE ACCESIBILIDAD / El concurso para esta ambiciosa reforma es del año 2005, pero lo elevado de su coste --más de 6.700.000 euros-- hizo que los trabajos no empezaran hasta hace un año y medio. Este mes está previsto que finalicen las obras del edificio contiguo al Pati Llimona --la citada finca del número 7, de propiedad municipal y abandonada desde hacía varios años--, que servirá para aumentar el centro cívico. El traslado de las múltiples actividades de un local al otro se hará durante el mismo mes, para iniciar los trabajos de modernización del Pati Llimona. Trabajos que, según el arquitecto Roger Montoto, otro de los responsables de la obra, consistirán principalmente en «modernizar el edificio para hacerlo más accesible y confortable».

De los 6.700.000 euros de presupuesto, la gran mayoría, unos 5.200.000, se han invertido en la remodelación del nuevo edificio. Y es que reformar una finca entera de seis plantas conservando 17 nuevos metros de muralla no es sencillo, y si además esa finca ha de conectar con la contigua, aún se complica más. Pero se ha logrado. Además, del edificio no solo se han rescatado el bajo y el entresuelo para explicar cómo era la Barcelona romana y medieval -se aprecian a la perfección las dos murallas-, sino que también se están restaurando dos de los techos del palacio del siglo XIX. Al nuevo edificio se trasladarán el esplai infantil y el casal de jóvenes, además de los talleres de audiovisuales, punto fuerte del famoso centro cívico, ubicado en un palacio gótico comprado por el ayuntamiento a finales de los 70 tras una larga demanda vecinal.

LA CAPILLA MÁS PEQUEÑA / Otra de las curiosidades de la obra es la reforma de la capilla de San Cristòfol -«la más pequeña todavía en activo de toda Catalunya», según apunta convencido Montoto-, diminuta capilla que se construyó agujereando la torre desde la que se custodiaba la entrada mar a la muralla.

La imagen de este santo, ahora patrón de los conductores, se solía situar en las entradas -y salidas- de las ciudades medievales, como es el caso, porque existía la creencia popular de que quién veía la figura del santo antes de salir de viaje no moría de muerte violenta.

Publicado en El Periódico el 10/4/11

El Museo Marès abrirá con menos piezas para que destaquen más

2011-03-26T03:44:00.000-07:00

Tras 15 años de reestructuración de la colección y dos de clausura por reformas, el Museu Marès reabrirá el próximo 14 de mayo, pero, pese a ser un centro municipal, lo hará discretamente, sin autoridades ni flases. La mala suerte, o el retraso de las obras propio de un edificio con muchos años de historia, han hecho coincidir la reapertura con la campaña de las elecciones municipales. Una pena. Pues los cambios, tanto de contenido como de continente, son lo suficientemente ambiciosos como para publicitarlos. Pero para paliar el ostracismo informativo al que se verá abocado el centro por motivos electorales durante los próximos días, sus responsables presentaron ayer los cambios y las novedades del, según su directora Pilar Vélez, «nuevo museo». «Podemos hablar de nuevo porque la intervención hecha es muy importante», afirmó.

Por un lado se han invertido 4 millones de euros en rehabilitar el conjunto de edificios que forman el centro. La restauración ha consistido en «encontrar un orden coherente dentro de un conjunto heterogéneo», en palabras de Santiago Vives, uno de los arquitectos encargados del proyecto, con el objetivo de reforzar el espacio y hacerlo «seguro y accesible». Y por otro, se ha actualizado el discurso museográfico con la intención de «poner en valor tanto el patrimonio del centro como la figura del coleccionista Frederic Marès», explicó Vélez.

Para ello se ha primando «la calidad frente a la cantidad», pero sin olvidar que se trata de un museo de coleccionista y que una de las características de este tipo de centros es la acumulación de obras, pese a esto, se ha reducido la colección permanente en casi un 20% con el fin de que las piezas destaquen más y sean más accesibles para el público.

VILATÓ, EN EL 2012 / Una cantidad nada desdeñable si se tiene en cuenta que el museo incorpora nuevos objetos: la colección de armas que Frederic Marès donóal Museu Militar de Montjuïc y un conjunto de cajas y arquetas de la colección personal de la familia y que el Ayuntamiento adquirió hace un par de años. En la misma operación el museo recuperó el último piso del edificio del centro del cual los herederos del coleccionista aún tenían el usufructo.

Las reformas se ha hecho con el fin de reafirmar el museo como centro de referencia de la escultura. No en vano se trata de «la única colección de escultura hispánica que abarca desde el siglo XI al XIX», según Vélez. Es cierto que existe el Museo Nacional de Valladolid, pero aunque «magnífico», está centrado en una «etapa muy concreta». Otro de los propósitos es encarar un acercamiento con el arte contemporáneo, y en esta línea se enmarca la muestra de bronces de Javier Vilató prevista para el 2012. La exhibición se hará en el patio, que se recupera como segunda sala de exposiciones temporales.

Aunque la primera de las muestras previstas es Transformare, una exposición pluridisciplinar que documenta los cambios del museo y que se inaugurará el mismo día que se abrirán las puertas del centro. Una jornada que, junto a los días 15 y 18, será gratuita.

Publicado en El Periódico el 25.3.11

Pequeño anecdotario del Museu Picasso

2011-03-24T13:02:00.000-07:00

“¿Podemos ver la Mona Lisa de Picasso?”. “¿No tenéis postales del Guernica en color?”
Estas y otras anécdotas las recoge el blog del Museo Picasso, uno de los grandes museos de Barcelona.

http://www.blogmuseupicassobcn.org/2011/03/pequeno-anecdotario-del-museu-picasso/?lang=es

El Museo Diocesano muestra la serie completa de "Los Desastres de la Guerra"

2011-03-24T11:21:00.000-07:00

Los 80 grabados de Goya, realizados entre los años 1810 y 1814, son una "crónica gráfica" y "un alegato contra la guerra en general"

La primera serie completa de "Los Desastres de la Guerra", de Goya, compuesta por 80 grabados, se exhibe desde hoy en el Museo Diocesano de Barcelona en una exposición complementada con documentos inéditos sobre la Guerra de la Independencia.

En el marco del bicentenario de la Guerra de la Independencia, el Museo Diocesano exhibe desde hoy y hasta el 29 de mayo la gran serie de grabados que hizo Goya sobre la contienda y sus consecuencias, unos fondos propiedad de Ibercaja.

El artista aragonés realizó estos grabados en plena guerra, entre los años 1810 y 1814; lo que da al conjunto carácter de "crónica gráfica".

Goya se adelantó mucho más de un siglo a los grandes reporteros gráficos de guerra del siglo XX, transmitiendo en imágenes las experiencias vividas por él mismo y por otros españoles durante aquel durísimo y desastroso enfrentamiento bélico entre las tropas francesas invasoras, enviadas por Napoleón Bonaparte, y los españoles.

La crítica, la denuncia y la sátira son el denominador común de la segunda gran serie de grabados que hizo Goya, que el pintor aragonés no pudo ver más que en su versión de pruebas, pues por razones políticas no fueron publicados hasta 1863, 35 años después de que falleciera el autor.

Según el especialista Arturo Ansón, "en un principio Goya quiso plasmar la destrucción, violencia y horrores que él mismo contempló en Zaragoza tras el primer Sitio y durante el viaje desde Madrid a la capital aragonesa, pero luego tuvo la necesidad de continuar plasmando los horrores de esa guerra trascendiendo el propio conflicto en el que estaba inmerso nuestro país".

Desde esta óptica, "Los Desastres" se convierten en "un alegato contra la guerra en general y contra la violencia que genera".

En la serie, Goya hace una reflexión cruda y descarnada sobre el ser humano inmerso en una situación bélica, y denuncia las atrocidades cometidas por el ejército francés contra el pueblo español, pero también la violencia de los guerrilleros y de la masa incontrolada.

Las dos primeras partes de los desastres narran la guerra y sus consecuencias, mientras que en la tercera parte, a partir del número 66 y hasta el 80, Goya arremete contra el poder absolutista restaurado en España por Fernando VII, contra la vuelta al Antiguo Régimen, contra la Iglesia, aliada del poder absoluto, contra la Inquisición y contra el sometimiento del pueblo español a esos poderes.

En una segunda sala y como complemento a la muestra se pueden contemplar los útiles de grabado que se usaban en la época así como el sistema de creación de planchas.

El itinerario expositivo se ha enriquecido en el Museo Diocesano con una serie de documentos inéditos referentes a la lucha contra los franceses en Cataluña, fondos procedentes del Archivo Diocesano barcelonés que ilustran la conocida "conspiración de los venenos" o el escarnio de un sargento que se hizo pasar por cardenal de Borbón en Francia.

En la exposición se puede contemplar el proceso de la Inquisición de Barcelona instruido contra el sargento español Francisco Mayoral, quien suplantó por toda Francia y durante cuatro años la personalidad del cardenal Luís María de Borbón, arzobispo de Sevilla y Toledo, primado y regente de España durante la Guerra de la Independencia.

Otro documento ilustra el expediente abierto al sacerdote Pere Coret, en el que colaboradores en la guerra le acusan de ser un doble espía, de intentar envenenar los depósitos de agua de los franceses y de participar en un complot contra los invasores.

Otro expediente da cuenta de la sanción de 3.000 duros, una fortuna en aquel tiempo, que recibió Serafí Llorens, beneficiado de la parroquia barcelonesa de Sant Cugat del Rec, acusado de haber colaborado con los franceses.

Publicado en La Vanguardia 24.3.11

Jornada 'Barcelona en gòtic'

2011-03-23T04:57:00.000-07:00

El proper dilluns 28 de març és la nova data per a la celebració de la Jornada 'Barcelona en gòtic'.

A partir del paisatge urbà contemporani, en aquesta jornada es proposarà una reflexió a l'entorn del nucli històric de Barcelona, dels edificis gòtics característics de la ciutat baixmedieval i de les construccions neogòtiques que en els segles XIX i XX han contribuït a estilitzar la seva fesomia medievalitzant. La jornada es desenvoluparà al Mercat de Santa Caterina, bastit sobre l'antic convent gòtic, les restes del qual són d'un especial interès historiogràfic a l'hora de definir la naturalesa del gòtic català.

Al final de la jornada es presentaran, a l'espai arqueològic de Santa Caterina, els resultats del projecte de recerca "Barcelona en gòtic" desenvolupat dins el subprograma Avanza Continguts Digitals pels laboratoris de Cultura i Turisme, i de Visualització Virtual de Barcelona Media, un recorregut virtual 5D per Ciutat Vella on s'evidencia l'originalitat formal del gòtic català.

Publicat a http://w3.bcn.es el 23.3.11

La Arena de Barcino

2011-03-21T13:20:00.000-07:00

La investigación de una historiadora sitúa un anfiteatro en el lugar donde ahora se alza Santa Maria del Mar
Barcino, colonia romana relevante, brinda algunas referencias indirectas sobre temas lúdicos. Pese a que no hay rastro alguno arqueológico ni documental, ¿es lógico sospechar que tuviera una arena?

La historiadora Jordina Sales Carbonell, del Grup de Recerques en Antiguitat Tardana de la Universitat de Barcelona (UB), ha realizado una investigación que le permite sustentar la hipótesis de que la Barcelona romana disponía de una arena o anfiteatro, y sospecha que se hallaba justo donde luego fue levantada encima primero la iglesia de Santa Eulàlia (más tarde denominada Santa Maria de les Arenes) y después Santa Maria del Mar. Su documentado estudio va a ser publicado en breve en el próximo número 21 de la Revista d´Arqueologia de Ponent, que edita la Universitat de Lleida.

Leído el documentado estudio de la historiadora Sales, comentadas las hipótesis con ella y escuchadas in situ sus interpretaciones de ciertos detalles urbanísticos, trataré de resumir cuanto sostiene.

El marco en el que se sitúa la sospecha de que pudo contener la arena de Barcino es el mismo que en la época tardoantigua albergó una necrópolis con sepulturas comprendidas entre los siglos IV y VI; era extensa, tal como se comprobó en la excavación realizada entre 1940 y 1967: contabilizó arribar el centenar de enterramientos.

No era sorpresa alguna que se efectuaran precisamente allí, como tampoco que, coetáneamente o poco después, se construyera una iglesia. En otros casos parecidos se trataba de santificar un lugar en el que habían sido martirizados cristianos a causa de la fe que practicaban. Allí mismo está documentado que en 877 el obispo Froidoino realizó la exhumación del cuerpo de santa Eulàlia. Está probado literariamente que en aquel lugar ya se celebraba culto a la citada mártir desde el siglo VI en el templo que más adelante, durante la alta edad media, aparece referido como Santa María de las Arenas.

Seis son los argumentos básicos en los que la historiadora Sales fundamenta su hipótesis.

Primero. El documento más antiguo conservado en el que aparece citada Santa Maria de les Arenes se remonta a 1104. Este nombre, contrariamente a lo que pudiera insinuar, no se refiere a la playa cercana; y es que ahora sabemos, a diferencia de lo que se había apuntado en tiempos, la línea costera estaba aproximadamente donde hoy se encuentra. Este nombre bien podría estar relacionado con la arena de Barcelona. Es sólito en ciudades de Francia e Italia que algunas iglesias reciban desde antiguo este apelativo; verbigracia Saint-Martin-des-Arenes, en Nîmes,o Santa Maria de Arena, en Padua.

Segundo. La minuciosa y solvente excavación llevada a cabo por Marià Ribas (publicada en 1977) en el interior de Santa Maria del Mar informa del hallazgo de arenas allanadas uniformemente y en las que después se excavaron las numerosas tumbas (de los siglos IV a VI) que formaban una extensa necrópolis tardoantigua. No parece razonable que en este periodo se tendiera la mencionada capa de arena para, a renglón seguido, excavarlo y llegar a materializar más de un centenar de enterramientos. Así pues, es más lógico sospechar que la superficie de arena aplanada hubiera sido situada allí con anterioridad y con un fin.

Tercero. Una simple observación aérea de la trama urbana de esta zona de la Ciutat Vella transmite la percepción visual de que se dibujan entorno a Santa Maria del Mar una serie de formas elípticas y de distinto radio. Se trata de una realidad también observable en las trazas urbanísticas de Lecce o Córdoba, y también en Lucca y Florencia. Es la adaptación urbanística posterior a un espacio preexistente. Por ejemplo, la curvatura del edificio frontero a la fachada principal de la iglesia de Santa Maria del Mar o la que originalmente se advertía en la calle Sombrerers. En el supuesto que la arena hubiera estado en el espacio que ahora ocupa Santa Maria, esta estructura lúdica romana tendría la misma superficie de otros anfiteatros romanos existentes en Hispania. Una gran concentración inusual de bóvedas y arcos medievales en las calles del citado entorno permiten no descartar que alguno tuviera un origen mucho más antiguo, al tratarse de soluciones arquitectónicas habituales en arenas.

Cuarto. El recinto amurallado de Barcino era pequeño. De poseer una arena, forzosamente tendría que haber sido colocada extramuros. La calle Argenteria, eje viario ya existente en el periodo de Augusto, unía el portal nordeste y el llano donde hoy se alza Santa Maria. Sería ilógico haber tendido aquella vía para no conducir a ninguna parte; de ahí que no sea aventurado pensar que permitía llegar a una infraestructura existente: quizá la arena.

Quinto. El no haber hallado resto alguno de una necrópolis alto-imperial indica que la zona no era entonces de uso funerario, posiblemente porque estuviera entonces ya ocupada por la mencionada arena.

Sexto: El espacio medieval del Born, de signo lúdico, fue emplazado significativamente al lado, al haber ya sido ocupado el lugar por el templo de Santa Maria.

Todas estas hipótesis confluyen y hacen sospechar pues en que es razonable pensar que la arena o anfiteatro romano de Barcino bien pudo estar emplazado donde hoy se alza Santa Maria del Mar. De ahí que, sostiene la historiadora Sales, valga la pena tenerlo presente, máxime si se da la ocasión de realizar dentro de aquel perímetro sensible futuras excavaciones arqueológicas. Y es que, tomados en consideración todos estos argumentos teóricos, los restos que se puedan hallar permitirían entonces ser interpretados a la luz de una óptica bien distinta a la mantenida hasta hoy, y relacionada por tanto con la arena.

Publicado en La Vanguardia el 20.3.11

Van Dyck dormía en la Academia

2011-03-17T12:12:00.000-07:00

Recobrado y restaurado el lienzo 'La Virgen y el Niño y los pecadores arrepentidos', que permaneció olvidado en los almacenes de la calle Alcalá, 13

Un lienzo de Anthonius van Dyck, pintor flamenco del siglo XVII cuyas obras figuran hoy entre las más cotizadas del mundo, ha sido redescubierto, autentificado y restaurado en los sótanos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde dormía un sueño centenario. Se trata de La Virgen y el Niño con los pecadores arrepentidos, pintado por Van Dyck en Italia en torno al año 1625. Hasta ahora se creía que era una copia.

El cuadro representa a la Virgen María con Jesús en brazos y tres figuras que, arrobadamente, les miran: una central, femenina, María Magdalena, con ropaje blanco satinado, que evoca las inconfundibles masas cromáticas de Tiziano contempladas por Van Dyck en un juvenil viaje a Italia; otra figura encarna al hijo pródigo, en un segundo plano, y la tercera, al rey David, en una composición que la finura sentimental de Van Dyck supo magistralmente trenzar para dar idea de que frente a sus tres respectivos pecados, prostitución, prodigalidad y adulterio, ante la figura de la Virgen María y de su hijo mostraban su devoto arrepentimiento. Precisamente, algunos arrepentimientos -retoques introducidos por Van Dyck para enmendar sus obras- han permitido ahora atribuir esta joya al excelso artista flamenco. Así, un paño que recubrió inicialmente el regazo de Jesús fue retirado por Van Dyck con posteriores pinceladas que hicieron aflorar carnaciones hasta entonces inexistentes.

Desde el pasado julio, las restauradoras Silvia Viana, Judith Gasca y Ángeles Solís han acometido un esmerado trabajo que ha incluido contundentes análisis de pigmentos y pruebas radiológicas. El cuadro, pintado en torno a 1625, perteneció a la colección del Duque de Medina de las Torres, en el virreinato español de Nápoles. Siguió ruta hasta Amberes, primero, para recalar en España, concretamente a la antesacristía del monasterio de El Escorial, bajo el reinado de Felipe IV, mediado el siglo XVII. En el recinto escurialense permaneció abierto a la contemplación pública hasta la invasión napoleónica de 1808 en la que, de manera sorprendente, se salvó del expolio al que fueran sometidas por la soldadesca miles de obras de arte. Tiempo después, el cuadro fue a parar a la Real Academia de Bellas Artes, en la calle de Alcalá, 13. Allí pasó a ocupar un lugar recoleto de sus almacenes, para integrarse luego en un olvidado peine, soporte de obras de arte. En 1973, Matías Díaz Padrón, futuro conservador de Arte Flamenco del Museo del Prado y máximo especialista en Van Dyck, por indicación de su maestro Diego Angulo, comenzó a columbrar en su tesis doctoral que el autor de tan magna obra era el ubérrimo artista flamenco, atribución que ahora acaba de ser confirmada tras un minucioso proceso de análisis químicos y radiológicos, "avalado por exhaustivos estudios históricos y contrastado por especialistas", según confirma el historiador del Arte José María Luzón, director del Museo de la Real Academia.

Anthonius van Dyck nació en Amberes en 1599. Fue coetáneo de Diego Velázquez. Precisamente, se cree que el genial sevillano dejó su impronta en este cuadro del pintor flamenco. Es conocida la afección de Velázquez por redimensionar los lienzos que, como guardián de las colecciones reales, él custodiaba. "En esta obra de Van Dyck", explica José María Luzón, "se aprecia claramente que la tela fue prolongada hasta siete centímetros en su longitud inicial, hecho que permite sospechar que pudo deberse a Velázquez".

El artista flamenco, huérfano de madre desde los ocho años, se había formado en el taller de Hendrick van Balen. Su vida coexistió con la de Pedro Pablo Rubens. Tras un fértil viaje a Italia, donde estudió la pintura de los grandes maestros, Van Dyck regresó a Amberes y fue llamado a la Corte de Londres por Carlos I. Allí descollaría como uno de los mejores retratistas de todos los tiempos, maestro a la hora de representar con sus pinceles emociones tan intensas como el amor, la fe o el arrepentimiento, que tan sublimemente refleja en este tesoro pictórico ahora recobrado. La fuerza plástica, la sutileza rítmica, la finura expresiva y la singularidad instantánea que capta en sus composiciones corroboran, con las credenciales de la analítica científica aquí empleada, la certeza de su autoría.

La obra podrá ser vista en mayo en Madrid, en una exposición monográfica, Ecos de van Dyck, que la semana entrante visita la sede de Caja Murcia, entidad patrocinadora de la restauración.

Publicado en El País 18/3/11

Las juventudes cruzadas de Picasso, Miró y Dalí

2011-03-10T08:13:00.000-08:00

Florencia expone las influencias y encuentros entre los tres artistas

Picasso apareció en la escena artística en la primera década del siglo XX, Miró en la década de 1910, y Dalí a comienzos de los años veinte. La modernidad fueron ellos. Les separaba la edad, pero les unían muchas cosas. Sobre todas, la idea de que el arte genuinamente moderno no puede renunciar a las raíces y a la tierra. Picasso y Dalí vivieron su etapa madrileña. Y aunque Miró fue quizá el más catalán, los otros también se empaparon de ese aroma. Picasso fue maestro, pionero; Miró y Dalí le siguieron por los ismos y vanguardias hasta el más allá, los sueños y el surrealismo. Los tres fueron grandes buscadores de lenguajes nuevos. Sus encuentros e influencias cruzadas, a menudo invisibles o inconscientes, son el centro de la exposición Picasso, Miró, Dalí: tres jóvenes airados y los orígenes de la modernidad, que se puede ver en el palacio Strozzi de Florencia desde el sábado próximo hasta el 17 de julio.

La interacción entre los tres artistas españoles se explica a través de más de 60 pinturas de los tres protagonistas y más de 100 dibujos de Picasso. La exposición ha requerido dos años de trabajo, y se detiene sobre todo en las producciones juveniles de Picasso, Miró y Dalí para explicar cómo contribuyeron a la transformación creativa de su tiempo.

Eugenio Carmona, catedrático de la Universidad de Málaga, ha preparado la muestra con el suizo Christof Vitali, y sitúa la entrada definitiva de Picasso en la modernidad en 1907. La de Miró a partir de 1923. Y la de Dalí en 1929. Con anterioridad, sus "búsquedas, hallazgos y experimentaciones fueron continuas y comunes", explicaba ayer el comisario durante una visita con periodistas españoles. "Necesitaron muchas veces dar un paso atrás para luego dar el gran salto hacia delante".

La exposición comienza en abril de 1926 y luego va retrocediendo en el tiempo salteada en cuatro ideas, episodios o pensamientos. El primer acto final detiene el tiempo en el año en que Dalí viaja a París y visita a Picasso en su casa, o al menos eso contó en su biografía La vida secreta de Salvador Dalí. Ese encuentro real o supuesto, que Carmona define como psicomaquia, muestra las obras de un Dalí mestizo, neoclásico, neocubista y freudiano, que acaba de dejar atrás el clasicismo y se debate entre dos mundos, el vicio de lo clásico y la virtud de lo moderno que luchan en Composición con tres figuras. Academia neocubista .

Dalí es aún muy joven -nació en 1904- pero ya refelxiona sobre Picasso y habla de Miró, que andan todavía en sus propias luchas. El segundo pensamiento se titula Miró-Dalí, genius loci, y resume la vivencia madrileña-catalana-parisina de los dos pintores catalanes entre 1915 y 1924. Épocas de ismos, de paisajes, retratos y bodegones (entre ellos, dos magníficas naturalezas muertas de Miró), en las que ambos, según Cardona, reflexionan sobre "la exigencia de la identidad, la pervivencia del clasicismo, el arte figurativo y la relación entre el arte nuevo y el arte de los museos".

El penúltimo salto atrás se llama "Cuando Miró se cruzó con Picasso. Barcelona, 1917". El genio malagueño ha vuelto de un viaje a Roma, Nápoles y Florencia impresionado por las esculturas de Miguel Ángel en la Capilla de los Medici de la capital toscana, y se dispone a hacer la escenografía para Parade, de Los ballets rusos de Dhiagilev. Picasso tiene 36 años, y Miró 24. El primero es cubista y neoclásico a la vez; Miró está empezando a ser, pero pinta su Autorretrato y unos estupendos paisajes catalanes.

El cuarto pensiero se decía al joven Picasso y tiene dos partes. La primera muestra el Álbum 7, con los bocetos para Les demoiselles d'Avignon procedentes de la colección de la Fundación Picasso de Málaga. La segunda son quince pinturas adolescentes que muestran su evolución desde que tenía 14 años hasta el año 1906.

Publicado en El País 10/3/2011

El arte que se lleva el viento

2011-03-10T08:11:00.000-08:00

El artista británico Chris Drury es uno de los mayores exponentes del 'land art', el arte de crear en la naturaleza

Desde hace 25 años extrañas figuras aparecen en los campos británicos, los hielos antárticos y las salas de museos de todo el mundo, desde Estados Unidos a Vitoria. No se asusten, aún no han llegado los extraterrestres. Es el trabajo del británico Chris Drury (1948, Colombo, Sri Lanka), uno de los mayores exponentes del arte de la naturaleza o land art. Capaz de traducir la sombra del viento en arte siguiendo los latidos del corazón.

Suena romántico, pero detrás de los proyectos de Drury hay horas de investigación científica. "El ser humano intenta separarse de la naturaleza y no se da cuenta de que tiene una estructura biológica muy similar", cuenta en conversación telefónica desde su casa en Lewes (Inglaterra), donde se trasladó en 1982. Antes de cada trabajo se reúne con astrónomos, cardiólogos, arquitectos, toda clase de expertos en los que no se ha convertido, se empeña en aclarar.

De estas colaboraciones esporádicas salieron Wind vertices (2007), el resultado de dos meses estudiando el hielo con una expedición británica en el Antártico, Heart of reeds (2005) que, como el sistema circulatorio, bombea sangre al perfilar el río Ouse en el sureste británico. O tres grandes huellas dactilares realizadas con la impresión de las palmas de las manos de vitorianos anónimos impregnadas con arcilla roja obtenida en las cercanías del Museo Artium. "En este momento estoy colaborando con arquitectos para proyectos paisajísticos". Nuevos compañeros en el camino, solo en el camino. "No tengo equipo, me gusta colaborar con las personas del sitio en el que trabajo. Creo que aporta mayor creatividad a mi trabajo", explica.

El land art es un movimiento que se originó a finales de los 60 en Estados Unidos empeñado en encontrar los materiales en la misma naturaleza donde se iban a exponer. "Mis obras son efímeras como el lugar del que salen, cambiantes con el tiempo". Lo que no le genera ningún tipo de frustración porque como reza el lema que sigue a pies puntillas: "mi arte es un proceso, no un resultado". No revisita sus obras, "no tengo tiempo para trasladarme a todos esos lugares, solo vuelvo a verlas si están cerca de mi casa".

Drury no se casa con nadie, ni siquiera cuando sus instalaciones le demandan meses, hasta años, de preparación e inversiones de más de 150.000 libras (174.000 euros) como en el caso de Herat of reeds. "Voy colaborando con instituciones y galerías privadas, pero no cuento con una fuente de financiación fija. También tengo suerte, al final muchas de mis obras después de exponerse en museos se acaban vendiendo". La libertad de las relaciones contractuales abiertas le ha permitido trabajar con importantes museos como el Británico o el Victoria and Albert Museum que albergan parte de su obra en sus colecciones públicas, universidades o pequeños pueblos como la reservas de indios americanos, "gente mucho más auténtica de la que se puede encontrar en el circuito comercial".

La rueda de la medicina

Durante un año el artista paseó por las inmediaciones de su casa en Lewes con el único propósito de meditar. De las caminatas salió The medicine wheel, la Rueda de la Medicina, una suerte de mándala en forma de mosaico con objetos que se iba encontrando. El protagonista de la rueda son los hongos. Le fascinan porque son capaces de "crear, matar y alimentar".

Drury las convirtió en las bombas nucleares de la naturaleza. Mushroom/Clouds (2008), guardada a buen recaudo en el museo de arte de Nevada (EE UU), es una escultura de setas disecadas en forma de nube nuclear. "Las setas son la metáfora del ciclo de la naturaleza, destruyen y regeneran el medio ambiente, un poder que el hombre cree es el único capaz de desempeñar".

Publicado en El País el 10/3/2011

Tras la tumba de Alejandro Magno

2011-03-08T02:34:00.000-08:00

Cientos de arqueólogos, aventureros, aficionados, charlatanes, fanáticos, visionarios y saqueadores han buscado la tumba de Alejandro Magno, el legendario soma, cuyo paradero exacto es uno de los grandes misterios de la historia. Entre los que han rastreado infructuosamente el sepulcro del gran macedonio figuran desde el mismísimo Schliemann, descubridor de Troya, hasta el inclasificable Stelios Komoutsos, camarero del café alejandrino Elite, que desde 1956 hasta su muerte en 1991 buscó apasionadamente la tumba basándose en un espurio libro secreto que tenía en su poder (poco antes de fallecer trató de venderlo a cambio de un pequeño vitalicio y un Mercedes: nadie le hizo caso).

Algunos afirmaron haberla encontrado: Ambrose Schilizzi, dragomán del consulado ruso en Alejandría y guía en sus ratos libres, dejó el cautivador relato de cómo avizoró tras una puerta carcomida en los subterráneos de la mezquita de Nabi Daniel en Alejandría -una de las ubicaciones que se han señalado como probables- el cuerpo de un hombre sentado en un trono dentro de una urna de cristal: llevaba una corona de oro y lo rodeaban rollos de papiro... ¿Cómo no soñar con imagen semejante?: Alejandro, dormido intacto bajo la gran urbe de la antigüedad a la que dio su nombre, circundado de tesoros y de secretos.

No están los tiempos como para buscar tumbas perdidas en Egipto. Pero siempre quedan los libros. Y ahora Valerio Manfredi (Módena, 1943), que a su calidad de novelista autor de Alexandros une el ser un reputado estudioso de la antigüedad (su especialidad es precisamente la topografía del mundo clásico), acaba de publicar un apasionante ensayo sobre la búsqueda del sepulcro del rey: La tumba de Alejandro. El enigma (Grijalbo, 2011).

El libro, que se suma al de Nicholas J. Saunders sobre el mismo asunto (Planeta, 2007), no es solo un recorrido por la historia de la tumba, su desaparición y los intentos de localizarla sino que incluye una hipótesis muy verosímil de dónde está realmente ese monumento señero de la antigüedad, o lo que queda de él. Del cuerpo embalsamado del gran Alejandro más vale que nos olvidemos: Manfredi recalca que fue destruido seguramente durante el turbulento ascenso del cristianismo en Alejandría -cuando se echó abajo el Serapeo y se asesinó a Hipatia-, como reliquia del paganismo. Es muy probable, opina, que la momia del conquistador fuera arrojada a los perros.

En cuanto a su sepulcro, Manfredi explica a este diario: "Estoy convencido de que todo lo queda son los bloques de la que se conoce como la Tumba de alabastro en el cementerio latino de Alejandría". A principios del siglo pasado salieron a la luz en ese lugar los restos de un edificio monumental de extraordinaria calidad que fueron olvidados y de los que se conservan cuatro bloques monolíticos gigantescos de alabastro, pulimentados en su cara interior pero no en la exterior, que conforman una cámara. Manfredi cree que se trata de la estructura central de una tumba macedónica y que originalmente, como estas, estaba cubierta por un túmulo de tierra.

La tumba de Alejandro sería como la atribuida a su padre Filipo II en Vergina, la antigua necrópolis real macedonia, descubierta por Manolis Andronikos en 1977. Manfredi esgrime como prueba el relato de Lucano en el que imagina la visita de César al recinto y lo hace descender a una cámara subterránea. El literato latino también menciona un monte artificial. Lucano era sobrino de Séneca, que se sabe escribió una obra (perdida) sobre los santuarios y tumbas del antiguo Egipto en la que seguro que se hacía referencia al sepulcro de Alejandro. "¿Para quién sino para Alejandro iba a ser la única tumba macedónica que hemos encontrado en Alejandría?", apunta Manfredi. Como las de Vergina, la de Alejandría sería una construcción poco llamativa en su aspecto exterior, lo que explicaría que se hayan conservado tan pocas descripciones.

¿Tema zanjado, pues? "En un ensayo como este hay que ofrecer una hipótesis bien fundada, no tenemos razón para dudar, aunque no es seguro al 100 %. En favor de la teoría está el que no se haya podido encontrar nunca ningún otro resto compatible con lo que podría ser la tumba de Alejandro". Las tumbas macedónicas, apunta, no tenían inscripciones lo que hace imposible una confirmación epigráfica: "También eso es un argumento, ex silentio".

El sarcófago de Alejandro no se ha encontrado. "Estrabón escribió que Ptolomeo XII hizo fundir el original de oro para pagar a sus mercenarios y recolocó a Alejandro en uno de alabastro. Es lógico pensar que usó el material de la tumba que tenía a mano". El sarcófago de alabastro también debió ser destruido. ¿Y la coraza del rey? Suetonio escribe que Calígula se la hizo llevar a Roma, ¡quizá podría encontrarse! Manfredi ríe. "Todas las cosas preciosas se pierden, quien quisiera que algo suyo permaneciera debería hacer como los espartanos, que llevaban pulseras de simple madera con sus nombres para que al caer en batalla nadie tuviera la tentación de quitárselas y pudieran identificarlos".

En su libro, Manfredi también ofrece una hipótesis sobre la muerte del joven, bello y estragado conquistador. "Con toda probablidad murió de una pancreatitis aguda, como sostienen diversos especialistas en medicina. El dolor imprevisto y fortísimo, como de una lanzada, que señalan las fuentes antiguas apunta a ello. Así como la infección devastadora y la fiebre altísima. La dolencia fue producto de los desordenes inauditos a que Alejandro se entregaba desde los 16 años".

Publicado por El País el 8/3/11

La pintora Olga Sacharoff: una història d'exili i acollida

2011-03-07T07:49:00.000-08:00

Durant els anys que va transcórrer la Primera Guerra Mundial, molts artistes estrangers que residien a París van abandonar la ciutat a la recerca de llocs que no formessin part del conflicte. Alguns d'ells van viatjar a Suïssa, uns quants van triar creuar la frontera pirinenca per instal·lar-se a Catalunya. Duien aires d’innovació artística i una bona quantitat d'energia original i creativa. Entre les artistes que van arribar aquí estan la francesa Marie Laurencin i les russes Sonia Terk-Delaunay i Olga Sacharoff. Mentre les dues primeres van trobar a terres catalanes un lloc de refugi i de treball durant aquests temps agitats per a, una vegada restablerta la pau, retornar a la capital de les avantguardes; Sacharoff va trobar aqui un espai on instal·lar-se i habitar fins a la seva mort, inserint-se plenament en la vida cultural i artística de Barcelona. Olga Sacharoff (1889-1967) va arribar a la ciutat acompanyada de la seva parella, el pintor i fotògraf anglès Otho Lloyd, l'any 1916; ambdós es van instal·lar al carrer Albigesos i solien passar llargs períodes a Tossa de Mar, població que els va enamorar i on van trobar un paisatge ideal per a inspirar-se i treballar en les seves respectives obres. En acabar la Gran Guerra Olga va regressar a París on va continuar pintant. La seva obra va evolucionar des del cubisme cap a un primitivisme molt personal amb el qual va articular un món iconogràfic propi molt crític amb la moral establerta i que posa constantment en qüestió la posició de la dona dins la institució matrimonial.

Des de la capital francesa, però, continuava alimentant les relacions que havia establert aquí, tant a través del contacte epistolar amb destacades personalitats del món de l’art, com exposant en galeries barcelonines i visitant amb freqüència la ciutat. El vincle amb Catalunya va continuar fins que l’any 1939, amb l'adveniment de la Segona Guerra Mundial, Sacharoff i la seva parella van decidir novament viatjar a Barcelona i aquesta vegada la recerca d'asil va convertir la ciutat en una residència definitiva que els duria a arrelar-s’hi per sempre.

Assentada en una casa enorme del barri del Putxet, Olga hi va construir amorosament la seva llar i el seu taller. D'aquesta mansió el més grandiós era el jardí ple d'arbres, plantes i flors que l'artista cuidava amb molta dedicació igual que a la legió de gossos i gats que recollia de l'abandó i que passaven a formar part de la família. Els habitants d’aquest petit Edèn feien de models de les seves obres ja que l’artista va conrear el gènere de la pintura de flors, com també va plasmar nombrosos animals en companyia de persones o immersos en el paisatge català, de tal manera que en les seves imatges es respira una atmosfera de profunda comunió amb l'Univers. El jardí també era el lloc preferit per a rebre les nombroses amistats que l’Olga va travar i a les quals agradava complimentar amb plats exquisits en què combinava la gastronomia russa, francesa i catalana. He pogut recollir múltiples testimoniatges de persones que van trobar en la seva llar una agradable hospitalitat. L’Olga corresponia així a qui s'havia interessat per la seva història i les seves experiències d'exiliada, acollint-la i donant-li unes noves arrels des de les quals recrear el món que l'envoltava. Testimoni d'aquest arrelament són els seus dos quadres sobre la seva colla, com anomenaven al grup d'escriptors, artistes, músics, etc. amb qui se solia reunir a parlar en animades tertúlies. S’han de destacar les relacions de col·laboració que va travar amb artistes catalanes; és així que podem gaudir, per exemple, del bell retrat que va realitzar de la pintora Laura Albéniz, el de l’escultora Maria Llimona o les seves il·lustracions per al llibre de la poeta Clementina Arderiu Sempre i ara (1938).

Avui dia algunes de les seves obres pengen de les parets del Museu Nacional d’Art de Catalunya tot recordant-nos que l’acollida de la diferència forma part molt antiga de l’experiència femenina.

Publicat a l'Institut Català de les Dones

Les surrealistes: Remedios Varo

2011-03-07T07:48:00.000-08:00

Al maig del 1936 es va celebrar a Barcelona, organitzada per A.D.L.A.N (Amics de l’Art Nou), l’"Exposició Logicofobista". Aquesta exposició, que pretenia aplegar i mostrar l’obra dels artistes vinculats a la més recent i trencadora proposta avantguardista, el surrealisme, van participar, entre un total de 13 artistes, les pintores Nadia Sokalova, Maruja Mallo i Remedios Varo.

Per a moltes artistes, treballar amb les apostes del surrealisme va ser una decisió associada a una rebel·lió contra les formes establertes, tant artístiques com vitals. Les obres que coneixem de Remedios Varo (Anglès, Girona, 1908 - Ciutat de Mèxic, 1963) realitzades a Barcelona a la dècada dels anys 30 demostren el seu apropament i interès pel surrealisme i el coneixement i domini del seu llenguatge. Remedios Varo havia estudiat a Madrid, a l’Academia de San Fernando, i allà s’havia relacionat amb les artistes Delhy Tejero i Piti Bartolozzi, entre d’altres. Quan va establir-se a Barcelona, després d’una estada a París, segurament ho va fer atreta pel caràcter cosmopolita i per la forta presència dels moviments d’avantguarda a la vida artística de la ciutat.

Algunes de les obres de Remedios realitzades a Barcelona treballen l’imaginari surrealista sobre el cos de les dones, i hi apareixen cossos objectualitzats o fragmentats, trencats i violentats. Però d’altres obres seves expressen també la tensió de treballar amb aquests models de representació surrealistes.

Ja a Mèxic (país on l’artista es va exiliar el 1941, després de la Guerra Civil i d’una estada a París), Remedios Varo desenvoluparà la seva obra més personal: una visió i versió pròpia, alternativa, subversiva i crítica de les iconografies, teories i pràctiques surrealistes, i un llenguatge que li permetrà resoldre els conflictes de representació des de la identitat pròpia.

A l’obra "La creació de les aus" la figura femenina ja no està representada de manera objectualitzada, sinó que l’artista s’autoretrata com a sàvia que té el poder de crear a la vegada art i vida. La dona-ocell treballa sola en un espai auster i monacal, posant en comunicació sobrenatural el seu treball amb el cosmos. L’artista treballa les seves pintures amb un estil molt preciosista i un minuciós refinament tècnic que transformen les categories surrealistes de l’automatisme i l’oníric.

A Mèxic, Remedios Varo es va relacionar amb un grup d’exiliats europeus, entre els quals estaven la fotògrafa hongaresa Kati Horna (que havia estat vinculada durant la guerra a "Mujeres Libres") i la pintora anglesa Leonora Carrington. Remedios i Leonora van desenvolupar una molt forta relació personal i creativa, compartint els seus interessos comuns pel joc, l’alquímia, la mística i les filosofies antigues. A l'última de les pintures de Remedios, "Natura morta ressuscitant", l’artista va recollir les seves creences sobre l’harmonia còsmica.

Publicat a Institut català de les dones

Ni madonnas ni pin-ups

2011-03-05T10:10:00.000-08:00

El Museo Thyssen muestra los roles femeninos menos usuales en la historia del arte.
O madonna o pinup. O tierna madre o puro y duro objeto de deseo. Estos son los dos grandes destinos a los que los artistas varones han condenado tradicionalmente a lamujer en sus representaciones de lo femenino. Pero junto a esa galería de mujeres erotizadas, complacientes, sumisas, disponibles, vencidas o esclavizadas que pueblan los museos de todo el mundo, las hay también fuertesyorgullosas, activas, independientes, intelectual y físicamente poderosas, desafiantes, creadoras, dominantes, guerreras... Guillermo Solana, el director del Museo Thyssen- Bornemisza, ha reunido en Madrid a un nutrido grupo de ellas en torno a la exposición Heroínas, que se inaugura el próximo martes, día Internacional de la Mujer (en el Thyssen y la Fundación Caja Madrid), y vuelve a situar en primer plano esa aparente contradicción entre la omnipresencia de la imagen de la mujer en el arte occidental y su ausencia como creadoras. Guillermo Solana recuerda que las Guerrilla Girls se preguntaban ya en 1985: "¿Tienen que desnudarse las mujeres para entrar en el Metropolitan Museum of Art?", denunciando así, entre interrogantes, que sólo el 5 por ciento de los artistas del museo eran mujeres, pero el 85 de los desnudos eran femeninos. El comisario, responsable asimismo de Lágrimas de Eros –con esta, una de sus muestras más personales– lo cuenta frente al imponente desnudo de una supermujer de más de dos metros, pechosymuslos rotundos, los brazos en jarras, que se planta desafiante y altanera a la entrada de la exposición. Es la Heroína (1931) de Gaston Lachaise, de la que hay otro ejemplar en el MoMA, una excelente tarjeta de presentación para los otros 120 retratos de mujer, del Renacimiento hasta hoy, que, seguro, acapararán miradas fascinadas del visitante. La nómina de artistas es extraordinaria: Caravaggio, Delacroix, Pissarro, Rubens, Degas, Goya, Hopper... ¿Alguna mujer? Entre las clásicas sólo unas pocas, como la impresionista Mary Cassatt; el resto son artistas contemporáneas (desde la recientemente fallecida Nancy Spero a Marina Abramovic o Mona Hatoum) a las que Solana les concede el turno de réplica. Ellas tienen aquí la última palabra. La exposición se organiza de forma temática, desmelenándose a medida que avanza el recorrido, desde las primeras mujeres tocadas por la soledad y la nostalgia a las locas o histéricas que vuelan por los aires de las salas de Caja Madrid. Por el camino, campesinas, atletas, chicas malas, bellísimas amazonas, magas, mártires y místicas, estigmatizadas como locas o brujas. "Lo tradicional ha sido que el hombre fuera el pintor y lamujer el tema del cuadro, el hombre el escritor y la mujer la musa, el hombre el buscador de belleza y la mujer la belleza encarnada (como escribió Bécquer: "¿Qué es poesía? ¿Y tú me lo preguntas? Poesía eres tú"), reflexiona la escritora Laura Freixas, presidenta de la asociación ClásicasyModernas, creada para la igualdad de género en la cultura. "La mujeres no han tenido genéricamente poder, ni por lo tanto, capacidad de integrarse en los grandes oficios. Pero también es verdad que en la pintura clásica hubo muy buenas artistas, muchas más de las que conocemos, lo que pasa es que no han tenido visibilidad, no se las ha colgado en los museos", señala por su parte la filósofa Amelia Valcárcel, vicepresidenta del Patronato del Museo del Pradoymiembro del Consejo de Estado. Un dato: de las 11.000 obras que componen los fondos del Prado, sólo 38 están firmadas por mujeres y de estas únicamente 7 están a la vista del público. Lo cuenta Marian López F Cao, directora del Instituto de Investigaciones Feministas de la Universidad Complutense de Madrid, institución que en el 2009 firmó un convenio con el Ministerio de Cultura para el estudio de fondos museísticos desde una perspectiva de género. Hasta la fecha han creado una serie de itinerarios feministas en el Arqueológico, el Reina Sofía y el Prado (este último se presenta el día 8, junto a la edición de una audioguía). "Es paradigmático el caso del surrealismo", destaca López F. Cao. "En un momento de empoderamiento femenino en el que aparecen con grandes artistas mujeres, como Remedios VarooMaruja Mallo, hay otro masculino muy regresivo en el que retoman la idea de la muñeca como imaginario del cuerpo femenino. ¿Es casual? ¿Por qué hay tantas artistas surrealistas silenciadas o minimizadas?". López F Caro se detiene ahora en la guerra civil española para señalar cómo la imagen que se ha proyectado de la mujer en ese periodo es el de la víctima que aparece en el mismo paquete que ancianosyniños, "cuando hay centenares de fotos, mucho más silenciadas, en la que se la ve trabajando y luchando codo con codo con los hombres. "El propio Picasso, gran misógino, crea esa imagen tan poderosa de la mujer desgarrada por la muerte del hijo en el Gernika. Una realidad pero no toda". Pero ¿cómo se ven las mujeres a ellas mismas? ¿Cómo se representan? "La incorporación de la mujer como autora ha conllevado una gran dosis de realismo, de traer hacia el aquí y el ahora los temas que representaba, incorporando lo cotidiano, lo terrenal para romper la dicotomía de su imagen de objeto tocable-intocable. Las mujeres se preocupan por barrer fronteras entre un mundo privado y otro público, entre un mundo político y otro poético, y acortando distancias elaboran una nueva imagen del sujeto atendiendo a la transitoriedad del sujeto, a la importancia del proceso en detrimento de los resultados", responde Eulàlia Valldosera. Para la artista, una de las más destacadas del arte actual, "la imagen de sí mismas que están proponiendo las mujeres arrancó con los tránsitos que el dolor provoca en los cuerpos, con Louise Bourgeois o Frida Kahlo, mensajes demoledores que han roto la imagen de un cuerpo portador de valores inalcanzables, y ha continuado con las propuestas de las americanas que han performativizado las prácticas artísticas de modo que el objeto artístico ha dejado de ser el objetivo del arte. Saben trabajar en red y a falta de una tradición en la que se sientan representadas, extraen su conocimiento de su propia experiencia (la de la cultura de la que son deudoras, la de sus madres y abuelas que sellaron sus labios en pos del discurso único del patriarcado), lo que les da una ventaja crítica para innovar y proponer una nueva representación del ser humano".

Publicado en La Vanguardia el 6/3/2011

+ info:

http://www.museothyssen.org

Un filme narrará la Barcelona rescat

2011-03-05T10:03:00.000-08:00

Un Short cuts de hace 300 años.
Pequeñas historias que se irán entrecruzando, tejiendo el relato de la Barcelona asediada por las tropas borbónicas con el de la Barcelona del piercing. El notario Francesc Duran y el obrero que hoy escala hasta lo alto del andamio, puliendo hierro de un siglo para crear un museo del XXI. Sabemos todo del notario Duran, y de cientos de sus vecinos de hacia 1700, gracias a la panorámica excavación que el historiador Albert Garcia Espuche ha dirigido en el Mercat del Born.

Cuando fue a construirse en este viejo mercado una biblioteca, de su subsuelo emergió la Barcelona bombardeada en 1714. Un pedazo de la historia local y de la historia de Europa. La excavación sacó a superficie miles de objetos, con los que se ha averiguado hasta la última intimidad de algunos barceloneses de hace 300 años; con todo ello, Espuche está coescribiendo - junto al cineasta Claudio Zulián-el guión de La ciutat oblidada,una película con un presupuesto de entre 600.000 euros y un millón. Contará con alrededor de 35 actores y parte del rodaje en el yacimiento arqueológico, que ahora está en fase de conversión en visitable y en museo. La productora, Acteón, prevé estrenarla poco antes o poco después del verano del 2012.

El museo, del que ayer se dieron los primeros detalles, contará con 1.500 piezas de las halla das en el lugar, como cerámicas, biberones, pipas, joyas, vidrio... Ocuparán una larga vitrina de 35 metros. Las cuatro esquinas del recinto contarán con urnas de vidrio, para la muestra permanente y la temporal, para el acceso al yacimiento y para una sala polivalente. Así, a tres metros bajo tierra se mostrará la Barcelona del XVIII, en superficie un museo del siglo XXI y la cubierta lucirá la arquitectura del XIX.

Publicado en La Vanguardia el 6/3/2011

Artículos relacionados:

http://ballartblog.blogspot.com/2009/12/el-paseo-del-born-era-la-plaza-mayor-de.html

Edificios con vigas de memoria

2011-03-01T05:33:00.000-08:00

El madrileño Juan Garaizabal proyecta reconstrucciones efímeras de símbolos arquitectónicos destruidos.- Sus 'catedrales de alambre' se verán varias capitales europeas, entre ellas Madrid y Valencia.

Que las emociones se condensan en el espacio es obvio para cualquiera que relacione un lugar con un sentimiento. Por eso cuando un edificio desaparece, con él mueren recuerdos y vivencias. Puede ser una guerra la que aniquile un palacete, o un plan urbanístico el que se lleve por delante un mercado popular. Recuperar las emociones y las ideas que latían en esas construcciones perdidas es el objetivo de Memorias urbanas, un proyecto artístico de Juan Garaizabal (Madrid, 1971) quien, hasta el 18 de abril, expone en Praga su iglesia errante: una reconstrucción con tubos y luces de la desaparecida iglesia Bohemia de Berlín.

Este año, además, en París levantará un trasunto del palacio de las Tullerías; en Valencia la silueta del Palacio Real volverá a alzarse sobre la piel urbana y, en Madrid, resucitará el mercado de la Plaza de Olavide. El proyecto de Valencia está pensado "para principios de verano" -indica el autor por vía telefónica-, y se levantará en un parque que hoy cubre los cimientos del antiguo palacio.

El proyecto para Madrid pretende recuperar un edificio "de los pocos racionalistas" de la ciudad y que fue demolido "con bastante escándalo intelectual" en 1976. "Hay un interés grande en Madrid en hacer un proyecto de este tipo. Hemos presentado un preboceto y técnicamente es viable".

Volúmenes etéreos

Garaizabal (que ha llevado otros proyectos a Arco o a la Noche en Blanco madrileña y parisiense) trabaja con un equipo de ingenieros cuyo jefe, Jesús Jiménez Cañas, se refiere a estas obras como "catedrales de luz". Son volúmenes grandes pero etéreos, sonoros, luminosos (ideales para ser contemplados durante el crepúsculo), y que envían al espectador -o habitante, porque uno puede entrar en ellos- señales encontradas: alegría y nostalgia, densidad y ligereza....

"En Memorias urbanas hay un relativismo del tiempo y del espacio. Estas obras simbolizan a un tiempo el antes y el ahora, y también el dentro y el fuera. Pero también existe una faceta nada relativa, sino absoluta: la obra muestra que hay cosas que tienen que ser hechas, que han ocurrido y han ocurrido de una manera determinada", señala Garaizabal. Ese elemento absoluto, el de las cosas hechas como se debe, es lo que el autor denomina "valor heroico".

La técnica empleada fue desarrollada por el artista en un proyecto previo en Bucarest. Básicamente se trata de un modelado de tubo metálico, de sección exterior cuadrada. Su sistema de ensamblado y acoplamiento permite un montaje y desmontaje ágil. Las bases sobre las que se sustenta la estructura son cubos de hormigón que se apoyan en el suelo, sin generar impacto alguno en la zona al ser retirados.

Publicado por El País el 1/3/2011

Patrimoni cinematogràfic

2011-02-28T08:38:00.000-08:00

Amb el pas dels anys anem descobrint i recuperant part important del nostre patrimoni gràfic. En aquest cas cal felicitar a PATRIMONI per la recuperació d'aquestes gravacions que ens donen llum i ens conviden a fer interpretacions històriques més fidels als fets històrics.
Us recomano que veieu aquesta interessant pel.lícula que mostra la Guerra Civil viscuda a Barcelona, però explicada des de França.

+ info:
http://www20.gencat.cat

La Catedral de Mallorca recupera el gran mural colorista de Gaudí i Jujol

2011-02-27T11:04:00.000-08:00

Després de quatre mesos de treballs de restauració, la catedral recupera l'esplendor d'aquest mural format per gairebé 9.500 peces individuals de diferents grandàries i materials diversos
Després de quatre mesos de treballs de restauració, la catedral ha recuperat el color i l'esplendor del gran mural de cent metres quadrats d'extensió que va idear Antoni Gaudí i va executar Josep Maria Jujol. El mural, que es troba a la Capella Real darrere de l'altar major, va ser dissenyat i dirigit per l'arquitecte barceloní, qui va ser convidat el 1901 pel bisbe de Mallorca, Pere Joan Campis, a treballar a la catedral després de quedar sorprès a Barcelona per la seva obra.
En una entrevista amb l'Agència Efe, els responsables del taller de restauració Xicaranda, Alfredo Claret i Isabel de Rojas, han explicat el treball de restauració d'aquesta obra que Gaudí va fer a petició del prelat. Un dels elements que va introduir va ser aquest mural, una amalgama de ceràmiques, ferro forjat i baixos relleus plens de color, amb gairebé 9.500 peces individuals de diferents grandàries, segons han explicat els nou tècnics que han dedicat quatre mesos a renovar-ho, encara que el projecte, amb els seus estudis i preparació, ha suposat un any de treball.
Gràcies a aquesta actuació, ara es poden contemplar els centenars de colors, el pa d'or i els nombrosos motius florals de tot tipus que dormien sota la pols i la cera que s'hi havien acumulat durant gairebé un segle, així com 53 escuts de bisbes mallorquins.
Claret destaca que Gaudí no repeteix ni un sol element dels quals va plasmar en aquest mural que va ser executat pel seu col·laborador, el també arquitecte Josep Maria Jujol, que amb prou feines acabada la carrera el 1906 es va traslladar a Mallorca per fer aquest treball.
Gaudí, assenyala la directora del projecte de restauració, Isabel de Rojas, entenia que el temple és alguna cosa viva que canvia amb el pas dels anys, i ell mateix va introduir innovacions a partir d'un profund sentit religiós i un vast coneixement de la litúrgia. El mural està fet directament sobre la centenària paret de marès de la catedral, aprofitant fins i tot les seves imperfeccions amb la intenció de "fondre" el nou i el vell, entenent la catedral com un element viu de la naturalesa que evoluciona, comenta Claret.
Els restauradors assenyalen que la neteja dels milers de peces amb hisops xopats en aigua i alcohol ha suposat molta feina perquè ha hagut d'escometre's una a una. "És sorprenent" –afegeix de Rojas– "l'efectisme i la innovació d'aquesta obra, perquè Gaudí no es conforma amb una sola tonalitat de color. No vol un vermell, sinó molts, la qual cosa ha complicat el treball; i perquè no hi ha res d'improvisat: quan es veuen fulles que semblen a primera vista que estan trencades pel pas dels segles el que fa és imitar la naturalesa". "D'alguna manera, Gaudí experimenta en la catedral de Mallorca solucions decoratives que després va usar a la Sagrada Família", apunta Claret com a hipòtesi. De fet, a Palma va emprar un nou mètode per donar color als vitralls que faria servir al temple barceloní i que va consistir en superposar tres vidres de colors primaris: groc, blau i vermell.
La confecció d'aquest mural va començar l'any 1907, va concloure dos anys després i, com ha succeït recentment amb la intervenció de Miquel Barceló en la capella de Sant Pere, les reformes que va dur a terme al temple van generar una gran controvèrsia social. En el cas de Gaudí, afegeixen els tècnics, el bisbe Campins va ser un ferm defensor de l'arquitecte barceloní en contra de l'opinió d'alguns membres del capítol catedralici. La renovació que va dur a terme Gaudí va concloure poc després de la mort del prelat el 1915, que va ser enterrat darrere l'altar major al costat d'aquesta gran obra de l'artista català.

Publicat a Ara.cat el 27/2/2011

Recuperada la joya medieval de Sant Sebastià dels Gorgs

2011-02-27T10:45:00.000-08:00

ALT PENEDÈS Sant Sebastià dels Gorgs superó un terremoto en el siglo XIV que causó importantes daños, guerras, exclaustraciones y abandono como consecuencia de la desamortización de los bienes eclesiásticos en 1821, apropiaciones indebidas y litigios. Se trata del monumento medieval más representativo del Alt Penedès, el monasterio de Sant Sebastià dels Gorgs. Ayer el alcalde de Avinyonet del Penedès, Oriol de la Cruz; el presidente de la Diputación de Barcelona, Antoni Fogué, y el vicario general del Obispado de Sant Feliu de Llobregat, Jaume Berdoy, inauguraron la restauración del claustro y del acceso al campanario de este antiguo priorato cuyo origen se remonta al siglo XI. Parte del claustro de este Bien Cultural de Interés Nacional continúa dentro de una casa privada anexa. Las obras han costado 468.000 euros pero serán necesarias nuevas inversiones dada la gravedad de las grietas que presenta.

Publicado en La Vanguardia 27/2/2011

El Macba rep l'arxiu del fotògraf Xavier Miserachs

2011-02-26T03:40:00.000-08:00

Les filles del reconegut fotògraf Xavier Miserachs han cedit durant 25 anys renovables l'arxiu del seu pare al Macba. El museu conservarà, estudiarà i difondrà el seu llegat.

Arena i Mar Miserachs, hereves del fotògraf Xavier Miserachs (Barcelona, 1937-1998) han decit l'arxiu del seu pare al Museu d'Art Contemporani de Barcelona (Macba) durant 25 anys renovables i sense cap tipus de transacció econòmica. L'arxiu Miserachs, que a partir d'ara s'integra en els fons de MACBA, consta de 60.000 imatges fotogràfiques en tires de negatius i unes 20.000 en diapositives i transparències, així com de 2.500 fulls de contactes, documentació administrativa i alguns quaderns de notes. Un patrimoni que recorre 44 anys d'activitat (entre 1954 i 1998) i que està estructurat en sèries que han donat lloc a alguns dels fotollibres més importants de la història de la fotografia espanyola, com Barcelona blanc i negre, Costa Brava Show i Los cachorros.

L'acord entre la família Miserachs i el Macba es va tancar el 3 de febrer passat, segons ha informat avui Bartomeu Marí, que ha aclarit que "no hi ha hagut cap tipus de transacció econòmica" i que "la titularitat de l'obra segueix sent de la família Miserachs, que en seguirà cobrant els drets d'explotació". En aquest sentit, el crític d'art i assessor del Macba, Jorge Ribalta, ha dit que aquest acord és "un contramodel", que va en el sentit contrari "al model corrupte del cas Centelles", en referència a l'arxiu del fotògraf Agustí Centelles, els hereus del qual van vendre al ministeri de Cultura després d'una sèrie de distanciaments amb la Generalitat. "Es tracta d'un model sostenible, que no precisa d'un gran desemborsament per part de les administracions i que demostra que existeixen altres maneres d'incorporar arxius", ha afegit Ribalta, que ha destacat que el Macba "no només rep en dipòsit els negatius, sinó també tots els documents que permeten estudiar i entendre l'obra".

Xavier Miserachs (1937-1998) va ser, al costat del fotògraf Oriol Maspons, un dels màxims exponents de l'anomenada "nova avantguarda" de la fotografia espanyola. El mes de desembre passat, l'arxiu d'Oriol Maspons va passar també a formar part de la col·lecció del Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC).

La responsable del Centre de Documentació i Estudis del Macba, Mela Dávila, ha aclarit que part de l'arxiu ja es pot consultar per internet i físicament, encara que "algunes imatges estan en procés de restauració i estaran a disposició de qui les sol·liciti en un termini de deu mesos". En virtut de l'acord signat avui, el MACBA es compromet a digitalitzar i divulgar progressivament les imatges que formen part de l'arxiu. També el MACBA té previst realitzar una exposició de l'obra de Xavier Miserachs el 2013 i estan negociant amb la família l'adquisició d'algunes fotografies positivades en l'època per integrar-les en la col·lecció d'art del museu.

Publicat a Ara.cat 21/2/2011

+info:

http://www.macba.cat
http://www.flickr.com/photos/arxiu-macba

Redescobreixen pintures medievals amb la restauració de la catedral de Tarragona

2011-02-26T03:25:00.000-08:00

Les obres que s'estan fent a l'interior han permès recuperar la decoració d'algunes capelles
L'arquebisbat alerta de la urgència de rehabilitar el claustre

Les obres de restauració de l'interior de la catedral de Tarragona, que s'estan executant des del mes de juny passat, han permès recuperar una part de la decoració original d'època medieval que havia quedat amagada per intervencions modernes o el pas del temps. Els treballs de moment ja s'han acabat als trams de les naus més properes al creuer i ara mateix s'estan executant a les parts de les tres naus del temple més pròximes a l'entrada principal, i també a diverses de les seves capelles.

Una de les intervencions més importants que actualment s'estan fent corresponen a la capella dels Sastres, situada a tocar del claustre, i construïda originalment en el segle XIV seguint l'estil gòtic. L'espai, considerat una de les “joies” de la catedral tarragonina, es trobava molt degradat com a conseqüència de filtracions d'aigua i problemes d'humitat, i les obres per tal de recuperar el seu esplendor han permès redescobrir les policromies originals que cobrien aquest espai. “Tot i que s'intuïen, la restauració les ha fet aflorar. No es pensava que fos una decoració tan generalitzada”, va reconèixer Joan Figuerola, un dels dos arquitectes que dirigeixen les obres a la catedral.

La capella també s'ha sotmès a un intens procés de rehabilitació exterior. “S'ha desmuntat la coberta i s'han rehabilitat els pinacles, molt degradats”, va detallar Figuerola. A banda, s'han desmuntat els vitralls dels finestrals de la capella, que se sotmetran també a un procés de restauració.

La capella dels Sastres no és l'única on s'ha fet una feina important de recuperació de la decoració original, tant pictòrica com escultòrica. A algunes de les capelles situades a les naus principals del temple o als costats de la nau del creuer s'ha fet també una tasca important de restauració de l'aspecte original, amb la retirada d'elements que s'hi havien afegit al llarg dels segles, com falsos sostres, escales o armaris. La seva retirada ha permès ampliar les restes de pintures murals d'època medieval que se'n conserven, i que s'han sotmès a una restauració. És el cas de la capella de Santa Elisabet, construïda al segle XIII, i on s'han descobert “policromies corresponents a diferents etapes”.

On sí que ja es fan evidents els efectes de la restauració interior és als trams de les naus, d'on ja s'han retirat les bastides i en què la rehabilitació ha permès “retornar la llum” a l'espai, tal com va detallar Antonio Martínez, delegat diocesà del patrimoni artístic i documental de l'arquebisbat de Tarragona. En aquests punts, s'ha retirat el revestiment afegit a la pedra en època moderna, i s'ha restaurat la decoració escultòrica, que es fa patent als capitells de les columnes i a les claus de les voltes.

Publicat a avui.cat el 26/2/2011

La Masia de Miró serà museu

2011-02-26T03:08:00.000-08:00

La creació d'un museu dedicat a Joan Miró a la masia que va immortalitzar a una de les seves obres més cèlebres suposarà les culminació del centenari de l'arribada de l'artista a aquesta localitat.

L’Ajuntament de Mont-roig del Camp està ultimant les negociacions amb la família de Joan Miró per tal de rehabilitar i museïtzar la masia on l’artista va passar llargues temporades al llarg de 65 anys. Advocats representants del consistori i de la Successió Miró estan tancant els detalls d’un acord que permetrà crear al municipi un museu actiu, obert al públic i que albergarà obra original del pintor, segons informa l'Ajuntament de Mont-roig del Camp.

L’Ajuntament és conscient que aquesta és una gran oportunitat de futur per difondre la figura i l’obra de Joan Miró des d’un municipi eminentment turístic, enclavat en plena Costa Daurada. La concreció d’una figura jurídica que gestioni el museu, i l’impuls d’un Pla Director que estableixi la rehabilitació del mas i la seva dinamització museística, acabaran de tancar el cercle mironià Barcelona-Mallorca-Mont-roig del Camp.

Les negociacions es troben força avançades i ja es treballa en el Pla Director que estableixi la rehabilitació turística i la seva dinaminatzció museística, que determinarà el tipus de museu que el públic hi podrà trobar. En aquest sentit, s’ha creat un Consell consultiu, format per experts, la família i la Fundació Miró de Barcelona, que haurà de determinar les possibilitats de la futura casa-museu. El que ja és segur és que s’hi podrà trobar obra pictòrica original de l’artista, un fet sense precedents a Mont-roig del Camp, així com altres atractius que giraran entorn a l’esperit original del Mas i que tant inspiraven Miró, com els conreus que es troben al voltant de la casa i la figura dels masovers.

Degut al gran interès cultural, artístic i turístic que aquest acord suposen, i que va més enllà dels marges del municipi de Mont-roig del Camp, l’alcalde, Fran Morancho ha anat aplegant complicitats de la resta d’administracions. Aquestes, en tot moment, li han mostrat el seu suport a l’hora de tirar endavant el projecte. Entre els contactes que ha fet s’hi troben el conseller de Cultura o el president de la Diputació de Tarragona, entre d’altres. A l’hora de comprometre finançament que faci front a les obres de rehabilitació, l’Ajuntament ja treballa per a què el govern central destini l’1% cultural al projecte.

Igualment, l’Ajuntament vol que aquest acord, que suposa el primer pas per fer realitat el futur museu, sigui la culminació de les celebracions del Centenari Miró, que es durà a terme en els pròxims mesos al municipi. Enguany es compleixen 100 anys des que l’artista arribés per primera vegada a Mont-roig. Va ser en aquesta població on Miró va concebre algunes de les seves obres més conegudes com La masia.

En motiu d’aquest Centenari, una Comissió, encapçalada per l’alcalde i formada per diverses persones del municipi del món de la cultura i que estimen la figura del pintor, ha programat diversos actes de celebració, un calendari d’activitats que es presentarà en dues setmanes. Aquestes activitats s’iniciaran el pròxim mes d’abril i es concentraran durant els mesos d’estiu, època en què el municipi rep més visitants. Els plats forts de la celebració seran una festa popular de benvinguda a l’inici, una exposició d’escultures originals de Miró en el gruix del centenari, i un espectacle fet a mida per la companyia Comediants com a fi de festa.

Publicat a ara.cat 25/2/2011

Colom va sortir de Pals, no de Palos

2011-02-22T10:00:00.000-08:00

La vila de Pals va tenir un port el segle XV, segons ha pogut certificar una investigadora del Cercle Català d'Història. Es tracta d'un indici essencial que reforça la teoria d'aquells que defensen que Cristòfor Colom era català i que la seva expedició cap a les Amèriques no va sortir de Palos, sinó de Pals.

"Des de la Fundació d'Estudis Històrics de Catalunya donem suport totalment i defensem el fet que el primer viatge de Colom, el de la descoberta, va sortir de Pals d'Empordà. I que això de Palos de Moguer és, senzillament, una mentida". Aquesta teoria, que es pot llegir a la web de la Fundació, es veu avui reforçada per la certificació que ha fet una investigadora del Cercle Català d'Història i que confirma que la vila de Pals va tenir un port el segle XV.

El 3 d'agost del 1492, Cristòfor Colom va iniciar el seu primer viatge cap al Nou Món. Fins ara, la hipòtesi que Cristòfor Colom sortís de la vila de Pals ha estat rebatuda perquè no hi havia constància que la població tingués port en aquella època. Però ara, un albarà custodiat a l'arxiu de la Corona d'Aragó demostra que, efectivament, el port ja existia el segle XV.

És, per tant, un indici essencial per a tots aquells que defensen que Colom era català i que la seva expedició no va sortir de Palos: "Que Cristòfor Colom va sortir de Pals segueix sent una teoria, però aquesta descoberta és un pas més que posa llum a un episodi de la història que per a molts encara té ombres per aclarir" assegura Narcís Subirana, un historiador local que subratlla la importància d'aquesta nova troballa.

La investigadora Eva Sans ha explicat que "algunes famílies" d'aquest municipi del Baix Empordà "afirmaven que tenien documents en llatí que demostraven que els seus avantpassats havien salpat amb Colom, uns papers que també s'han perdut". Tot i que "la descoberta no confirma que les caravel·les de Colom sortissin de Pals, diu l'experta, sí que reforça els que ho defensen basant-se en nombrosos indicis, com un gravat del segle XVI del dia de la sortida de l'expedició".

Ves al vídeo

Publicat a 3cat24.cat el 22/2/11

Noticies del blog relacionades amb el tema:

http://ballartblog.blogspot.com/2010/04/el-segon-viatge-de-colom-america-va.html

http://ballartblog.blogspot.com/2010/08/jordi-bilbeny-cristobal-colon-fue.html

http://ballartblog.blogspot.com/2010/04/un-historiador-situa-la-casa-de-colon.html

Blog recomanat per Patrimoni.gencat

2011-02-14T10:26:00.000-08:00

Ara ja formem part de la llista de blogs recomanats per Patrimoni.gencat.
Estem molt agraïts i esperem continuar fent d'altaveu de tot allò que passa al voltant de l'art, la història i Barcelona.

Moltes, moltíssimes gràcies!

Hallan en una obra en Roma seis estatuas antiguas de mármol

2011-02-14T03:30:00.000-08:00

Los bustos probablemente representaban a miembros de la dinastía del César romano Severus

En una obra en el sureste de Roma fueron encontradas seis estatuas de mármol del siglo III, un "hallazgo extraordinario que arroja nueva luz sobre los asentamientos en la periferia de Roma durante la era del Imperio", según señaló hoy el vicesecretario en el Ministerio de Cultura italiano, Francesco Giro.

Se trata "sin duda alguna de uno de los hallazgos más importantes de los últimos años que se realiza a las afueras de la Ciudad Eterna", agregó. Las estatuas proceden seguramente de una casa de un funcionario de alto rango romano.

Las estatuas encontradas son varios bustos que probablemente representaban a miembros de la dinastía del César romano Severus. Además, también hay una estatua de cuerpo entero que representa a Zeus. Todas las estatuas fueron halladas en una obra durante una inspección de los arqueólogos.

Las piezas serán ahora expuestas en las Termas de Diocleciano, donde podrán ser contempladas por el público, aunque antes tendrán que ser sometidas aun proceso de restauración y conservación.

Publicado en La Vanguardia el 14/2/11

Las pinturas negras, tal como las pintó Goya

2011-02-08T09:56:00.000-08:00

Las pinturas negras de Goya que hoy podemos contemplar en el Museo del Prado, difieren, en no pocos detalles, de los frescos originales pintados por el genio de Fuendetodos en las paredes de su Quinta del Sordo madrileña entre 1819 y 1824. Este es uno de los hallazgos que el investigador Carlos Foradada Baldellou, profesor de la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Zaragoza, pone de manifiesto en el último número de la revista Goya,órgano científico de la Fundación Lázaro Galdiano y que suponen la continuación de los trabajos iniciados en su tesis doctoral sobre las pinturas negras.

En el curso de su investigación, Foradada tuvo acceso a las placas fotográficas que el fotógrafo y etnógrafo francés Juan Laurent realizó poco antes de que fueran arrancadas de sus muros y trasladadas a París. Las placas, que han ido saliendo paulatinamente a la luz, han sido escaneadas en alta resolución por el Ministerio de Cultura. Con ayuda de sofisticados programas informáticos digitales, Foradada ha podido penetrar en las entrañas de estas obras con sorprendentes resultados.

Los protagonistas del famoso Duelo a garrotazos no tienen las piernas semienterradas, sino que se apoyan en la hierba, moviéndose entre espigas de trigo y alterando la inclinación de la vegetación. El Perro semihundido no mira hacia la nada, creando una sensación de soledad y desconsuelo, como nos muestra la versión actual, sino hacia una bandada de pajarillos dentro de un contraste de luz y oscuridad muy marcados, convirtiéndolos en un canto a la libertad que coincide con los deseos del pintor de salir de su país.

"Goya nos trae a colación la dialéctica entre la luz y la oscuridad, presente en todas sus obras de este periodo. Concretamente en este cuadro, la tensión entre lo abierto y lo cerrado, se observa en el plano de tierra que atenaza al animal, en relación con las aves del cielo abierto. Podemos considerar, por tanto, que Goya representó el concepto de libertad contemporáneo a través de las aves en vuelo antes que Picasso".

En 1824, Francisco de Goya deja Madrid y la Quinta del Sordo, agobiado por problemas económicos y harto del régimen absolutista español, y se instala en Burdeos. Cincuenta años más tarde, la Quinta del Sordo es adquirida por el barón D´Erlarger, quien arranca las pinturas de sus muros y las traslada a París para exhibirlas en la Exposición Universal de 1878.

En vista del escaso interés suscitado por estas piezas, D´Erlarger, en 1881, opta por donarlas al Museo del Prado, quien, dado su deterioro, encarga su restauración a Salvador Martínez Cubells, restaurador del Museo del Prado.

Foradada comenta en la revista Goya que el proceso de restauración aplicado por Cubells fue "realmente agresivo". Para la extracción utilizó, según sus propias investigaciones, la técnica del strappo,un procedimiento utilizado para levantar grandes superficies. "Las pérdidas de pintura ocasionadas en dicho proceso dieron lugar a numerosos repintes que originaron las diferencias reveladas en las pinturas negras tal como se conservan en el Museo del Prado".

Las diferencias entre lo que revelan las fotografías de Laurent en alta resolución y las obras restauradas, suponen unos relevantes cambios de interpretación, tanto temáticos como históricos e ideológicos.

El personaje de la izquierda del Duelo a garrotazos muestra parte de la casaca desgarrada por los golpes, lo que no se aprecia en el lienzo actual. Y una flor blanca pintada en la chaqueta de este personaje y algunos otros ornamentos indumentarios desmienten la imagen de "vaqueros" que hasta ahora les atribuían los críticos a estos personajes por el hecho de que hubiera, al fondo del cuadro, unos animales pastando. "Goya - dice-representó a las dos Españas enfrentadas a través de ambos personajes. De tal modo que hallamos al contendiente de la derecha con un gesto de protección que enmascara su rostro, en oposición a la transparencia y al color blanco del otro, elementos que Goya siempre relaciona con la Ilustración y, por extensión, con la Constitución de 1812".

El experto reflexiona en su estudio sobre Saturno devorando a sus hijos.Para el profesor aragonés, "los ojos en la obra restaurada coinciden con pérdidas de pintura originadas en el proceso de extracción de la misma y su reconstrucción es poco afortunada. El Saturno original mira asombrado, pero de manera incisiva a los ojos del espectador, a diferencia de la simple condición depredadora y plegada sobre sí misma que interpretó Cubells y que, sin duda, ha influido en la interpretación posterior de la obra".

El estudio minucioso de Foradada le lleva a concluir que El coloso,un cuadro realizado unos años antes que las pinturas negras y descatalogado por el Prado como pintura no atribuible a Goya, es del pintor aragonés. "Los materiales hallados en los análisis de la pintura son los utilizados habitualmente por Goya. En modo alguno se puede negar la autoría del pintor por este motivo. Y si bien es cierto que dichos materiales eran de uso común entre los pintores de la época, no lo es el criterio de ejecución observado en El coloso,puesto que responde al aplicado por Goya de manera exclusiva y, además, en todas las obras que elabora al margen de los encargos durante este periodo".

Publicado en La Vanguardia el 8/2/2011

Saqueo en el museo de El Cairo

2011-02-03T03:59:00.000-08:00

http://www.historiayarqueologia.com/profiles/blog/show?id=3814916%3ABlogPost%3A42951

Google usa el seu Street View per visitar museus "online"

2011-02-02T04:40:00.001-08:00

El cercador Google posa en marxa el servei Art Project, que permet veure les galeries dels museus a través del sistema Street View. A partir d'ara qualsevol persona que disposi de connexió a internet podrà visitar de forma virtual 17 museus d'arreu del món. Es pot fer una ruta pel Moma de Nova York, la Tate Britain de Londres o un parell de museus espanyols: el Reina Sofia i el Thyssen-Bornemisza, de Madrid.Els usuaris poden veure les sales en 360 graus, i també obtenir informació dels quadres. I no només això: cadascun dels 17 museus ha escollit una obra emblemàtica que es pot veure en gran resolució: fins a 14.000 milions de píxels, que permeten observar el traç del pinzell o les esquerdes de la tela.

www.googleartproject.com

Publicat a 3cat24.cat el 1.2.11

Los ‘sapiens’ ya estaban en Arabia hace 125.000 años

2011-01-28T01:01:00.000-08:00

El Homo sapiens ya había llegado al sur de Arabia hace 125.000 años, según se deduce de un conjunto de herramientas de piedra encontrado en Jebel Faya (Emiratos Árabes Unidos). El descubrimiento, que se presenta hoy en la revista Science, cuestiona la hipótesis clásica de que nuestra especie apareció en el este de África y se extendió por Eurasia tras cruzar la península del Sinaí. Según los autores de la investigación, liderados por Hans-Peter Uerpmann, de la Universidad de Tubinga (Alemania), las herramientas de Jebel Faya son similares a las que se tallaban en el este de África en aquella misma época pero distintas de las de Oriente Medio. Su hipótesis es que los Homo sapiens cruzaron el mar Rojo en una época de glaciación en que el nivel del agua era más bajo que en la actualidad. “Es posible que unos grupos cruzaran el mar Rojo y fueran hacia el este y otros cruzaran por el Sinaí y fueran hacia Europa”, propone Eudald Carbonell, codirector de Atapuerca.
27.1.11 La Vanguardia por J. Corbella

+ info

Genographic

La UAB digitalitzarà els més de 5.000 documents i objectes de l'arxiu del Liceu, en bona part inèdit

2011-01-14T01:16:00.000-08:00

Un equip de la Universitat Autònoma de Barcelona investigarà i digitalitzarà el peculiar i inèdit arxiu històric del Gran Teatre del Liceu, que amb més de 5.000 documents i objectes conservats des del 1847 és dels més antics del món. Aquest dijous, la universitat i la Societat del Gran Teatre del Liceu, formada pels hereus dels antics propietaris de l'òpera barcelonina, han signat l'acord de col·laboració per mitjà del qual els investigadors treballaran per preservar l'arxiu durant els dos anys vinents. El patrimoni arxivat l'han guardat fins ara els antics propietaris del Liceu i ha sobreviscut a dos incendis, a revolucions, a una guerra civil i a la bomba anarquista del segle XIX.L'arxiu, que repassa els 150 anys d'història de la institució, comprèn 4.917 documents i 357 contenidors, entre els quals figuren més de 600 partitures, 700 fotografies de l'època, 600 plaques fotogràfiques en vidre, 500 programes de mà i 80 dissenys escenogràfics, així com 600 documents administratius. Entre aquests darrers es poden trobar contractes de cantants, plans de teatre i la documentació de les obres que es van fer durant 134 anys.

La riquesa museològica d'aquest extens llegat s'aprecia amb peces tan singulars com és el "Diari del conserge", gràcies al qual és possible revisar del puny i lletra de diferents conserges que han passat pel Liceu, el dia a dia del teatre al llarg de tota la seva història.

El vicepresident de la Societat del Gran Teatre del Liceu, Manuel Busquet, opina que un recorregut per l'arxiu permet veure "una radiografia de la societat barcelonina, espanyola i europea, de l'època. És art, coneixement i societat. Un patrimoni únic".

Els responsables del projecte esperen poder-lo penjar a la xarxa a l'abast dels investigadors en dos anys.

13-1-11 publicat a 3cat24.cat

La història dels reis Mags d'Orient

2011-01-04T14:06:00.001-08:00

Melcior, Gaspar i Baltasar: tres astròlegs perses

Santa Sofía recupera el esplendor

2010-12-27T03:44:00.000-08:00

Tras 17 años de obras, finaliza la restauración de la mayor joya del arte bizantin.

"¡Salomón, te he vencido!", cuenta el historiador Procopio de Cesárea que exclamó el emperador Justiniano cuando vio Santa Sofía terminada. Corría el año 537 y Justiniano se había impuesto la misión de cristianizar la parte oriental del antiguo Imperio Romano y crear en Constantinopla la basílica que sería el centro de este nuevo mundo. Para ello mandó traer los más ricos materiales del Imperio Bizantino: mármol verde de Tesalia, pórfido de Egipto, roca negra del Bósforo, columnas del templo de Artemisa, y oro y piedras preciosas para los mosaicos. Ante tanta belleza, el día de su inauguración, la gente aseguraba que un ángel había mostrado los planos a Justiniano.

Ese ángel ha vuelto a sobrevolar Estambul. Convertida en museo desde 1935, Santa Sofía muestra desde apenas unos días otra vez toda su magnificencia después de 17 años enredada en obras y andamios. La restauración empezó en 1993, un año después de ser declarada por la Unesco Patrimonio Histórico de la Humanidad junto con el resto del barrio histórico de Estambul.

El principal trabajo ha consistido en limpiar 600 metros cuadrados de mosaicos y la cúpula. Durante estos 17 años, obreros y artesanos repararon el domo de 31,3 metros de diámetro y las caligrafías doradas que lo recubren. También se ha descubierto la cara de uno de los ángeles situado en las enormes pechinas sobre las que descansa.

Melike Oscam, secretaria de la dirección del museo, explica que las caras de los mosaicos se ocultaron bajo un caparazón metálico cuando la basílica se convirtió en mezquita tras la caída de Constantinopla. "Mehmet el Conquistador mandó hacer de Santa Sofía el centro del Califato. Años más tarde, se cubrió la cara de los ángeles, pues en el islam está prohibido rezar delante de representaciones humanas". De la época otomana, también se han limpiado las enormes caligrafías que decoran la pared con el nombre de Allah y de los ocho profetas. "Tuvimos que restaurarlas in situ porque eran demasiado grandes para pasar por la puerta. Por eso descubrimos que fueron hechas dentro del templo", comenta Oscam.

En el exterior, la restauración se ha centrado en limpiar las fachadas y en reforzar los techos con 50 toneladas de plomo para minimizar los daños del futuro gran terremoto que, según los expertos, azotará la metrópolis en algún momento de los próximos 30 años. No será el primer desastre al que sobrevive Santa Sofía, que se ha enfrentado a varios temblores, asedios y a los caballeros de la Cuarta Cruzada, que en el siglo XIII saquearon la catedral llevándose el oro de los mosaicos y la corona de espinas de Cristo que hoy se encuentra en la Sainte Chapelle de París.

Además, el próximo año se podrá visitar el baptisterio, situado en el atrio de Santa Sofía, así como la enorme pila bautismal del siglo VI tallada en un solo bloque de mármol y usada por los cristianos para bautizos colectivos. "Aquellos cristianos se ungían con aceite para que su piel quedara resbaladiza. Tras el bautizo, el demonio no podía tocarles" explica el director del museo Santa Sofía, Haluk Dursun. El edificio,que tiene la misma planta que su hermana mayor, se transformó en el siglo XVI en almacén y posteriormente en mausoleo para los sultanes Mustafa I e Ibraim, que fueron destronados y por tanto indignos de un nuevo panteón como sus antecesores.

Dursun, que ha dirigido los dos últimos años las obras, anuncia nuevos proyectos para 2011: la apertura de la biblioteca del sultán Mahmud I y los trabajos en los techos de la galería superior, recubiertos por una espesa capa de pintura durante el XIX con el fin de proteger sus mosaicos. "Nuestra intención es mostrar todas las etapas por las que ha pasado Santa Sofía, por eso el trabajo nunca se puede dar por acabado".

27/12/10 El País

Feliz Navidad a tod@s!

2010-12-22T01:05:00.000-08:00

Un arqueólogo inglés sostiene que bajo el Golfo Pérsico se hallan pruebas sobre la migración y asentamientos de los primeros humanos

2010-12-21T12:02:00.000-08:00

Mapa de la Península Arábiga que revela las regiones que quedaron expuestas como consecuencia del descenso del nivel del mar y se convirtieron posiblemente en refugios ambientales para algunos de los primeros seres humanos que salieron de África. Crédito: Current Anthropology

Vía: Science Daily| 8 de diciembre de 2010 (Traducción por G.C.C.)

En otro tiempo, una masa de tierra fértil, ahora sumergida bajo el Golfo Pérsico, pudo haber sido el hogar de algunas de las primeras poblaciones humanas fuera de África, según un artículo publicado en Current Anthropology.

Jeffrey Rose (foto a la izquierda), un arqueólogo e investigador de la Universidad de Birmingham en el Reino Unido, dice que el área, en y alrededor de este "Oasis del Golfo Pérsico", puede haber sido anfitrión de los seres humanos durante más de 100.000 años, antes de ser inundada por el Océano Índico hace unos 8.000 años. La hipótesis de Rose introduce un "nuevo y sustancial reparto de caracteres" en la historia de la humanidad del Cercano Oriente, y sugiere que los primeros seres humanos pueden haber establecido asentamientos permanentes en la región miles de años antes de lo que los modelos actuales de migración suponen.

En los últimos años los arqueólogos han obtenido indicios de una ola de asentamientos humanos a lo largo de las costas del Golfo datados hace 7.500 años, aproximadamente. "Donde antes no había más que un puñado de campamentos de caza dispersos, de repente, más de 60 nuevos yacimientos arqueológicos han aparecido de la noche a la mañana", dijo Rose. "Estos asentamientos cuentan con buenas construcciones, casas de piedra permanentes, redes de comercio a larga distancia, una elaborada cerámica decorada, animales domésticos, e incluso evidencias de una de las barcas más antiguas del mundo".

Pero, ¿cómo podrían semejantes asentamientos haberse desarrollado de modo tan alto y rápido sin que se encuentren en el registro arqueológico poblaciones precursoras? Rose considera que las pruebas de estas poblaciones anteriores han desaparecido, porque ellas están sumergidas en el Golfo.

"Tal vez no es casualidad que la fundación de tales comunidades, extraordinariamente bien desarrolladas a lo largo de la costa, se correspondan con la inundación de la cuenca del Golfo Pérsico, hace unos 8.000 años", advirtió Rose. "Estos nuevos colonos pudieron haber llegado desde el corazón del Golfo, desplazados por el aumento de los niveles de agua que hundieron el otrora paisaje fértil bajo las aguas del Océano Índico".

Datos históricos sobre el nivel del mar muestran que, antes de la inundación, la cuenca del Golfo habría estado por encima del agua hace unos 75.000 años. Y habría sido un refugio ideal ante los desiertos ásperos que lo rodeaban, con agua fresca proporcionada por los ríos Tigris, Eufrates, Karun, y el río Wadi Baton, así como por manantiales subterráneos. Cuando las condiciones fueron más secas en las zonas circundantes, el oasis del Golfo sería, en sus mayores límites, una superficie expuesta. En su apogeo, la cuenca expuesta habría sido del tamaño de Gran Bretaña, dice Rose.

También han surgido evidencias de que los humanos modernos podrían haber estado en la región antes de que el oasis estuviera por encima del agua. Recientemente, se han descubierto yacimientos arqueológicos en el Yemen y Omán que han proporcionado herramientas de piedra de un estilo distinto a la tradición del África Oriental. Esto plantea la posibilidad de que los seres humanos se establecieron en la parte sur de la Península Arábiga desde hace ya 100.000 años o más, dice Rose. Eso es mucho antes que las estimaciones generadas por varios modelos recientes sobre migraciones, lo cual coloca la primera migración exitosa a Arabia entre 50.000 y 70.000 años atrás.

El oasis del Golfo habría estado disponible para estos primeros emigrantes, y haberles proporcionado "un santuario a lo largo de la Edad de Hielo, cuando buena parte de la región era inhabitable debido a hiperáridez", manifestó Rose. "La presencia de grupos humanos en el oasis altera fundamentalmente nuestra comprensión de la emergencia humana y la evolución cultural en el antiguo Cercano Oriente".

También sugiere que las piezas vitales del rompecabezas de la evolución humana pueden estar ocultas en las profundidades del Golfo Pérsico.

Terra Antiqvae

Altamira seguirá cerrada por ahora

2010-12-17T10:49:00.000-08:00

El Patronato desaconseja "proponer un régimen de visita pública" pese a la mejoría de la cueva - Un grupo internacional estudiará la reapertura

A unos bisontes que permanecieron en silencio alrededor de 15.000 años, no les importará seguir a oscuras uno más o lo que tarden los expertos internacionales en pronunciarse sobre sus visitas. Por peores vicisitudes han pasado. Cuando Marcelino Sáenz de Sautuola descubrió en 1879 aquella manada salvaje pintada en rojos, negros y ocres sobre el techo de una cueva en Santillana del Mar, la comunidad internacional le ninguneó. Eran tan perfectas que parecía increíble que hubiesen salido de la mano de unos ocupantes del Paleolítico Superior (40.000-10.000 a. C.) que no recibían lecciones de pintura en sus ratos libres.

Tuvieron que aparecer pinturas similares en una gruta francesa para que se aceptara la antigüedad de los murales de Altamira. Desde entonces la admiración arrastró a miles de visitantes hasta la cueva de Santillana del Mar, que se abrió por vez primera en 1917. Recibió visitas durante 70 años: !hasta 170.000 al año en los setenta! Y desde entonces su historia es un tira y afloja entre el afán de conservarla a ultranza y el deseo de exhibirla, que ha llevado a una sucesión de aperturas restringidas y cierres. Desde 2002 está vetado el acceso del público. Una réplica trata de saciar curiosidades. Hace unos meses, sin embargo, se vislumbró un cambio de tendencia.

En junio, el Patronato de Altamira se pronunció a favor de "establecer las condiciones de máxima accesibilidad que simultáneamente garanticen la sostenibilidad de la cueva". Los informes del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) eran conservadores, esto es, contrarios a la apertura a pesar de constatar que la cueva ha evolucionado de forma positiva en los últimos años. En el otro extremo, el Gobierno cántabro, con su presidente, Miguel Ángel Revilla, a la cabeza. El tirón turístico de la Altamira real deja en pañales la atracción de una réplica.

Ayer, tras la reunión del Patronato, que finalmente se decantó por el criterio conservador y optó por dejar las cosas como están, Revilla se quejó. Lamentó que los científicos del CSIC no se hayan "mojado" y reiteró que el objetivo "político" es que la cueva se reabra "cuanto antes", informa Europa Press.

También la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, se mostró favorable a la reapertura, pero la última palabra será la de un grupo internacional de expertos, que incluirá representantes de la Unesco. Su trabajo complementará el realizado por el CSIC y podría durar entre 18 y 24 meses. Su composición se conocerá en la próxima reunión del Patronato, que de momento desaconseja "modificar las condiciones de accesibilidad" a la cueva y "proponer un régimen de visita pública". Así pues, los bisontes seguirán en silencio.

17/12/10 El País

Se han hallado indicios en Jordania de las minas del rey Salomón

2010-12-15T11:18:00.000-08:00

Como se sabe, la existencia del rey Salomón -y sus míticas minas- ha sido siempre un tema recurrente en el cine, en la novelas históricas y, cómo no, en los medios periodísticos, ofreciendo siempre motivo de fuertes debates entre los investigadores de la historia de Israel.

Pues bien, ahora el periódico digital San Diego News-Room, en su edición del pasado martes, dia 23 de noviembre, nos informa que el antropólogo y experto en estudios judaicos de la Universidad de California, en San Diego, Thomas E. Levy (a la izquierda), ha descubierto, tras sucesivas excavaciones muy sofisticadas en unas minas de cobre en una zona llamada Khirbat en-Nahas, al sur de Jordania, indicios de que el antiguo rey Salomón (que adornaba su palacio de cobre de y oro, tal como se describe en el Antiguo Testamento) pudo muy bien haber existido.

Es esta una noticia que ya había sido difundida hace unos dos años, pero que, de nuevo, como tantas otras, se vuelve a actualizar, muy seguramente porque tales excavaciones siguen en curso y a sus promotores e investigadores les interesa mantener la publicidad de sus hallazgos y conclusiones. En cualquier caso, no está de más que recordemos someramente aquellos aspectos interesantes que rodean la excavación de este yacimiento.

Al parecer, tal como nos informa San Diego News-Room, el profesor Levy no fue, en un primer momento, en busca de las famosas minas del rey Salomón, sino que trataba de averiguar el papel que había jugado la tecnología antigua en la evolución de la sociedad. Pero, en el ínterin de su proyecto, lo que se encontró en Jordania fue algo totalmente distinto y nuevo: miles de toneladas de escoria de cobre y diferentes tipos de sondas para soplar aire.

Mediante el proceso de datación por Carbono-14 (sobre restos de carbón de vegetal y otros materiales), su equipo descubrió que la producción de este cobre a escala industrial se correspondía con el S. X a. C. El profesor Levy dijo sobre el yacimiento: “Habría sido como la Pittsburg de Palestina”. Y al mismo tiempo contextualiza la interpretación de la datación señalando que hay dos aspectos en el debate sobre el rey Salomón. En primer lugar están aquellos que minimizan la historicidad del Antiguo Testamento, y dicen que Salomón no existió, porque durante el S. X a. C. no había sociedades capaces de crear un reino, sólo nómadas insignificantes. Y en segundo lugar, quienes maximizan el contenido del Antiguo Testamento y afirman todo lo contrario.

Ante lo cual, y respecto a los resultados de las excavaciones, afirma: “No tenemos pruebas de que hayamos encontrado las minas del rey Salomón, pero lo que sí tenemos son las pruebas de la existencia de reinos en el S. X a. C. Yo creo que él (Salomón) existió”.

Abundando en la noticia en un antiguo articulo de EurekAlert!, leemos, además, que las investigaciones llevadas a cabo -desde el año 2006- proporcionaron datos de que la actividad metalúrgica alcanzó un pico de producción durante el s. IX a. C., lo que podría también fundamentar la historia de los edomitas en relación con la Biblia.

El lugar de excavación, Khirbat en-Nahas, significa “ruinas de cobre” en árabe, y se encuentra en las tierras bajas de una región desolada y árida al sur del Mar Muerto, en lo que fue una vez Edom y hoy es el distrito Faynan de Jordania. El Antiguo Testamento identifica dicha área con el Reino de Edom, el cual fue enemigo del antiguo Israel.

Según se relata en el artículo reseñado, durante años los académicos habían discutido si los edomitas se hallaban organizados de manera suficiente -como tal reino- en los S. X y IX a. C. para ser una seria amenaza de sus vecinos israelitas. Entre las dos guerras mundiales, durante la “Edad de Oro” de la arqueología bíblica, los eruditos exploraban, como lo describe Levy, con una paleta en una mano y la Biblia en la otra, tratando de ajustar sus hallazgos en Tierra Santa con la historia sagrada.

Así, en 1930, el arqueólogo estadounidense Nelson Glueck (foto a la izquierda), basándose en sus averiguaciones llegó a afirmar que había encontrado las minas del rey Salomón en Faynan/Edom. Pero en en la década de 1980, sin embargo, sus afirmaciones fueron en gran parte desechadas. Se había llegado al consenso de que la Biblia había sido escrita, en gran medida, en el siglo V a. C., mucho después de los supuestos hechos, mientras que las excavaciones británicas de las tierras altas edomitas, en la década de 1970-80, proponían que la Edad del Hierro ni siquiera había llegado a Edom en el S. VII a. C. Pero ahora, tal como manifiesta el profesor Levy, dados los datos que se disponen sobre la metalurgia en Edom, “Tenemos pruebas de que las sociedades complejas eran realmente activas en los sigos X y IX a. C., lo que nos lleva de nuevo al debate sobre la historicidad de los relatos del Antiguo Testamento relacionados con este período”.

Hay que tener en cuenta, además, que una evidencia adicional se suma al contexto arqueológico, al haberse encontrado en el yacimiento antiguos objetos egipcios, tales como un escarabajo y un amuleto de la diosa Mut , los cuales estaban en una capa de la excavación asociada a una grave perturbación de la producción a finales del S. X a. C., muy posiblemente vinculada a la campaña militar -bien documentada- del faraón Sheshonq I (también conocido como “Shishak” en la Biblia), quien, tras la muerte de Salomón, trató de aplastar la actividad económica en la zona.

Khirbat en-Nahas comprende restos de unos cien edificios, incluyendo una fortaleza, y se encuentra en medio de una gran área cubierta por escoria negra -más de 97.000 m2- que se pueden ver claramente en las imágenes de satélite de Google Earth. Abundan los senderos y las minas. Su tamaño argumenta a favor de una producción a escala industrial, y la profundidad de los residuos, de más de 6 m., proporciona una “vara de medir” para rastrear también los cambios sociales y tecnológicos durante la Edad del Hierro, la cual se extiende alrededor de 1.200 a 500 a. C., un período clave en la historia del antiguo Israel y Edom.

“No podemos creer todo lo que los escritos antiguos nos dicen”, dice Levy. “Pero esta investigación representa una confluencia entre los datos arqueológicos y científicos y la Biblia. Nuestro trabajo también muestra que los métodos son objetivos y permiten a los investigadores evaluar los datos de una manera desapasionada. Esto es especialmente importante para las ‘arqueologías históricas’ que se desarrollan en todo el mundo, en las que los textos sagrados o relatos míticos -por ejemplo, el Mahabharata de la India o las sagas de Islandia- y el registro arqueológico son ámbitos de feroces debates ideológicos y culturales”.

Finalmente, Levy señaló: “La investigación futura en Khirbat en-Nahas se centra en saber quién realmente controlaba la industria del cobre, si los reyes David y Salomón, o tal vez los líderes regionales edomitas, y también sobre los impactos ambientales de toda esta antigua fundición”.

Terrae Antiqvae

Noticias relacionadas con la arqueología bíblica
http://ballartblog.blogspot.com/2009/12/arqueologos-israelies-descubren-la.html
http://ballartblog.blogspot.com/2010/01/halladas-bajo-jerusalen-las-calles-de.html

Una excavació podria validar el relat bíblic del rei Salomó

2010-12-15T11:15:00.000-08:00

Troben a Jordània unes mines de coure de fa 3.000 anys relacionades amb l'opulència de la seva monarquia

http://www.sapiens.cat/ca/notices/2010/12/una_excavacio_podria_validar_el_relat_biblic_del_rei_salomo_586.php

José Luis Espejo: "La Moreneta inspiró a Leonardo da Vinci la sonrisa de la Gioconda"

2010-12-13T01:15:00.000-08:00

El historiador apunta el origen catalán de la familia del artista italiano en el ensayo 'El viaje secreto de Leonardo da Vinci'

Las hipótesis son como puertas entreabiertas a realidades que se resisten a manifestarse con total claridad. El historiador José Luis Espejo acaba de abrir una brecha con el ensayo El viaje secreto de Leonardo de Vinci, en el que intenta aportar luz a uno de los episodios más oscuros de la biografía del polifacético artista italiano: ¿Dónde estuvo entre septiembre de 1481 y abril de 1483?

Le pido a Espejo, especialista en simbolismo, que escoja el lugar de nuestra cita y me lleva al restaurante Torre d’alta mar, situado en la torre de Sant Sebastià del puerto de Barcelona. Mientras subimos a 75 metros del nivel del mar en el ascensor panorámico, me pregunta si tengo vértigo. No es mi caso, aunque sus teorías sí causen este tipo de sensaciones a más de uno.

¿Por qué estamos aquí? (Ambos miramos por la ventana panorámica del restaurante la entrada del puerto, con el antiguo faro y las torres de las iglesias góticas de fondo)
Porque este es el paisaje más asociado a Leonardo da Vinci en Barcelona. Queda reflejado en su cuadro La Anunciación. De esta manera dejó constancia de su presencia en la ciudad.

¿Y qué vino a hacer?
Su visita puede tener relación con su familia. Un antepasado suyo, Giovanni da Vinci, vivió 40 años en Barcelona y murió aquí. Posiblemente dejaría familia. Leonardo seguramente tenía primos lejanos en Barcelona.

¿Leonardo sería de origen catalán?
Creo que sí. Su apellido y su escudo son catalanes. Vinci, para mí, es un apócope de Vinciano, que está en el Conflent. El apellido Vinçà era común en Catalunya. Su escudo es un escudo de Catalunya con tres barras, lo que es una brisura, una variedad, del escudo que representa el reino de Mallorca. Mi hipótesis es que venían de Catalunya.

¿Y por qué la dejaron?
Creo que su familia iría a Italia por motivos religiosos a principios del siglo XIII. Seguramente serían herejes y se instalaron en Italia como tantas familias catalanas y occitanas que huían de la Inquisición. Entonces se pusieron el apellido de Vinciano, porque era su lugar de origen. En Florencia, los da Vinci aparecen como una familia foránea.

Vaya, da Vinci de origen catalán como otro personaje célebre de la época, Cristóbal Colón, según indican algunas teorías…
Curiosamente podían haber tenido un vínculo de amistad a través de un amigo común, Américo Vespucio, amigo de juventud de Leonardo, ambos seguramente discípulos de un mismo maestro, Giorgio Antonio Vespucci.

¿Y Leonardo vino a Catalunya para conocer sus orígenes?
Sobre el mes de septiembre de 1481 desaparece de Florencia y no se sabe nada de él hasta el 23 de abril de 1843, cuando firma el contrato para pintar La Virgen de las Rocas. Nadie sabe dónde estuvo durante ese año y medio. Creo que él habría ido a Montserrat.

¿En qué se basa para llegar a esta conclusión?
Primero, en la iconografía que aparece en sus cuadros. En varios se puede ver la montaña de Montserrat. Además, vino a pintar dos cuadros. Uno de ellos sería el San Jerónimo, datado en 1842.

¿Lo habría pintado en Montserrat?
Sí. Este San Jerónimo apareció en Roma en el siglo XIX. Creo que las tropas napoleónicas se lo llevaron del monasterio cuando lo saquearon. Los franceses se llevaron cuadros de Montserrat, que fueron a parar a colecciones francesas. El tío de Napoleón pudo haberlo adquirido y luego lo vendió al Vaticano. Digo que lo pintó en Montserrat porque existe un relieve de Pau Serrra, hecho en 1776, muy parecido al San Jerónimo. Sólo pudo haberse inspirado en el cuadro de Leonardo, lo que lo sitúa en Montserrat. Además, aparecen paisajes montserratinos. Aparece el Cavall Bernat y unas rocas características de la sierra.

Si el San Jerónimo estuvo en Montserrat, debería quedar constancia… ¿Ha hablado con los monjes?
Envié varios correos para pedirles su opinión y no he obtenido respuesta.

¿A qué lo atribuye?
A que son herméticos. No les gusta airear sus cosas. Si considerasen que mis teorías son una tontería, me lo dirían claramente, que no hay bases para sostenerlas. Pero no me lo han dicho. Lo atribuyo al silencio administrativo. En cambio, hay gente que se ha puesto en contacto conmigo para ratificar extremos de mis teorías.

¿Por ejemplo?
La musicóloga Andrea Hernández me contactó para decirme que la partitura que aparece en el cuadro Retrato de músico es una de las piezas del Llibre Vermell de Montserrat.

¿Teme que consideren que sus teorías son una tontería o sensacionalistas?
No son sensacionalistas. Siempre digo que se trata de hipótesis de trabajo. Nadie me ha dado hasta ahora ningún argumento que contradijera los míos. No hay documentos. Los únicos que existen son sobre su visita al castillo de Salses en 1504. Como mínimo, podría confirmar el segundo viaje, que nos llevaría a la Gioconda…

Hablaremos de ella. Antes dígame ¿por qué Leonardo iría a Montserrat?
El abad comendatario de esa época era el que se convertiría en el Papa Julio II. En esos tiempos los Reyes Católicos querían convertir Montserrat en un monasterio de jerónimos. Incluso se hicieron obras…

¿Por eso el San Jerónimo?
Sí. Hay que tener en cuenta que la ermita más alta, la pared más alta, el pico más alto de Montserrat son los de San Jerónimo. En el museo de Montserrat hay tres san jerónimos. En la biblioteca hay cuatro incunables de San Jerónimo. Había un especial interés por San Jerónimo. Sería muy normal y lógico que le encargasen el cuadro. Y también fue a Montserrat a aprender.

¿Qué?
Alquimia. Montserrat y Sant Cugat eran dos centros alquímicos muy importantes en esos tiempos. La alquimia nació en Catalunya, en la Europa occidental. Allí están Ramon Llull y Arnau de Vilanova, que eran alquimistas.

¿En qué otros cuadros aparecen paisajes montserratinos?
En La Virgen de las rocas, por ejemplo, aparecen tres cimas que son el emblema de Montserrat. También está representado el Cavall Bernat, que es un símbolo fálico, así como la cueva representa el útero. Son símbolos herméticos para representar la fecundidad, la vida. Son demasiadas casualidades. Sus obras son un compendio de símbolos herméticos. Por ejemplo, la Gioconda…

Ahí queríamos llegar.
Todo el mundo se pregunta quién era la Gioconda, cuando la pregunta es qué era, qué representa.

¿Qué representa?
Representa la Virgen, Isis, la materia, que viene de mater, la virgen madre. Al mismo tiempo representa la materia prima de la alquimia, que es negra, por eso va de negro y la Moreneta es negra, la virgen negra, que es la materia prima. Todo está relacionado.

¿Y qué me dice de su enigmática sonrisa?
Está inspirada en la Moreneta. He cogido su boca y se la he superpuesto a la Gioconda. La expresión es muy parecida, y eso no lo he dicho yo. Para verlo, tienes que ver la Moreneta por uno de sus lados, porque cada lado es diferente. En uno, aparece una leve sonrisa, y el otro es serio. Depende de cómo la veas, es seria o sonríe.

Igual que la sonrisa de la Gioconda…
Sí, lo mismo. Podría venir de ahí. También la ropa, sus velos, aludiría al carácter de deidad, de virgen negra, de gran madre. ¿Por qué si era un retrato no se lo dio a quien se lo encargó? ¿Por qué lo tuvo hasta que murió? Lo veo como un testamento vital.

¿También aparece Montserrat?
Sí, es uno de sus paisajes vitales. En la Gioconda está Montserrat visto desde un observatorio que realmente existe. En este cuadro es tan importante el fondo como la figura.

¿La Moreneta también es misteriosa?
Mucho. En toda Italia y Florencia había capillas de la virgen de Montserrat, era venerada en toda Europa. Era el símbolo de la virgen negra, asociada a los benedictinos, a la alquimia y a lo que es herético. La iglesia cristiana asumió como suyas doctrinas que eran heréticas, una de ellas es la de la Virgen. La madre de Cristo, siglos atrás, prácticamente no era venerada, pero con los templarios adquiere primacía sobre Cristo. Ese culto tiene que ver con el de los cátaros. Representaría también a Isis, la tierra fecunda, negra… es complejo.

¿Leonardo está relacionado con los cátaros?
Creo que Leonardo deriva de una familia de origen cátara, que estuvo en una orden secreta del tipo rosacruz. La rosa asociada a la sabiduría y al secreto. La rosacruz y la masonería están ligadas al sanjuanismo, y eso es la doctrina cátara. En sus cuadros aparece San Juan cuando no tendría que aparecer. En la Virgen de las rocas, por ejemplo. Piensa que Jesús y San Juan no se conocieron de niños, sino en el Jordán. Es una lectura apócrifa. Este San Juan es elegido por el arcángel que lo señala. Ofrece la primacía a San Juan y a la Virgen antes que a Cristo, que es un símbolo de la iglesia oficial, romana. Eso se ve claramente en el cuadro La adoración de los Magos. Jesús aparece con cara de caprichoso y al lado hay un viejo que lo desaprueba. Leonardo está en el cuadro dando la espalda a Cristo. Está diciendo que él no está con la doctrina católica romana.

Sus pinturas están llenas de simbolismo…
Creo que él hizo los cuadros para iniciados. Deberían ser de encargo, como hojas de ruta para los que se quisieran iniciar.

¿Cómo definiría a Leonardo?
Era una persona muy brillante, inteligente e inconstante. Dejó a medias muchas cosas y no era maestro de ninguna, ni siquiera como pintor.

Pero dejó un gran tratado de la pintura y muchos artistas posteriores lo consideran su maestro, incluso muchos actuales…
He leído el tratado y es infumable. Está lleno de errores de todo tipo. Sus estudios de anatomía también están llenos de errores. Era discípulo de un gran anatomista, hacía disecciones porque le dejaban, no porque fuese el primero. Era un aficionado, como en tantas cosas. Como pintor hizo pocas obras y acabó muchos menos. Sus pinturas al fresco se echaron a perder porque no hizo las mezclas químicas pertinentes.

Pero si era alquimista…
Incluso en eso era un aficionado. Leonardo es una persona muy sobrevalorada. Lo veo como un protegido. Hizo una serie de cuadros llenos de símbolos, pero no es el único. Rafael o Miguel Ángel eran más competentes como artistas. Sus pinturas están carentes de inspiración. Son mas bien un catalogo de símbolos y paisajes vitales. Pintaba para los suyos, para su orden.

¿Qué le preguntaría si lo tuviese delante?
“Si no hubieses sido pintor, ¿qué te hubiese gustado ser?” Yo creo que ni él lo sabía. Durante toda su vida se vio extraño ante el mundo, no sabía lo que era en realidad. Se veía sin referentes. Lo fue todo y no era nada. Nunca profundizó en ninguna de sus habilidades. Nunca fue un maestro de nada. Creo que le hubiese gustado ser algo. Lo veo como una marioneta en manos de los demás.

Racionero le alienta en el prólogo de El viaje secreto de Leonardo da Vinci a escribir un ensayo sobre Ignacio de Loyola y su relación con Montserrat. ¿Esta será su próxima investigación?
Aún no. Primero quiero hacer una biografía de Hitler.

¡No me diga que era origen catalán!
Afortunadamente no.

13/12/10 La Vanguardia

La Unesco controla su patrimonio en Pompeya

2010-12-02T11:57:00.000-08:00

Tres inspectores llegan de París para examinar el estado del parque arqueológico

Hoy aterrizan en Pompeya tres inspectores de la Unesco. Tres funcionarios enviados desde París que en tres días van a examinar el estado de conservación del parque arqueológico, Patrimonio de la Humanidad desde 1997. Una misión de seguimiento y de salvación, ya que la ciudad romana sepultada por la erupción del Vesubio en el 79 d. C., y en la actualidad uno de los monumentos de la antigüedad clásica más importantes y visitados del mundo, está sufriendo graves y continuos daños. El 6 de noviembre se desplomó la Escuela de los Gladiadores, con sus valiosos frescos, justo en la calle principal de la antigua urbe, la de la Abundancia. Ayer se derrumbaron dos paredes (sin frescos ni decorados) en una bodega de la calle Strabiana (en el área de los teatros) y en otro edificio, detrás de la casa del Centenario. El martes, en el jardín de la Casa del Moralista (no accesible al público) cedieron seis metros del muro perimetral. Una agonía provocada por las lluvias intensas de las últimas semanas y el descuido de muchos años de mala gestión.

Mientras crecen las críticas de la opinión pública y la cuestión de Pompeya se convierte en materia de choque político (el Parlamento tiene pendiente una moción de censura al ministro competente, Sandro Bondi, presentada por el Partido Democrático, en la oposición), la superintendente de Pompeya, Jeannette Papadopoulos, lo minimiza: "Son derrumbes que pueden ocurrir en la vida de una vasta área arqueológica con más de 2.000 años y, sobre todo, debido a las condiciones climáticas que se viven estos días". Papadopoulos explicó ayer que no se pueden descartar nuevos derrumbes porque "Pompeya es una ciudad frágil y si continúa lloviendo así todos los muros que no están cubiertos están en peligro". La responsable del área arqueológica, al igual que hizo el ministro de Cultura, Bondi, pidió que estos desplomes "no generen alarmismo".

Sin embargo, la Unesco quiere aclararse y controlar el área, que cuenta con su patrocinio y goza de su protección. La misión está coordinada por el Icomos, la rama del organismo internacional que se ocupa de la restauración y de la conservación de los bienes Patrimonio de la Humanidad. Los tres expertos "buscarán identificar los peligros potenciales para otras estructuras presentes en el sitio y posibles medidas de protección tales como la implementación de dispositivos legales y de gestión para evitar incidentes futuros", indicó la Unesco en un comunicado. El fin es también trazar un balance de los daños: "Analizarán el impacto de los derrumbamientos en la integridad, la autenticidad y el valor universal excepcional del sitio". Ya que, como se otorga, también se puede revocar el título de bien Patrimonio de la Humanidad. Los resultados de la expedición se van a presentar en junio de 2011, durante la próxima reunión del Comité del Patrimonio Mundial, en Bahrein.

3/12/10 El País

Las obras del AVE descubren un poblado neolítico en Sant Andreu

2010-12-01T10:48:00.000-08:00

La controversia surgida por el posible efecto negativo de la línea de alta velocidad sobre el templo de la Sagrada Família ha facilitado que los arqueólogos trabajen sin miradas encima de sus espaldas en otros tramos del trazado del AVE por el subsuelo de Barcelona. Así, los asombrosos resultados de las intervenciones arqueológicas en el distrito de Sant Andreu han pasado desapercibidos. El hallazgo más significativo es un enterramiento neolítico de unos 5.000 años descubierto en las excavaciones del entorno de la estación de Sant Andreu Comtal.

El esqueleto desenterrado, el primero de este tipo que se halla en la zona, constata una ocupación humana en los albores de la metalurgia. Ferran Puig, director del Servei d'Arqueologia del Museu d'Història de Barcelona, asegura que los hallazgos recogidos en los dos últimos años en el extenso sector en obras entre el puente de Bac de Roda y el nudo de la Trinitat son interesantes y variados. Muchos de ellos están ahora en el laboratorio del museo, a la espera de los análisis científicos.

«Se han localizado restos que van de la prehistoria al Rec Comtal del siglo XIX, una joya de la arquitectura hidráulica», explica Ferran Puig. El equipo de investigadores también ha destapado una villa romana del siglo IV con espacios de producción agrícola. «De algunos restos -añade- se tenían indicios en zonas cercanas, pero de lo que no había ni un dato es del poblado neolítico y de una necrópolis medieval descubierta dentro de la Torre del Fang», edificio catalogado situado en Clot-Espronceda.

BARRIO FAVORABLE A LA VIDA / Los trabajos arqueológicos preventivos se hacen en las obras de la nueva estación de Sant Andreu Comtal, en esta masía medieval situada en el inicio del túnel del AVE por el Eixample y en otros puntos del largo corredor ferroviario. Puig expone que estos hallazgos revelarán etapas y características desconocidas de la ocupación humana. «Ahora tenemos la evidencia de que en Sant Andreu hubo un poblado neolítico hace 5.000 años. Es, sin duda, un lugar favorable a la vida humana», asegura.

En general, los restos presentan un estado de conservación deficiente. «Sobre todo por la acción de antiguas remodelaciones que ha ido sufriendo este distrito», dice. Con ello, hace referencia a la construcción de edificios ferroviarios y a la vieja playa de vías que ahora desaparece.

LA ANTIGUA ESTACIÓN / «Con el poco cuidado con que se trató en su día el daño arqueológico derivado de la edificación de la vieja estación de tren, tenemos mucha suerte de que no se hayan destruido todos los restos de este poblado neolítico», afirma.

Los hallazgos, según Puig, no han causado ningún impedimiento ni conflicto en la construcción de la línea de alta velocidad. «Son restos de gran interés científico pero que, hasta el momento, han suscitado un más que discreto impacto monumental, ya que nos han llegado en mal estado de conservación», lamenta el arqueólogo.

El constante cableado, los nuevos aparcamientos, el aumento de conducciones para cloacas y los nuevos túneles del metro someten a constantes riesgos el capital arqueológico. Es el patrimonio «más amenazado» ya que no se puede evaluar su importancia hasta que no se localiza. «Hemos de establecer zonas y normas de protección con el fin de salvaguardar los sectores urbanos con más potencial», explica.

BÚSQUEDA DEL EQUILIBRIO / Ferran Puig es consciente, no obstante, de que una ciudad debe evolucionar. «Barcelona es un ser vivo que se renueva y se adapta día a día a las necesidades de sus habitantes. En consecuencia, hace falta encontrar un equilibrio y actuar, pero siempre haciéndolo con prevención para evitar algún desastre patrimonial», afirma.

Puig niega que durante las obras del AVE se localizara un refugio antiaéreo del la guerra civil del que no se tenía constancia. «Fue una confusión de los vecinos, que con buena voluntad, alertaron de que se veía una antigua perforación en el subsuelo, que en realidad está situada a pocos metros de un refugio ya conocido y perfectamente conservado», dice. Los arqueólogos municipales y de la Generalitat ya tenían controlada esa perforación que corresponde a un pozo de agua de la época moderna.

REFUGIOS DE LA GUERRA CIVIL / «Ningún refugio de la guerra civil se ha visto afectado por las obras», insiste. De todas maneras, la conservación de este patrimonio histórico es compleja y costosa. «Se debe tener en cuenta que muchos de estos refugios construidos entre 1936 y 1939 no pudieron ser terminados o se han visto afectados por el deterioro causado por el paso del tiempo y por el propio proceso urbano», enumera Puig. En consecuencia, muchas veces no cumplen los mínimos requisitos de seguridad para acoger visitas.

2/12/10 El Periódico

Dos experts en museus i tecnologia dialoguen amb els professionals catalans

2010-11-23T01:39:00.000-08:00

Els professionals dels museus catalans han tingut avui una altra oportunitat per intercanviar idees i aprendre com fan servir els recursos que proporcionen les tecnologies de la informació i la comunicació (TIC).
Si fa pocs dies van conversar amb l'experta nord-americana Nina Simon, avui prop d'un centenar han acudit a la sessió amb el nord-americà David Bearman i la canadenca Jennifer Trant, que des de fa quinze anys impulsen una conferència sobre l'adopció d'internet i les eines associades en les institucions museístiques.

A partir d'aquesta trobada, que sol aplegar més de mig miler de professionals, hi ha una comunitat de més tres mil persones que contribueixen amb la seva experiència a enriquir les possibilitats de canvi. Bearman i Trant han exposat avui un seguit d'exemples a la sala d'actes del Museu Picasso de Barcelona, considerat pels experts com un dels pioners catalans en aquesta incursió cap a l'ús de les xarxes socials i els webs com a mecanisme de relació.

Pensar com els visitants

Una de les possibilitats és l'oferta d'exposicions en línia, que permetin traspassar l'espai físic del museu. De vegades diverses iniciatives s'agrupen per aconseguir una proposta més àmplia, com és el cas d'Arts Connected. Però el més important és trobar la manera de fer-se entendre. L'ús de les etiquetes a l'hora de classificar els objectes s'ha de correspondre amb el llenguatge dels visitants i no el de l'acadèmia. Es tracta de ser útils i fer més fàcil la cerca.

Les imatges poden ser una guia més eficaç que els textos, en una aposta que comparteixen molts webs, com ara el d'un centre de tanta tradició com el Victoria & Albert Museum.

Dades i virtualitat per millorar l'experiència

Una altra opció és la reutilització de les dades de manera que es puguin crear aplicacions que facin més comprensible el material. Com ho ha dit Trant, després de molt de temps en què els museus han aplegat objectes i, per tant, els han tret del seu lloc natural, la tecnologia permet retornar el context a aquestes peces, ni que sigui de forma virtual.

La tècnica de la "realitat augmentada" permet recrear espais reals amb elements digitalitzats i diversos museus assagen amb aquest recurs innovador que es troba encara a les beceroles.

A més, aquestes eines fan possible que s'activi d'una altra manera la participació de les persones, que poden contribuir amb la seva experiència a relatar un discurs museogràfic inspirat en la seva història o fer aportacions per reexplicar la climatologia amb la vista cap enrere. Els concursos o els jocs són part de l'entreteniment que també ha arribat fins a aquests webs de museus però les xarxes són una via de resultats inesperats. Una campanya per obtenir donacions i suports va canviar la situació d'una institució modesta. Centenars de museus es comuniquen a través del Twitter.

Eines per als professionals

Bearman i Trant han analitzat davant dels professionals catalans que acudien a la seva conferència un seguit d'eines que consideren valuoses, com ara Omeka, Open Exhibits o Collection Space, però més enllà d'aquesta informació de caràcter més especialitzat han centrat la seva intervenció a demostrar les possibilitats que aquests recursos forneixen als responsables dels museus i comparteixen els exemples exposats a través d'un agregador d'enllaços.

Potser només unes quantes persones que hi estiguin molt interessades podran adquirir per un preu elevat una edició acurada de les cartes de Van Gogh, però l'estudi sencer és accessible a través d'un web. És una mostra de la capacitat de transmissió de coneixement que els museus poden desplegar a internet.

WebMuseum emmagatzema tots els casos que s'han presentat a les conferències anuals de manera que és possible fer-ne un seguiment ajustat i entendre de quina manera la utilització de les TIC evoluciona en aquest entorn.

L'aparició d'un giny com l'iPad, per exemple, ja ha suscitat la creació d'aplicacions pensades per a treure el màxim profit d'una experiència visual que estigui associada als continguts propis dels museus.

23-11-10 3cat24.cat

+ info:
http://www.museusenlinia.gencat.cat/

De Luca Giordano a Goya. Pintura del segle XVIII a Espanya

2010-11-19T00:41:00.000-08:00

Del 9 de novembre de 2010 al 13 de febrer de 2011

El segle XVIII és un període de la pintura a Espanya que no ha estat objecte de grans exposicions divulgatives. L'exposició que es presenta a la Fundació Francisco Godia vol contribuir a cobrir aquest buit, mostrar al públic de Barcelona algunes obres mestres de pintors més representatius i cridar l'atenció sobre la riqueza d'aquest període. Entre els artistas que es presenten hi ha grans figures internacionals com Luca Giordano, Lorenzo i Giambattista Tiepolo, Corrado Giaquinto o Anton Rafael Mengs, i pintors espanyols de prestigi com Francisco de Goya, Luis Meléndez, Francisco Bayeu, Mariano Salvador Maella, Luis Paret y Alcázar o Vicente López. Les obres procediesen de col·leccions privades, amb aportacions del Museu del Prado i del Museu Thyssen-Bornemisza.

De Luca Giordano a Godia. Pintura del segle XVIII a Espanya es presentarà a la Fundació Francisco Godia, entre els mesos de novembre del 2010 i febrer del 2011.

Una mujer se adelantó a Colón

2010-11-17T00:37:00.000-08:00

Pruebas genéticas realizadas a familias de Islandia demuestran que una amerindia llegó a Europa 500 años antes del descubrimiento de América, posiblemente de la mano de los Vikingos.

Restos arqueológicos como el poblado vikingo descubierto en L'Anse aux Meadows, Canadá, y relatos medievales como la Saga de los groenlandeses y la Saga de Erik el Rojo, escritas en el siglo XIII, habían anticipado lo que la genética acaba de confirmar: que el encuentro entre europeos y americanos se produjo mucho antes de la llegada de Cristóbal Colón a La Española, hoy República Dominicana.

Un grupo de antropólogos y genetistas publicó esta semana en la revista American Journal of Physical Anthropology los resultados de una investigación en la que se demuestra que una mujer amerindia vivió en territorio Islandés 500 años antes del encuentro de las dos culturas.

La hipótesis más fuerte apunta a que los intrépidos vikingos, que conocían rutas marítimas hacia el continente americano, la habrían llevado de vuelta a su territorio en alguno de aquellos viajes y desde el año 1.000 comenzó la mezcla de las razas.

La pista para llegar a este hallazgo la aportó el análisis genético de unos 80 integrantes de cuatro familias residentes en Islandia. Hace cuatro años se había descubierto en cuatro de ellos la presencia del linaje mitocondrial C, característico de los indígenas americanos. Pero el rastreo sólo había permitido reconstruir ese linaje hasta el año 1700. Luego de pruebas adicionales se hallaron en el ADN mitocondrial —un pequeño filamento de material genético diferente al ADN del núcleo y que es transmitido sólo por vía materna— las huellas del material genético que perteneció a una raza distinta de la escandinava.

“Como la isla quedó prácticamente aislada desde el siglo X, la hipótesis más factible es que estos genes correspondiesen a una mujer amerindia que fue llevada desde América por los vikingos cerca del año 1000. Curiosamente, este hecho habría permanecido oculto porque esta mujer era un personaje anónimo”, señaló Carles Lalueza Fox, investigador del Consejo Superior de Investigaciones Científicas de España.

16/11/11 elespectador.com

Cuadros en el bolsillo

2010-11-15T07:59:00.000-08:00

Artistas diversos crean obras pensadas para ser exhibidas en el marco del iPhone

Si usted no pudo pujar por la Coca-Cola de Warhol, si ni siquiera le llega para un póster de Los girasoles de Van Gogh, no se preocupe. Hay alternativas. Buenas, bonitas y baratas (siempre que tengan un teléfono iPhone).

Como en su tiempo el teléfono o los walkie-talkie, el iPhone se ha convertido en otro lienzo para los artistas que buscan formas innovadoras y alternativas de llegar al público. El resultado de su creatividad son los proyectos de iPhone Art.

Para nostálgicos de los años setenta, es posible experimentar los asombrosos efectos de la mítica Dream machine, la escultura cinética que Brion Gysin creó en 1961 junto a William Burroughs, descargando gratuitamente la aplicación en la tienda virtual de Apple, el App Store.

Esta aplicación, que promete las mismas sensaciones de la lámpara estroboscópica original, ha sido realizada y distribuida con motivo de la retrospectiva de Gysin, pintor, performer, poeta y escritor, organizada por el New Museum de Nueva York, que se puede ver en el Instituto de Arte Contemporáneo de Villeurbanne / Rhône-Alpes, en Francia.

Entre las obras concebidas especialmente para el iPhone destaca Vanitas, una pieza minimalista de los artistas Auriea Harvey y Michael Samyn que, con el seudónimo de Tale of Tales, se dedican a la producción de videojuegos alternativos.

Según sus palabras, Vanitas es "un memento mori para manos digitales". Precio de la obra en App Store, 1,59 euros. A mitad de camino entre una naturaleza muerta y un pequeño gabinete de las maravillas, Vanitas es una experiencia visual y sonora de estética gótica, poblada de imágenes sugerentes y citas literarias (Rimbaud, Nietzsche, Sappho y Kundera, entre otros) que, en estos tiempos de crisis, nos recuerdan que "todo es vanidad".

"Es como un juguete espiritual. Lo tienes en el teléfono y, cuando estás deprimido, la contemplación de algo perecedero te ayuda a apreciar lo que tienes", aseguran los artistas, que acaban de recibir el premio del festival de videojuegos hóPLAY, organizado por el centro Alhóndiga de Bilbao, por su videojuego de horror The Path.

Surgido directamente de jacksonpollock.org, Random Pollock, el proyecto con el cual Miltos Manetas ganó en 2009 el premio popular de los Webby Awards, es la versión para iPhone y para la tableta iPad de una página web que hace un año convirtió millones de internautas en fans del influyente pintor americano, iniciador del expresionismo abstracto.

Así como Pollock descargaba su energía creadora en los action paintings (acciones en las que pintaba una tela en el suelo, vertiendo cubos de pintura y utilizando manos y pies), el internauta que descargue la aplicación gratuita Random Pollock podrán llevar a cabo relajantes action paintings digitales, a través de sus pantallas táctiles y además ¡sin mancharse!

También gratuita es la aplicación Serendipitor que, según su creador, Mark Shepard, proporciona "una navegación alternativa que te ayuda a encontrar algo distinto a lo que buscabas".

A diferencia de la obra convencional, la mayoría de las diseñadas para el iPhone cambian a gusto del propietario. Es el caso de PhiLia, de la austriaca Lia, que reacciona cuando se agita el teléfono, o las rutas de hormigas de Antograph, de Scott Snibbe, que se forman a partir de las líneas que el internauta traza en la pantalla; En castellano la obra se puede encontrar con el nombre de Hormígrafo, al precio de 0,79 euros.

Hay que estirarse algo más (3,99 euros) para conseguir Sonic wire scultures, de Amit Pitaru. En este caso es el propio dueño de la aplicación quien dibujará sobre la pantalla de su teléfono, y sus trazos se van transformando en composiciones musicales. En este caso, para apreciar el cuadro, se aconsejan auriculares.

14-11-10 El País

Los arqueólogos hallan 12 nuevas esfinges

2010-11-15T07:51:00.000-08:00

Las figuras se encuentran en la avenida que unía los templos de Luxor y Karnak

Un equipo de arqueólogos ha hallado 12 nuevas esfinges, estatuas con cuerpo de león y cabeza humana o de carnero, en la antigua avenida que unía los templos faraónicos de Luxor y Karnak, a 600 kilómetros al sur de El Cairo. Según un comunicado del Consejo Supremo de Antigüedades, estas esculturas datan de la época del último rey de la XXX dinastía faraónica (343-380 a.C.)

La antigua avenida, flanqueada por una doble fila de esfinges que representaban al dios Amon-Ra, tiene unos 2.700 metros de largo y 70 de ancho y fue construida por Amenhotep III (1372-1410 a.C.) y restaurada, posteriormente, por Nectanebo I (380-362 a.C.).

Descubierto un nuevo camino

Por otra parte, los arqueólogos han descubierto un nuevo camino que une la avenida donde han sido localizadas las estatuas con el río Nilo. Según el Consejo Supremo de Antigüedades, hasta el momento, solo han sido desenterrados 20 metros de los 600 que componen el nuevo camino. Los investigadores continúan ahora las excavaciones para descubrir el resto de este trayecto, construido con piedra arenisca, una señal de la importancia que cobró en su tiempo.

El secretario general del Consejo Supremo de Antigüedades, Zahi Hawas, ha explicado que este camino era el que se utilizaba para trasladar en procesión la imagen del dios Amon en su viaje anual al templo de Luxor, para encontrarse con la imagen de su mujer Mut. Esta vía también era utilizada por el rey cuando participaba en ceremonias religiosas.

15/11/2010 El Periódico

El Templo de Venus y Roma recupera su esplendor

2010-11-11T08:57:00.000-08:00

Sometido a las inclemencias del tiempo y a la acción del hombre desde hace siglos, el monumento reabre ahora por primera vez tal y como el emperador Adriano lo concibió
El Templo de Venus y Roma, el impresionante monumento que el emperador Adriano ordenó construir en el año 121 d.C. en el corazón de Roma, reabrió este jueves al público mostrando todo su esplendor después de permanecer cerrado durante casi treinta años para ser restaurado.

Sometido a las inclemencias del tiempo y a la acción del hombre desde hace siglos, el monumento reabre ahora por primera vez tal y como el propio Adriano lo concibió.

Los trabajos han permitido volver a unir las dos celdas originales del templo, la dedicada a Roma y la dedicada a Venus, que durante un largo período permanecieron separadas por un muro.

Además, se han reconstruido parte de las paredes fracturadas y erosionadas por el paso del tiempo, se han afianzado los cimientos y se ha mejorado el sistema de desagüe en la zona para evitar que se produzcan filtraciones y desplazamientos de tierra a causa de las lluvias.

Situado en el lado sur de la colina Velia, a sólo unos metros del Coliseo, el Templo de Venus y Roma era considerado el más grande de la capital del Imperio.

Aunque fue Adriano quien ordenó su construcción en el año 121 con la voluntad de unir en un mismo espacio las estatuas de la diosa Venus y de Roma, que personificaba el Estado Romano, no fue inaugurado hasta el año 141, bajo el mandato del emperador Antonino Pío.

De forma rectangular, el templo estaba rodeado en sus dos lados de mayor longitud por un doble pórtico de columnas de granito gris, mientras que en los dos laterales cortos se abrían sendas escalinatas que portaban al Coliseo y al Foro, respectivamente.

En el interior, dos salas orientadas en sentido opuesto y precedidas por un vestíbulo servían para rendir culto a Venus y a Roma, unidas por un muro continuo.

Sin embargo, ese mismo muro se convirtió en una forma de división a partir del siglo VII, cuando la zona dedicada a Roma pasó a formar parte del convento de Santa Francisca Romana y la de Venus, orientada hacia el Coliseo, quedó transformada en un jardín.

Gran parte de los restos que pueden contemplarse hoy, se atribuyen a una restauración llevada a cabo por Majencio en el año 307 después de que un incendio destruyera la parte central del Foro, entre ellos las columnas en pórfido situadas en las paredes o el pavimento de losas de mármol.

Junto a estos restos, se ha recuperado también el jardín exterior del templo, en el que aún se conserva una parte de la columnata que rodeaba el monumento.

El Templo de Venus y Roma puede visitarse desde hoy como parte del recorrido por los Foros Imperiales y su reapertura permite contemplar una de las construcciones más memorables de la antigua Roma en todo su esplendor.

La Sagrada Familia

2010-11-07T11:23:00.000-08:00

+ info:

http://www.youtube.com/templesagradafamilia
http://www.sagradafamilia.cat/

Rubens en el Prado

2010-11-05T02:00:00.000-07:00

4/11/2010 RTVE

El museo exhibe sus fondos completos del artista más admirado de su época - La pinacoteca alberga la mayor colección mundial del maestro de Amberes

"Mire esa maravillosa cabeza de caballo, ¿no se parece a Nicole Kidman?". Alejandro Vergara, jefe de conservación de pintura flamenca del Museo del Prado, es un erudito apasionado capaz de mezclar a una actriz de Hollywood con Plinio el Viejo para, delante de la Lucha de san Jorge y el dragón, explicar que Rubens fue el primer artista de la historia en pintarle babas a los caballos. El objetivo era acentuar la sensación de vida y el resultado fue que todos los que vinieron tras él lo imitaron.

La figura de Peter Paul Rubens (1577-1640) es tan contundente como algunos de sus cuadros. La Adoración de los Magos, por ejemplo, un lienzo de casi cinco metros en el que el artista flamenco se autorretrató con espada y cadena de oro. Él había pintado una versión más pequeña de la obra en 1609 y veinte años después retocó algunas figuras y añadió otras, entre ellas a sí mismo. El gesto, nada gratuito, tenía su fundamento: para entonces era, de lejos, el pintor más admirado del planeta.

De Rubens se conservan 1.500 cuadros y cerca de 9.000 dibujos, pero casi ninguno lleva su firma. No lo necesitaba: los monarcas de Europa se disputaban sus servicios. Noventa y tres de esas obras -el doble que de velázquez o tizianos- se guardan en el Prado. No hay en el mundo otra pinacoteca más rica en óleos del pintor de Amberes. Desde hoy y hasta el 23 de enero de 2011, 90 rubens -falta alguna pieza comprometida en préstamo- pueden verse en el museo madrileño en un montaje rompedor que no ocupa más que dos salas de la ampliación de Moneo.

Ordenados cronológicamente y apenas separados por unos centímetros, tal y como se mostraban antiguamente en muchos talleres, los cuadros forman "una coreografía" que Miguel Zugaza, director de la institución, define como "almacén visitable, instalación, gabinete, Rubens de 360 grados, Rubens sin fin...".

La muestra, comisariada por Alejandro Vergara, pretende llamar la atención del público sobre un pintor que nunca ha perdido el favor de artistas, historiadores y críticos pero que parece haber caído en desgracia para el gusto contemporáneo. "Se le ve como retórico y antiguo", explica Vergara. "Ha sido víctima de la idea de progreso aplicada a las artes y de una modernidad asociada a la sobriedad y el minimalismo". Para él, sin embargo, el apego de Rubens a la Antigüedad clásica -más que con otros pintores se le ha comparado con Homero- es uno de los grandes valores de este "pintor gigantesco y sabio": "Nos hace viajar más lejos".

Tan lejos como a un mundo que entre los siglos XVI y XVII vivía su gran crisis y la explosión del primer capitalismo después de que el oro que llevaba cien años llegando desde América facilitara la construcción de palacios cuyas paredes había que llenar con arte. Los tapices eran muy caros y los artistas se vieron inmersos en una suerte de producción semi-industrial de pintura.

En ese escenario triunfó Rubens, que ocupó el trono vacante desde la muerte de Rafael y convirtió su taller en una factoría en la que llegaron a trabajar hasta 25 ayudantes, algunos tan ilustres como Van Dyck. En una carta a un noble británico que requería sus servicios revela que las telas pintadas enteramente "de su mano" costaban el doble que aquellas en las que su participación se limitaba al boceto o los retoques.

Justo cuando las artes buscaban reconocimiento, él se convirtió en un profesional reconocido que hablaba seis idiomas, ejercía como coleccionista y diplomático -llegó a negociar un tratado de paz entre Inglaterra y España- y se construía en Amberes una casa a la altura de su enorme colección particular, la vivienda de alguien digno de compartir escena con Melchor, Gaspar y Baltasar. No extraña, así, que durante décadas fuera un verdadero referente para sus colegas, el rey de los pintores de un tiempo que tuvo entre sus contemporáneos a figuras de la ciencia y de la cultura como Galileo, Descartes, Shakespeare o Cervantes.

"No hay proyecto, por grande o variado que sea, que supere mi coraje", escribió Rubens en una carta de 1921, y la exposición del Prado es la más rotunda ilustración de esa frase: escenas mitológicas y religiosas, retratos de apóstoles, nobles y reyes, bodegones y paisajes, Rubens sin fin, efectivamente. Mucho más, como bromea Vergara, que "mujeres gordas desnudas".

Pero además de una explosión de vitalidad y talento, color y carne, la muestra es también la historia de una obsesión, la del rey Felipe IV, que a finales de la década de 1630 se convirtió en el principal coleccionista del maestro flamenco. Rubens visitó España por segunda vez en 1628, se alojó durante ocho meses en el Alcázar real, copió compulsivamente a Tiziano y convivió con Velázquez, 22 años menor que él.

Tiempo después, y fiel a su obsesión, Felipe IV, que ya tenía decenas de rubens en la Torre de la Parada, una pabellón de caza cercano al Pardo, quiso tener copia de todos en su palacio de Madrid. Algunas de esas copias son las que pueden entreverse detrás de las infantas en Las meninas. Poco después de la desaparición del artista, el monarca español compraría a sus herederos 15 nuevos cuadros, entre ellos, una tabla emblemática: Las tres Gracias. "Considero que todo el mundo es mi país", escribió en otra carta Peter Paul Rubens. Su nombre está tan unido a la cultura española que aquí se le llama Pedro Pablo.

5/11/2010 El País

De YouTube al Guggenheim

2010-10-24T13:54:00.000-07:00

Presentados los 25 vídeos finalistas del concurso YouTube Play organizado por el Museo Guggenheim de Nueva York
Cuando el museo Guggenheim anunció hace cuatro meses la primera convocatoria de la bienal Youtube Play, las premisas de una propuesta abierta tanto a profesionales como a neófitos del vídeo parecían difusas. "El objetivo último es descubrir qué se está haciendo ahí fuera y ver si la base tecnológica de algo como Youtube, las redes sociales y estas nuevas formas de distribución online están contribuyendo a transformar el tipo de propuestas que hacen los artistas, afectan al producto creativo o incluso si Internet está generando nuevas formas de arte". Así lo explicaba a este diario Nancy Spector, subcomisaria de arte contemporáneo de la Fundación Guggenheim entonces.

Pues bien, 23.000 videos más tarde (de menos de 10 minutos), y después de que un equipo de comisarios del museo redujera su número a 125, un jurado compuesto por sospechosos demasiado habituales en las ligas de la imagen y la modernidad oficial como Laurie Anderson, Takashi Murakami o Shirin Neshat han seleccionado los 25 mejores, presentados la pasada noche en Nueva York con honores más propios de un descubrimiento para curar el cáncer que de videos hechos (bien hechos) por jóvenes que dominan los lenguajes visuales de hoy y con toda naturalidad cuelgan sus creaciones en youtube en busca de audiencia.

El resultado final de esta convocatoria, que no deja de reflejar el intento casi desesperado de las instituciones tradicionales por acercarse como sea y a costa de lo que sea a audiencias más jóvenes, es un 'megamix' visual heterodoxo pero poco revolucionario que también podría haberse titulado 'festival de cortometrajes Guggenheim'. De hecho, algunos de ellos fueron precisamente películas que llegaron incluso a acariciar el oscar, como el corto animado I met the Walrus, de Jerry Levithan.

Este filme de 2007 (la convocatoria estaba abierta a trabajos con hasta dos años de vida) es una fascinante película de animación realizada sobre el sonido de la entrevista real que un fan de John Lennon de 14 años (el propio Levithan) le hizo al cantante tras colarse en su hotel en Toronto en 1969 y en el que Lennon habla sobre la responsabilidad de la gente en como funciona el mundo. Por algo se quedó a las puertas del Oscar. Pero su talento y el del animador Josh Raskin ya lo habían descubierto hace dos años en la Academia de Hollywood cuando les escogieron como candidatos.

La animación abunda entre los finalistas, aunque no hay nada en sus propuestas que un adicto a los festivales de cine no pueda encontrar en esos foros. This aborted Earth: the quest begins , por ejemplo, es una película de animación de Michael Banowetz y Noah Sodano que precisamente ahora compite en un festival en Los Angeles y que recuerda peligrosamente a las animaciones que hacían los Monty Python en los años setenta. Deuce, en cambio, de la estadounidense Monica Cook, es la entrada de esta artista que habitualmente pinta y dibuja en el mundo de la animación tradicional con una desasosegante historia que mezcla la realidad y los sueños de dos personajes animados por ella fotograma a fotograma.

Esa quizás sea la única seña común a la mayoría de estos trabajos: el juego constante entre realidad y ficción, tanto en propuestas extremas como Post Newtonianism, del neoyorquino Josh Bricker, en la que las imágenes de las guerras del siglo XXI -donde la sangre y los muertos se han sustituido por explosiones e imágenes de videojuego- se combinan precisamente con imágenes y sonidos de videojuego en una pantalla dividida en dos en la que es imposible discernir qué parte es realidad y qué parte es ficción.

En ese sentido destaca el trabajo del australiano Keith Loutit, cuya serie Bathtube es bien conocida entre los adictos a navegar por Youtube. A la bienal presentó Bathtube IV, donde continua utilizando la técnica que le ha hecho famoso : toma miles de fotografías de paisajes cercanos a él -Sidney y alrededores- con cámaras de gran formato y jugando con los enfoques consigue crear un efecto de miniaturización, acentuado por la velocidad a la que se proyectan las imágenes. "Yo era un fotógrafo aficionado pero gracias a Youtube la gente me ha tomado en serio y ahora puedo trabajar en esto" aseguró en entrevista telefónica a este diario. Su caso es sin duda uno de los más 'youtube' de entre los seleccionados. "A mí me animó a seguir la gente que veía mis videos y me decía que eran buenos" asegura un fotógrafo que antes se ganó la vida haciendo trabajos variopintos y actualmente está dando la vuelta al mundo con un proyecto titulado 'Small World' y que consiste en retratar múltiples lugares del planeta y 'miniaturizarlos'. "Hasta ahora mi obra había tenido la validación del público. Ahora tiene también la del mundo del arte" comentaba satisfecho antes de la presentación oficial.

También han recibido 'el aprobado artístico' creadores como los sudafricanos Die Antwoord, todo un fenómeno viral en sí mismos -su video Enter the Ninja es tan conocido como los de ese otro fenómeno viral llamado Ok Go -. El fotógrafo sudáfricano Sean Metelerkamp, autor de aquel video, es el que ahora se lleva los parabienes artísticos con este otro video en el que se mezcla música y documental sobre la banda.

24/10/10 El País

+ info

http://www.youtube.com/user/playbiennial

El Museu Picasso impulsa el primer 'Big Draw'

2010-10-24T13:29:00.000-07:00

La fiesta del dibujo se celebrará el domingo con 12 talleres repartidos por las calles y plazas de los alrededores del museo
El Museu Picasso de Barcelona impulsa la primera edición en España del 'Big draw', una iniciativa cultural de carácter gratuito que llenará el barrio de la Ribera de dibujantes, ilustradores y diseñadores que realizarán talleres con la gente de la calle.

El 'Big draw' nació en Londres hace 10 años. Berlín y Nueva York ya van por la segunda edición, y este año se estrenan Ámsterdam, Sydney y Barcelona.

La fiesta del dibujo se celebrará el domingo, desde las 11 hasta las 18 horas, en 12 talleres repartidos por las calles y plazas de los alrededores del museo. "Hace tiempo que el museo no quiere ser un trastero de cuadros, un lugar muerto y aburrido", ha dicho este viernes el director del Picasso, Pepe Serra, que también ha destacado que el centro alberga 3.800 dibujos del artista malagueño, por lo que el dibujo es una técnica idónea para conocer a Picasso.

El dibujante América Sánchez, que se autodefine como "outsider", instalará espejos en los patios del museo para que los visitantes se atrevan a realizar autorretratos, y ha restado importancia a la destreza que tenga cada uno: "Cuanto más burro sea el dibujo, mejor", ha dicho.

Philip Stanton instalará una larga mesa en el paseo del Born para dibujar un gran mural colectivo, y Pau Estrada luchará contra la acepción "peyorativa" del término garabato, reivindicando esas pequeñas obras de arte que se hacen mientras se habla por teléfono y que llenan los márgenes de los libros de texto cuando se intenta estudiar.

La iniciativa involucrará a otros referentes culturales del barrio, como el Espai Brossa, que realizará un taller sobre escenografía teatral, y el teatro La Puntual, que instará a los paseantes a "esculpir su propia sombra".

También estarán Pilarín Bayés, Papermind Fanzine, Javier Peñafiel, Óscar Guayabero, Curro Claret, David Ymbernon y Miguel Gallardo. Todos los dibujos serán documentados por el museo, que realizará un vídeo y fotografías que se colgaran en Flickr.

En algunos casos, los propios artistas escanearán los dibujos para reenviárselos a los autores. Serra ha confiado en que en próximas ediciones se unan otras instituciones de la ciudad, como el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (Macba) y el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB).

24/10/10 La Vanguardia

+ info

http://www.bcn.cat/museupicasso/bigdraw

Fotos antigues de Catalunya

2010-10-18T08:56:00.000-07:00

Abans a catalunya

View more presentations from esterballart.

¿La Piedad perdida de Miguel Angel?

2010-10-12T09:02:00.000-07:00

La que podria ser la Piedad perdida de Miguel Angel tiene un dibujo conocido que coincide exactamente con la composición y la particular anatomía de los Ángeles, Cristo y la Virgen. El dibujo actualmente se encuentra en el museo Isabella Stewart Gardner.

En el dibujo de La Piedad que le regaló a Vittoria Colonna alrededor de 1540, la transformación de Miguel Ángel es evidente en el estilo. En esta obra, la figura de Cristo está tratada con mucha delicadeza, buscó la simetría orgánica con su madre María mirando hacia el cielo; ella extiende los brazos medio en cruz hacia arriba, mientras su Hijo los deja caer hacia abajo, todo en una composición simétrica que refuerzan las dos figuras laterales de unos niños y la cruz del fondo, que parte en dos mitades iguales el cartón y que tiene una inscripción sacada de Cantos de El Paraíso de Dante: «Non vi si pensa quanto sangue costa» (No se piensa cuanta sangre cuesta).
Vittoria Colonna era descendiente de una familia noble, y una de las mujeres más notables de la Italia renacentista. De joven se casó con Fernando de Ávalos, marqués de Pescara, un hombre poderoso que murió en la batalla de Pavía cuando luchaba en el bando español al servicio de Carlos I. Después de la muerte de su esposo se retiró de la vida cortesana y se dedicó a la práctica religiosa. Se unió al grupo de reformistas erasmistas de Juan de Valdés, Reginald Pole y Ghiberti, que seguían una doctrina que apostaba por una contrarreforma.

En Roma, en el año 1536 y en el convento de San Silvestro a Montecavallo, el artista conoció a esta dama y desde el principio hubo una empatía mutua, quizá porque los dos tenían las mismas inquietudes religiosas y ambos eran grandes aficionados a la poesía. Según Ascanio Condivi, Miguel Ángel «estaba enamorado de su espíritu divino» y, como era un gran admirador de Dante, ella representaba lo que el personaje de Beatriz significaba para el poeta. Esto se desprende de la lectura de los poemas dedicados a Vittoria, así como de los dibujos y los versos que le regaló, todos de temática religiosa: una Piedad, una Crucifixión y una Sagrada Familia.

Vittoria murió en el año 1547, hecho que dejó a Miguel Ángel sumido en el dolor más profundo. Tal como él mismo confesó a Ascanio Condivi, «No había tenido dolor más profundo en este mundo que haberla dejado partir de esta vida sin haberle besado la frente, ni el rostro, como le besó la mano cuando fue a verla en su lecho de muerte»

La capilla sixtina

View more presentations from esterballart.

Aparece en Nueva York una 'Piedad' que podría ser de Miguel Ángel

2010-10-12T09:01:00.000-07:00

El cuadro pintado al óleo está valorada en cientos de millones de dólares
Una familia de la ciudad de Búfalo, en el estado de Nueva York, reveló que posee un cuadro pintado al óleo, una Piedad, que podría ser de Miguel Ángel y estar valorada en cientos de millones de dólares, informó hoy el diario New York Post en su edición digital.

Se trata de una Piedad, en la que aparece la Virgen María y Jesucristo, sostenido por dos niños, que ha estado durante más de un siglo entre las propiedades de la familia de un militar retirado, Martin Kober, quien recientemente inició las pesquisas para conocer si esa obra pertenece al maestro renacentista Miguel Ángel Buonarruoti (1475-1564). Kober, quien relató que ese cuadro ha estado siempre en el salón de su casa y que siempre se referían a la obra como "el Mike" (diminutivo de Michael en inglés), consultó con un experto y restaurador de obras de arte italiano, Antonio Forcellino, según el diario citado.

El militar retirado contó también al periódico que durante años tuvieron el cuadro envuelto y colocado detrás del sofá, porque sus hijos lo habían golpeado con una pelota de tenis en la década de los setenta. Forcellino, dice el periódico, menciona la posible pintura renacentista en su último libro titulado La Piedad Perdida, en el que señala que lo que más le alarmó "fue que hubiera estado expuesto al calor que normalmente hay en la sala de estar de una familia de clase media". Aunque escéptico inicialmente, el experto italiano visitó a los Kober en Búfalo y, según el diario, afirmó que la pintura "es más bella que muchas de las versiones que cuelgan (en museos) de Roma y Florencia".

Asimismo dijo al New York Post que ya se han hecho pruebas de rayos X a la pintura, que está realizada sobre un panel de madera, y en la que se han observado numerosas alteraciones hechas por el artista según iba pintando, así como una parte inacabada de la pierna de la Virgen María. "Las pruebas hechas sobre las partes inacabadas del cuadro muestran que nunca podría ser una copia de otra pintura", según el experto, que data la obra en torno a 1545 y que habría sido un regalo de Miguel Ángel a su amiga Vittoria Colonna (1490-1547).

El cuadro, según el diario, pasó después a ser propiedad de dos cardenales católicos y finalmente llegó a manos de una familia aristócrata alemana a través de la esposa de uno de ellos, Nicoletta Villani, quien se lo dejó en herencia a Gertrude Young Young se casó con un antepasado de los Kober y envió la obra a Estados Unidos como regalo en 1883, dijo su actual propietario.

Según el profesor de arquitectura e historia de la universidad de Washington, en St. Louis (Misuri), William Wallace, otro experto, citado por el rotativo quien también revisó la obra, ésta podría valer "millones y millones" de dólares, dado que los últimos dibujos vendidos del maestro renacentista en los últimos años superaron los 20 millones.

12/10/10 La Vanguardia